L’ottava arte è un vocabolario di emozioni, nel senso ben evidenziato da Ferdinand de Saussure quando scriveva: “Il segno linguistico unisce non una cosa e un nome, ma un concetto e un’immagine acustica”.
Di fatto alcuni scatti sono veri e propri idiomi artistici, dall’intento formativo, ed è il caso di quelli esposti per la mostra “Il teatro di figura. Burattini, marionette, pupi e ombre” al Centro di Cultura, Formazione e Attività forensi dell’Ordine degli Avvocati di Genova in via XII Ottobre 3 al secondo piano dal 25 settembre al 13 ottobre. L’ingresso è libero dal lunedì al venerdì in orario 10 – 18.
L’esposizione su ideazione, organizzazione e allestimento dell’avvocato e artista Gabriella de Filippis accomuna due realtà di primo piano in Italia quali il Museo delle Marionette di Campomorone situato all’interno dello storico Palazzo Balbi (http://www.marionettecampomorone.it) e il Castello dei Burattini di Parma (www.castellodeiburattini.it) con gli scatti rispettivamente della fotografa, videomaker e giornalista Giulia Cassini e del fotografo e consulente finanziario Massimo Pezzica. All’inaugurazione del 25 settembre alle 18 saranno presenti diverse autorità, come il sindaco di Campomorone Giancarlo Campora e verrà proiettato un docuvideo emozionale a cura di Giulia Cassini e Gabriella de Filippis. A supporto dell’esposizione diversi insight critici con curatela scientifica di Gabriella de Filippis e di Donatella Ferraris, che rilevano gli aspetti fondamentali “raccontati” dalle immagini.
Un doppio binario che accende la fantasia e fa luce su uno spaccato storico di sicura presa, a partire dal Museo di Campomorone diretto da Paola Alpa, uno dei pochissimi esempi di “teatro domestico” usato nell’Ottocento dalle famiglie aristocratiche e nei primi anni del Novecento da molti nuclei borghesi che fa rivivere l’esperienza artistica e il lavoro di Angelo Cenderelli. Quest’ultimo utilizzò la sua innata creatività in molti campi quale ideatore, costruttore (tra i tanti esempi che si potrebbero addurre progettò da tecnico il Monumento ai Caduti di Piazza della Vittoria, l’ampliamento della Porta urbana di Piazza Manin, il Liceo-ginnasio Andrea Doria, il Palazzo dell’Intendenza di Finanza dell’attuale Via Fiume), scenografo e regista. Si segnala per approfondire tra le diverse pubblicazioni “Il teatro ritrovato. L’edificio marionettistico di Cenderelli a Campomorone” di Skira.
Tra le pagine di questo interessante volume, si legge nell’estratto di Eugenio Monti Colla: “Lo spettacolo di marionette presenta alcuni topoi molto particolari. In esso sono confluiti gli elementi più tipicamente d’effetto del teatro classico e del melodramma. L’amore contrastato, l’eroe reietto e abbandonato, l’ingresso del protagonista ad azione avviata, i co-protagonisti che preparano l’arrivo del protagonista, la caccia, il temporale, le nuvole in movimento, il mare in tempesta, il tramonto, il sorgere della luna… Le musiche di scena hanno, spesso, doppia trascrizione: per piccolo organico del genere café chantant per l’esecuzione dal vivo nei teatri di prestigio, per banda musicale da utilizzarsi nei piccoli centri privi di professori d’orchestra”.
Al Museo delle Marionette, inaugurato nel 1986 e completamente rinnovato nel 1993, sono esposte oltre 70 esemplari in ottimo stato conservativo e ben 265 costumi, testimoniando la ricercatezza dei particolari.
Di grande rilievo anche la collezione Giordano Ferrari del Castello dei Burattini di Parma dove, come spiega la curatrice della mostra Gabriella de Filippis, “Sono esposti circa 400 pezzi su oltre 300 metri quadri di esposizione che rappresentano solo una parte del lascito Ferrari. A questa collezione si sono aggiunti ulteriori contributi come quelli donati al Museo dalla moglie e dai figli di Franco Cristofori. Anche la figlia dell’ingegnere Amilcare Adamoli, burattinaio dilettante, alla morte del padre ha donato la sua collezione di burattini, copioni, fondali… Una testimonianza fondamentale, che ci permetterà di spiegare ai visitatori le differenze tra burattini a bastone, a mano vera, a guanto, poi la complessità delle manovre da sopra la figura che si tracciano con le marionette, e con i pupi, tipologia che si differenzia proprio per la tecnica del movimento”.
