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Archivi categoria : Mostre

The Last Supper Recall, Galleria Credito Valtellinese, Milano, 31/10 – 3/12/2020 

INAUGURAZIONE venerdì 30 ottobre ore 17-19.15 - obbligo prenotazione mostramilano@lemacchinecelibi.it
Per la sicurezza del pubblico e del personale in Galleria, l’accesso alla mostra in occasione dell’inaugurazione, sarà limitato a 50 persone alla volta, suddivise in turni successivi a partire dalle ore 17.00.


La Galleria del Credito Valtellinese - Refettorio delle Stelline affonda le radici nel passato antico della città di Milano, ricollegando l’opera di Leonardo da Vinci a grandi nomi dell’arte contemporanea, come Warhol, Spoerri e a iniziative di importanti storici dell’arte.
Un collegamento istituzionale che si rinnova oggi anche grazie all’accordo di valorizzazione fra la Direzione regionale Musei Lombardia, istituto che coordina e gestisce 12 musei statali sul territorio lombardo, fra cui il Museo del Cenacolo Vinciano e Creval, e prevede azioni di rete sul territorio, come la promozione congiunta dell’attuale evento e l’organizzazione di itinerari e circuiti di visita.
L’esposizione, presentata dal celebre storico dell’arte Flavio Caroli, curata da Leo Guerra e Cristina Quadrio Curzio, è accessibile dal 31 ottobre al 3 dicembre e si sofferma sul tema dell’Ultima Cena con opere iconiche legate alla Pop Art accostate a quelle di artisti contemporanei, oltre a una sezione dedicata a proiezioni, filmati e a un nutrito corpus documentario.  
Risalta l’accostamento storico fra il tema dell’Ultima Cena e la Galleria Creval, dove nel 1987 si tenne la mostra site-specific Andy Warhol. Il Cenacolo, che vedeva l’artista americano, protagonista assoluto della Pop-Art, fare una dichiarazione d’amore e allo stesso tempo uno “sfregio” verso il capolavoro leonardesco, moltiplicato e trasfigurato in cromatismi industriali, camouflage e passaggi serigrafici dal marcato tono industriale.
L’omonima opera di Warhol The Last Supper, un metro per un metro, caratterizzato dalla ripetizione bipartita dell’Ultima Cena virata in magenta e nero, entrato in collezione Creval dopo l’evento dell’87, pochi mesi prima della scomparsa, è l’elemento focale della mostra, che si snoda nell’esposizione dei lavori di grande formato di Daniel Spoerri, Bruno Bordoli, Filippo Avalle, Elia Festa.
L’attuale mostra trae forza anche dal progetto realizzato da Philippe Daverio nel 2007 per la Galleria Creval, in cui per la prima volta si soffermò sul tema iconografico dell’Ultima Cena, con un interessante innesto dedicato alla figura del mercante e gallerista greco Alexandre Iolas, che fu anche il primo direttore artistico dello spazio milanese.
In mostra spicca il lavoro di Daniel Spoerri, importante esponente del Nuoveau Realisme, rappresentato da una biforcazione creativa che vede, da un lato l’olio su tavola La Céne del 1988: un piccolo oggetto dipinto su legno convesso, con raffigurazioni naif e applicazioni a collage - pentole, piatti, bicchieri - prese in prestito dai giochi delle bambole e dall’altro due opere che fanno parte della sezione proiettiva.
Dell’artista comasco Bruno Bordoli è proposto Cenacolo, un olio e acrilico su tela grezza del 2007 (cm 194x252), oltre a due schizzi che hanno dato il via al lavoro dell’artista; quest’opera di grande formato dialoga con l’intera installazione ambientale, dove sono inoltre presenti l’Ultima Cena del 2007 di Filippo Avalle, che si caratterizza per la sua composizione stratigrafica in metacrilato di sorprendente magnetismo prospettico ad effetto ologramma. Il lavoro è accompagnato dal disegno preparatorio su carta dal titolo Ultima Cena: inizio di un viaggio infinito nel cervello-mente, realizzato nello stesso anno.
Elia Festa invece indirizza il suo percorso di reinterpretazione di The Last Supper concentrando il commento iconografico sul binomio Cristo/Luce, da cui scaturisce la sua personale visione del fenomeno rappresentato in questo capolavoro vinciano. La sua opera su tela di cm 140x280 si staglia su un fondo nero, dal quale emergono, sotto forma di filamenti brulicanti e sovrapposti, i tratti riconoscibili dell’affresco leonardesco; sono inoltre esposti numerosi lavori preparatori.
La ricca sezione adibita alle proiezioni, che occupa l’esatta metà della Galleria, è un vero e proprio “doppio” della mostra, che comprende due proiezioni delle opere di Daniel Spoerri: le tredici Tavole in marmo statuario con le Ultime cene di personaggi illustri, da Cristo a Oetzi, da Goethe a Freud, situate in permanenza a Sondrio presso il Grand Hotel della Posta e la proiezione virtuale di una sua ‘prova d’autore’ che consiste nella ricostruzione plastica delle suppellettili e delle vivande dell’Ultima cena leonardesca.