Un vero e proprio mondo tutto da scoprire con il patrocinio del Comune di Campomorone, del Museo delle Marionette Collezione di Angelo Cenderelli a Campomorone, del Comune di Parma, del Castello dei Burattini Museo Giordano Ferrari.
Il teatro di figura: burattini, marionette, pupi e ombre Patrocinio di: Comune di Campomorone, Museo delle Marionette Collezione di Angelo Cenderelli - Campomorone, Comune di Parma, il Castello dei Burattini - Museo "Giordano Ferrari" Organizzazione e allestimento a cura di: Gabriella de Filippis. Foto di: Giulia Cassini e Massimo Pezzica Dal 25 settembre al 13 ottobre 2020 Orari: lunedì - venerdì, 10.00-18.00 Ingresso: gratuito Informazioni: T. 010.566217 - 010.566432 - formazione@ordineavvocatigenova.it
Centro di Cultura, Formazione e Attività Forensi II piano Via XII Ottobre, 3 16121 Genova
Inaugurata l'8 luglio alle 18 in streaming e visitabile dal 9 all’30 settembre, in due diverse versioni e luoghi, la mostra Cathedral Effect, esposizione inedita dei lavori del fotografo e artista dell’immagine Luigi Tolotti.
Nella mostra, proposta in due varianti differenti all’interno di Spazio d’arte Trart, a Trieste, e della Galleria Prologo di Gorizia, l’autore indaga la relazione fra colori ed emozioni tramite le sue “light boxes”, opere che ricordano le finestre di una cattedrale.
Il risultato è un'ipnotica installazione che associa tra di loro immagini legate da un racconto da scoprire, cangiante emozionalmente su note musicali che trasportano il visitatore da icone di bellezza antica a simboli di contemporaneità e la luce ne cambia le immagini come in un caleidoscopio, ricordando i colori e le visioni delle vetrate delle cattedrali gotiche. Gli opposti si inseguono e sottolineano la nostra difficoltà di comprendere la realtà, il nostro mondo dell’illusione. Una navigazione estremamente pulita e affascinante.
Luigi Tolotti è noto per la sua instancabile ricerca tecnica e scientifica nella rappresentazione dell’immagine fotografica, incluse le installazioni d’avanguardia.
Per questo è il protagonista ideale di un’esposizione che rientra nel Science in the City Festival di ESOF2020, organizzata da Acquamarina Associazione Culturale, Trart spazio d’arte, in collaborazione con Associazione Culturale Prologo di Gorizia e Isomorph Srl.
In quest’esposizione muovendosi tra percettibile e impercettibile, le “finestre” di Tolotti, attraverso continui loop visivi, rivelano, con l’aiuto delle luci, della musica e di immagini tratte dalla storia, l’arte, il cinema, la natura e l’attualità, ciò che è alla base della fisica teorica, della matematica, dell’energia e dell’uomo: il principio di dualità, positivo e negativo, vero e falso, visibile e invisibile, 1 e 0, in moto perpetuo.
All’esposizione è associato un ciclo di tre conferenze e una visita guidata a cavallo tra arte e scienza, che avranno come protagonisti il fisico Hans Grassmann e lo stesso Tolotti e proposte alla galleria Trart dal 16 luglio per quattro mercoledì successivi, oltre che in streaming.
All'’inaugurazione, con la partecipazione di Annamaria Castellan, Federica Luser, Franco Spanò, del fisico Hans Grassmann e del fotografo Luigi Tolotti, si poteva seguire in streaming su https://meet.google.com/gmg-bwzk-dqt.
“A prima vista il lavoro di Luigi Tolotti è ipnotico. L’alternarsi delle immagini e dei colori risulta psichedelico. L’allestimento dei light-boxes sovrapposti rimanda ai riquadri delle vetrate gotiche e al loro impatto emotivo. Ma la loro visione scatena una riflessione profonda sul mondo delle immagini, sul bombardamento mediatico, su quanto la quantità di informazioni ne abbia diminuito il valore, fino ad annullarlo. L’effetto ipnotico è solo il livello più superficiale”, scrive la curatrice Federica Luser nell’introduzione alla mostra.
Sono molti gli accostamenti insoliti proposti dalla mostra: la donna-robot di Metropolis, uno dei simboli del primo cinema di fantascienza, viene affiancata a Steve Jobs e al Cristo pantocrate, a fotografie naturalistiche e a vecchie foto di guerra.
Questi arditi accostamenti, scrive Luser, rendono ancora più straniante il messaggio, spingendo il visitatore a pensare all’insensata ottusità che, tramite una comunicazione illusoria, vede l’umanità procedere, senza porsi particolari domande, verso obiettivi indotti e non necessari. Luigi Tolotti:“Considero la realtà nella quale viviamo insondabile. Riusciamo a interagire solo in una minima parte superficiale con il mondo come ci appare e la variazione di frequenze (cambiando i colori) mi aiuta a visualizzare queste mie considerazioni”.
Senz’altro si tratta di una mostra in cui non è assente una nota ironica: “Ma è un’ironia amara, gestita nel migliore dei modi e con perizia tecnica - prosegue Luser -. Due immagini sovrapposte che sfumano una nell’altra a seconda del colore di cui sono investite. Colore che attira e distoglie con forte implicazione sul piano emotivo: basta cambiare la frequenza e qualcosa cambia. L’immagine si trasforma, rendendo tutto aleatorio. Il messaggio che stavamo seguendo non esiste più, incalzato da quello successivo, così in un loop gestito da chi manovra il telecomando, o come un criceto nella ruota che insegue chissà che! Niente di più lontano dalla maestosità delle vetrate e dal silenzio delle cattedrali gotiche, anche quelle però se viste solo a livello superficiale mantenevano unicamente l’effetto ipnotico. Nulla più…”.
All’interno di Trart spazio d’arte, si potranno ammirare le opere nella loro interezza (con orario 18-20 da giovedì a sabato), mentre alla Galleria Prologo (via Isaia Ascoli 8/1, Gorizia) sono esposti ritratti multipli di varie dimensioni e opere sfogliabili dai visitatori (orario 16-19 da lunedì a venerdì).
Entrambe le esposizioni sono visitabili gratuitamente ma su prenotazione (alla mail cathedraleffecttrart@gmail.com), con accesso contingentato e nel rispetto delle normative vigenti.
L’inaugurazione e le successive conferenze si potranno visionare anche in streaming sui siti www.trart.it, www.prologoart.it, lineamirror-scienceinthecity.uniud.it, e sui relativi canali social. Lo stesso vale per le mostre, di cui viene proposta anche una visita virtuale sugli stessi canali.
Luigi Tolotti nasce a Trieste nel 1966, da sempre affascinato dall’arte visiva, inizia il suo percorso artistico a partire dalla fine degli anni '80, con particolare attenzione al disegno ed alla fotografia. Dopo aver terminato gli studi superiori, comincia a dedicarsi allo sviluppo e perfezionamento delle tecniche espressive.
Nel 1990 frequenta la “Scuola libera dell’acquaforte Carlo Sbisà”. Integra i suoi studi presso la “Scuola Internazionale di grafica di Venezia” frequentando in successione i corsi:
1994: fotoincisione e tecniche miste diretto da Daniel Divorne;
1995: fabbricazione carta a mano diretto da Fernando Masone;
1996: incisione–tecniche avanzate e sperimentali diretto da Riccardo Licata;
1996: stampa a colori simultanei “tecnica Hayter” diretto da Anna Romanello.
La carriera ventennale gli ha consentito di sviluppare una vasta esperienza nel campo delle tecniche di fotografia e grafica: - Incisione: tecniche tradizionali (acquaforte, acquatinta, ceramolle) - Incisione: tecniche sperimentali (stampa con matrici alternative: legno, cartone, plastica, ecc.) - Fotoincisione - Metodi di stampa fotografica tradizionali - Sviluppo e stampa di negativi - Pc softwares-Suite Adobe - Tecniche di stampa digitali - Utilizzo fotocamera a foro stenopeico - Cameraless photography
Mostre 1992: “Biennale giuliana d’arte” - Trieste
1993: “Collettiva d’incisione” presso la Sala Comunale di Trieste
1994: secondo premio giovani artisti Lloyd Adriatico 1994: “Collettiva di fotoincisione” presso la Galleria “Segno Grafico” di Venezia
1995: primo premio grafica “Trofeo Cesare Dell’Acqua”
1998: “Collettiva itinerante Trieste Arte & Parkinson”
2004: “Quotidiana 04” - Trieste
2006: “Quotidiana 06” - Lignano
2006: Festival “Trieste è fotografia”
2007: “Daydreaming Magazine” – Trieste
2007: Work in progress –Serre di Villa Rivoltella - Trieste
2007: Matrici sperimentali; Associazione culturale “Prologo” - Gorizia
2007: Bardou, Mons La Trivalle Francia
2007: Sala Comunale di Trieste, “In piazza si vive” 2007: Culture & Culture; Chateau de Padies Francia
2008: Giornata mondiale del foro stenopeico; Tolmezzo 2008: “Visioni stenopeiche”, Knulp Trieste.
2009: Fotografia stenopeica; Corte del Libro - Tolmezzo 2010: Libreria “Minerva” - Trieste
2010: "Uno+Uno"; Associazione Juliet presso A.S.P. ITIS - Trieste 2010: Quattro Artisti in viaggio con Ulisse; Associazione DDP; Tolmezzo
2010: Da Trieste a Parigi – Associazione culturale Twins – Trieste
2010: “Bloomsday”; Assessorato alla Cultura e DDProject - Trieste
2011: 54a Biennale di Venezia, Padiglione Italia, Regione Friuli Venezia Giulia
2012: Le Vie delle foto; Trieste
2013: “Io che non vivo" - Workshop relazionale
2013: Rayograph.Fashion editorial published on Juliet Art Magazine nr. 164/ Oct.- Nov. 2013
2013: Photoshooting “Rayograph: Space interaction at Fondazione d’arte contemporanea U. Carà” Comune di Trieste, Trieste, Italy (IT)
2014: "Fotonotte", Casa dell'Arte, Trieste, Italy (IT) 2014: Lectures at CoversArt, Conversazioni d’Arte contemporanea, Scuola del Vedere/partnership with Juliet Art Magazine, Trieste, Italy (IT)
Il progetto si concentra sul tema culturale delle energie rinnovabili, per diffondere la conoscenza in questo settore, sottolineando l'importanza del contatto che la scienza deve avere con la società, e in particolare con l'arte, al fine di produrre tecnologia che rispetti la natura e l’uomo. Come esempio, l' attenzione è rivolta all'energia solare termica e all' uso della biomassa di scarto, con la dimostrazione di un ciclo chiuso virtuoso che può contribuire alla sostituzione del combustibile fossile. Sono mostrati un concentratore solare (esposto in modo spettacolare nel giardino della Biblioteca) e un gassificatore per trasformare la biomassa in gas. La divulgazione scientifica - effettuata attraverso seminari dedicati - è accompagnata da riflessioni artistiche sul tema della luce e del potere del Sole, della sua interazione con la materia e della sostenibilità. Diversi artisti presentano le loro opere e vengono offerti laboratori fotografici in tema. Filologi e antichisti mostrano come alle radici della cultura europea scienza e arte fossero parti integrate della cultura.
Anno dopo anno aumenta il contenuto di CO2 dell'atmosfera. Spingendo il nostro pianeta verso il disastro. È evidente che le tecnologie esistenti non possono risolvere il problema.
Dove sono le nuove tecnologie, che sono urgentemente necessarie? Ha la fisica giungere alla fine? L'ingegneria ha raggiunto i suoi limiti? Nel nostro progetto di fisica e arte vogliamo mostrare che un nuovo modo di fare la fisica è possibile: la fisica non è fatta in qualche ghetto, separata dal resto della cultura e della società, organizzato dagli amministratori. Ma piuttosto la fisica come parte della cultura umana. Negli ultimi anni questo approccio ha avuto molto successo: per prima cosa abbiamo sviluppato lo specchio lineare, un sistema innovativo per la raccolta concentrata energia solare termica. ("noi" è un piccolo spin accademico insieme con studenti e dottorandi delle Università di Udine e Trieste.)
Lo specchio lineare è semplice, economico, efficiente e funziona anche in inverno e alle latitudini settentrionali. È più conveniente dei combustibili fossili.
Lo specchio lineare apre le porte a una nuova industria rinnovabile, perché è in grado di tostare la biomassa di scarto (che altrimenti si decomporrebbe in CO2) e riscalda durante l'inverno. La biomassa tostata viene chiamata "carbone solare", poiché può sostituire i combustibili fossili in tutte le applicazioni.
In questo momento fornire calore termico da fonti rinnovabili è una priorità. Ma in futuro si vuole anche produrre energia elettrica dal carbone solare. Le turbine convenzionali hanno molti limiti, quindi vogliamo usare qualcosa di meglio: l' eolipila.
La fisica dietro lo specchio lineare e l' eolipila erano presenti nella grande biblioteca di Alessandria. È quindi meraviglioso presentare ora i nuovi sviluppi di questa scienza europea perduta in una biblioteca, la biblioteca di Trieste.
Luigi Tolotti: Cathedral Effect
A cura di: Federica Luser
Inaugurazione: mercoledì 8 luglio 2020 ore 18:00 Dal 08/07 al 30/09/2020
Orario: 18-20 da giovedì a sabato Ingresso: gratuito Prenotazioni: cathedraleffecttrart@gmail.com Informazioni: www.trart.it - www.prologoart.it - lineamirror-scienceinthecity.uniud.it - T. +39 040 775285 - info@trart.it
Trart spazio d’arte Viale XX Settembre 33 34126 Trieste
Un grande segnale artistico e culturale viene dal cuore della Puglia con la mostra dal titolo “Arte che incontra l’Arte: scultura, pittura, fotografia in masseria” accolta negli spazi della storica Masseria Palombara, a cura di Diego Viapiana, dal 31 luglio al 27 settembre; l’importante rassegna approfondisce il dialogo tra molteplici linguaggi artistici internazionali della contemporaneità e si sofferma sull’intenso rapporto fra arte e natura.
La mostra gode del Patrocinio di Pugliapromozione; l’inaugurazione di venerdì 31 luglio, ha visto la presenza di Michele Emiliano, Presidente della Regione Puglia, e di Nancy Dell’Olio, ambasciatrice della Puglia nel mondo.
Gli artisti coinvolti si confrontano sul tema della natura e le loro opere – sculture, fotografie, installazioni, pittura e video – ben si integrano nello spazio espositivo della Masseria, luogo in cui la natura ha un ruolo preponderante e privilegiato da secoli, simbolo della cultura pugliese e della sostenibilità ambientale.
Il percorso espositivo, che vede un alternarsi di opere di alto profilo artistico, si snoda nell’area archeologica, nella tipica torre colombaia, nei prati, nei viali alberati, nel capannone agricolo in tufo dell’antica Masseria Palombara, edificata tra il 1500 e il 1700, immersa nella vegetazione pugliese.
Maria Cristina Carlini è presente con quattro sculture monumentali che confermano l’interesse dell’artista verso la natura e i suoi elementi. Le opere istituiscono un legame profondo con il luogo; Babele, torre in legno di recupero e malta bianca, richiama arcaiche costruzioni ed è in sintonia con il paesaggio che la circonda. Incontro, in acciaio corten, alta oltre 3 metri, è collocata accanto a ulivi secolari e simboleggia una sorta di grande abbraccio che allude all’unione e al rispetto dell’uomo per l’ambiente. La grande scultura in legno di recupero e foglia d’oro, La Chiusaomaggio a Leonardo, si collega al lavoro rurale e al progresso in armonia con la natura. Di forte impatto la scultura Legni dalle linee morbide proiettate verso l’alto e accolta al centro della torre colombaia caratterizzata dall’alternarsi di pieni e vuoti. Un perfetto connubio originato dall’intima attenzione e dal rispetto che l’artista ripone nei confronti della terra e di tutto ciò che ad essa è connesso.
Gli artisti presenti in mostra sono: Elizabeth Aro, Silvia Celeste Calcagno, Maria Cristina Carlini, Davide Coltro, Felix Curto, Ines Fontenla, Domenico Grenci, Maria Lai, Antonio Marchetti Lamera, Enrico Minguzzi, Alessandro Saturno, Elisabeth Scherffig, Eltjon Valle, Alec Von Bargen. L’esposizione è inoltre un omaggio aDino Clavica, artista pugliese prematuramente scomparso lo scorso anno.
L’evento è realizzato in collaborazione con la Nuova Galleria Morone di Milano, con il sostegno di Allianz Bank e grazie all’Architetto Alessio Carbone.
ARTE CHE INCONTRA L’ARTE. Scultura | pittura | fotografia in masseria A cura di: Diego Viapiana Dal 31 luglio al 27 settembre 2020 Inaugurazione: venerdì 31 luglio, ore 19 Orari: tutti i giorni dalle 18.30 alle 22.00 Ingresso:libero Informazioni: T. +39.0831.849784 - reception@masseriapalombara.eu - www.masseriapalombararesosrt.com Ufficio Stampa Maria Cristina Carlini: IBC Irma Bianchi Communication - T. +39 02 8940 4694 - M. + 39 334 3015713 - info@irmabianchi.it - www.irmabianchi.it
Masseria Palombara SP 57 - via per Manduria Km 3,00 72024 Oria (Brindisi)
HIC SUNT LEONES o del paradosso dietro l'angolo è il nuovo progetto multimediale di Max Papeschi curato da Gianluca Marziani (tra i più importanti e influenti curatori italiani) e nato dalla collaborazione pluriennale con la Fondazione Maimeri e con l’art director Flavia Vago.
L’artista reduce dal tour mondiale di Welcome to North Korea (con il quale ha inaugurato nel 2016 questa particolare tipologia espositiva) ha scelto di ripartire dall’Italia. Tale decisione è stata presa dall’artista, per dare il suo personale contributo alla ripresa del Paese, in special modo in ambito culturale, dopo i fatti drammatici della pandemia. MaxPapeschi, famigerato per lo spietato sarcasmo delle sue opere, non poteva certo immaginare un’idea compassata e dai toni neutri, per dare una spinta alla propria Patria, infatti, al contrario, HIC SUNT LEONES è dotata di un carattere estremamente sagace e riflette abbacinanti tinte tricolori. La matrice dell’idea è storica e legata al nostro passato prossimo, di per se tutt’altro che auto-ironico, ma che ben si presta alla satira più estrema, il ventennio fascista. E dove poteva realizzare una simile visione Papeschi? A Roma, ovviamente! Nello specifico presso il WEGIL (precedentemente GIL), celebre palazzo di Trastevere che ha dato i natali nientepopodimeno che alla Gioventù Italiana del Littorio (da cui GIL per l’appunto).
Papeschi aveva già sfiorato l’argometo in precedenti operazioni, essendo la sua un’arte di natura socio-politica, ma, questa volta, circondato da un esempio enciclopedico di architettura fascista, qual è il WEGIL, ha dato libero sfogo alla caustica ironia che contraddistigue la sua poetica. Il risultato è un’installazione multimediale site specific, attraverso la quale Papeschi mette in scena una divertita e divertente parodia del Fascismo. I protagonisti sono le camicie nere e il Duce stesso, le cui effigi sono composte dai corpi “originali” in tenuta militaresca, ma sormontati dalla testa di Topo Gigio, emblema nazionale del Bene. Un accostamento talmente dissonante che riesce sia a demolire completamente l’autorevolezza della “nostrana” dittatura, sia a svelare la banalità del male in essa insito.
L’installazione si compone di: un video d’arte, cinque stampe (realizzate con il collage digitale, la tecnica in cui Papeschi è pioniere) e due cut-out figure (ultima frontiera installativa dell’artista). Il video, realizzato in animazione grazie alla collaborazione con Maurizio Temporin, è a tutti gli effetti il videoclip della popolare canzone fascista Faccetta Nera. Le cinque stampe sono altrettanti frame dei momenti più comico/iconici del video. Infine i due cut-out figure sono la sopracitata raffigurazione del Duce, la stessa che fa capolino sulla locandina della mostra (a testa in giù in quest’ultimo caso, come monito a imperitura memoria). Tutte e tre le parti vanno a comporre un’enorme allegoria, in corrispondenza di una mappa delle ex-colonie “dell’Impero”, (un vero monumento al colonialismo, sul quale sarà proiettato il video), scolpita sulla parete principale all’interno della location e fiore all’occhiello dell’architettura razionalista di quegli anni.
A completare il percorso espositivo ci saranno anche: una selezione di sessanta opere, tratte dal meglio della produzione papeschiana (da NaziSexyMouse a Just Married, passando per i progetti La Sociétè du Spectacle e From Hiroshima with Love, fino ai più recenti The Leader is Present e The Golden Cage) e il video d’arte/videoclip IT’S ALL DEVO (anche questo in collaborazione con Maurizio Tamporin) creato per l’omonimo brano del cantautore statunitense Gerald Casale dei DEVO.
In conclusione, con la mostra HIC SUNT LEONES, il messaggio che Papeschi vuole mandarci per la ripresa è che ridere dei “leones”, e più in generale delle nostre paure, è l’arma giusta per sconfiggerle e andare avanti. Come a dire: una risata ci salverà!
Max Papeschi approda nel mondo dell’arte contemporanea alla fine del 2008, dopo un’esperienza da autore e regista in ambito teatrale, televisivo e cinematografico. Il clamore mediatico sollevato da una sua opera gigante affissa sulla facciata di un palazzo nel centro di Poznan in Polonia lo proietta sulla scena internazionale, rendendolo in pochissimo tempo uno degli artisti italiani più conosciuti all’estero. In soli 10 anni di attività ha realizzato più di 60 mostre personali e partecipato a un centinaio di mostre collettive in giro per tutto il mondo.
Nel 2014, è uscita in Italia la sua autobiografia Vendere Svastiche e Vivere Felici edita da Sperling & Kupfer (Gruppo Mondadori). Ad aprile 2016, ha inaugurato a Milano il progetto culturale-umanitario Welcome to North Korea, il cui tour mondiale è tuttora attivo. È questo un vero e proprio precedente artistico realizzato in collaborazione con Amnesty International, che unisce arte digitale, performance e installazioni in un’operazione multimediale che, attraverso una fittizia e parodistica propaganda di regime, svela gli orrori perpetuati dal dittatore Kim Jong Un. Nel 2016 ha realizzato anche la copertina e il video clip/d’arte per la canzone It’s All DEVO del cantautore statunitense Gerald Casale (DEVO).
Nel 2017, Papeschi ha collaborato al mensile FQ MILLENIUM di Peter Gomez, creando la copertina del secondo numero della rivista e rilasciando per la stessa una lunga intervista. A settembre dello stesso anno la sua opera Wall Street è stata inserita nell’esposizione internazionale OPEN 20 ed esposta presso il Molino Stucky di Venezia. In ottobre l’artista ha preso parte anche alla Biennale di Karachi con il video d’arte/videoclip It’s All DEVO.
Nel 2018, ha inaugurato “Palermo Capitale Italiana della Cultura” con la mostra The Best is Yet to Come presso Palazzo Steri. In ottobre è uscito il suo nuovo libro Max vs Max, edito da Giunti, in collaborazione Massimiliano Parente e con testo introduttivo del critico Gianluca Marziani. Al progetto editoriale ha fatto seguito l’omonima mostra, presso il Contemporary Cluster (Palazzo Cavallerini Lazzaroni) di Roma, curata dallo stesso Marziani.
A gennaio 2019, Papeschi ha inaugurato la mostra Pyongyang Rhapsody, in collaborazione con l’artista Max Ferrigno, presso lo ZAC – Cantieri Culturali alla Zisa di Palermo. A maggio dello stesso anno, ha inaugurato la mostra Novecento/900 presso l’Historical Museum of Bosnia and Herzegovina.
HIC SUNT LEONES Dal 22 Luglio 2020 al 31 Agosto 2020 Curatore: Gianluca Marziani Orari: Tutti i giorni 10 - 19 | Chiuso il 15 agosto Enti promotori: Regione Lazio Organizzata da: LAZIOcrea S.p.a. in collaborazione con la Fondazione Maimeri e l’art director Flavia Vago e prodotta da GV Srl Media Partner: ARTE.it e Radio Rock Ingresso: Intero 6 € - Ridotto 3 € - Biglietti online www.liveticket.it/wegil - Ingresso libero per per le categorie previste dalla tariffazione vigente e per i possessori di LAZIO YOUth CARD che offre opportunità e agevolazioni agli under 30 residenti o domiciliati nella Regione Lazio Informazioni: 334 6841506 - info@wegil.it - http://www.wegil.it
Cosa significa essere artisti oggi e come si fa selezione? Questa era la questione cardine del panorama artistico, non solo nazionale, a cui Pro Biennale provava a dare una soluzione. Questo prima della pandemia. Ma dopo? Anche. Così l’appuntamento, ma non l’intenzione di offrire l’arte democratica, è stato posticipato da maggio a luglio. Con la stessa scaletta. Presentata a Venezia dal prof. Vittorio Sgarbi, accoglierà le opere di artisti italiani e stranieri contemporanei degni di essere notati e annotati.
Da segnare intanto il giorno dell’inaugurazione: giovedì 23 luglio 2020.
Doppio il vernissage, che comincerà alle 13 con l’apertura dello Spoleto Pavilion, altrimenti conosciuto come Palazzo Ivancich a 300 metri da piazza San Marco.
La rassegna porta i contributi di importanti personalità del mondo della cultura, della politica e dello spettacolo. A partire da Vittorio Sgarbi e dal curatore di mostre e grandi eventi Salvo Nugnes, organizzatore di Pro Biennale, troviamo: il soprano Katia Ricciarelli, Morgan, la scrittrice e psicoterapeuta Maria Rita Parsi, la giornalista e scrittrice Silvana Giacobini, già direttrice di «Chi» e di «Diva e Donna», e il direttore di Tgcom24Paolo Liguori. Ma anche il sindaco di Venezia Luigi Brugnaro, l’assessore al Turismo Paola Mar, il presidente della regione Veneto Luca Zaia, l’artista José Dalí, la giornalista RAIAntonietta Di Vizia e il fotografo internazionale Roberto Villa, amico di Pier Paolo Pasolini e di Dario Fo. Fino ad arrivare al Premio Oscar Gianni Quaranta, a Carlo Motta di Editoriale Giorgio Mondadori, Patrick, vincitore morale del Grande Fratello Vip e inviato speciale di Striscia la Notizia, e la giornalista di Rete VenetaAngelica Montagna.
Rendere l’arte e la cultura fruibili per tutti e far conoscere a un pubblico il più vasto possibile gli artisti contemporanei è la missione di cui Pro Biennale da anni si fa promotrice. Lodandone l’intento, Vittorio Sgarbi ritorna sul problema delle selezioni commentando: «Quanti sono gli artisti oggi nel mondo? Forse un milione, forse due milioni. E in Italia quanti sono? Almeno cinquantamila. Se io fossi stato Vittorio Pica, famoso critico d’arte della prima metà del secolo scorso, o se fossi stato un critico come Ugo Ojetti, insomma, fino al 1950 avrei potuto avere una piantina con tutti gli artisti regione per regione. Perché essere artisti voleva dire qualcosa di distinguibile. Non c’era, per esempio, il mondo femminile: era del tutto esterno all’arte fino alla seconda metà del secolo scorso. Quindi un critico poteva dominare l’Italia con un panorama di forse mille artisti, conoscendoli tutti. Io come faccio, come fa un critico a conoscerli tutti? Con quale possibilità, con quale verosimiglianza e con quale rispetto della loro ricerca?» Pro Biennale è la risposta di Venezia a una questione sempre più pressante nel mondo dell’arte. Il diritto alla creatività tuttora non è contemplato dalla Costituzione italiana, sebbene il mondo sia cambiato rispetto a settant’anni fa. Ci sono la democrazia, l’alfabetizzazione e c’è finalmente l’attività creativa femminile.
C’è, paradossalmente, un eccesso di creatività che viene ignorata. «La creatività ‒ continua il critico d’arte ‒ non è più per pochi. Ora, cosa deriva da questo? Un progresso per i creativi, una difficoltà per i critici. Oggi non posso più scegliere perché non so quanti sono gli artisti. Posso solo osservarli».
E per farlo Pro Biennale diventa vitale.
A valorizzare maggiormente l’esposizione nel cuore di Venezia, Palazzo Ivancich, secolare dimora nobile, sita a Castello 4421, a pochi passi da Piazza San Marco.
Le opere resteranno esposte dal 23 luglio al 7 agosto 2020.
Pro Biennale A cura di: Vittorio Sgarbi Dal 23 Luglio 2020 al 7 Agosto 2020 Enti promotori: MiBACT e Regione del Veneto Orari: tutti i giorni dalle 10 alle 18, eccetto il lunedì Ingresso: gratuito Informazioni: +39 0424 525190 - artfactory.eventi@gmail.com - http://www.spoletoarte.it
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