Si ammira l’importante rassegna cinematografica in pellicola 16mm dei film di Andy Warhol, fra cui “Kiss”, “Haircut#1”, “Eat”, “Restaurant (aka l’Avventura)”, “Soapopera”, “Salvador Dalì”, in prestito dal dipartimento di audiovisivi del MoMA di New York e curata da Cineteca Milano. Sono stati scelti i film realizzati da Warhol dal 1963, anno in cui l’artista decide di cimentarsi nell’arte cinematografica con la sua prima cinepresa Bolex 16mm, fino al 1966. I film di questo primo periodo si possono definire minimali, sono infatti girati a inquadratura fissa, raccontano storie e stralci di vita incentrati sulla sua celebre Factory, situata al quinto piano del 231 East 47th Street, composta da pittori, musicisti, attori improvvisati e scapestrati con il sogno di diventare stelle del firmamento hollywoodiano. La tecnica utilizzata da Warhol è semplice ed elementare, film muti o con suoni minimi in presa diretta, utilizzo esclusivo del bianco e nero, montaggio basilare e drastico, spesso orientato a infrangere le regole dell’unità di azione e contenuto del linguaggio cinematografico. Anche nell’utilizzo abituale del piano-sequenza Warhol suscita nello spettatore una sensazione di snervante attesa davanti a sequenze colme di immobilità e di perdita del concetto di tempo.
Di particolare interesse sono il corpus documentario e i materiali di repertorio conservati negli archivi del Creval parallelamente alla produzione delle mostre, tenutesi in più di trent’anni nelle Gallerie di Milano, Sondrio, Acireale e Fano. Si tratta una serie di cataloghi commissionati dalla Fondazione Gruppo Credito Valtellinese, fra cui si annoverano importanti testimonianze come la ristampa anastatica dell’albo “Il Cenacolo” edito da Mondadori con la Galleria Philippe Daverio, per la cura di Alexandre Iolas; l’opera di Damien HirstThe Last Supper® Damienhirst” del 2000, in serie di 13 screenprints da 152,5x101,5 cm tirata in 150 stampe offset per The British Council e presentata in esclusiva al Refettorio delle Stelline all’inizio del millennio; il ciclo pittorico di Marthial Raysse dal titolo “Hereux Rivages”, raccolto in 13 riproduzioni offset contrassegnate con numeri romani, dedicato all’installazione specifica di una grande opera su tela esposta nel 2007-2008 nell’abside settentrionale di Santa Maria delle Grazie; i fascicoli monografici dedicati alle opere di Antonio Recalcati “L’ombra della Croce”, 2007; Daniel Spoerri Ultima Cena”, 2007 e Velasco VitaliUltima Cena”, 2007; il reprint del catalogo della mostra di Hermann NitschL’Ultima Cena” tenutasi alle Stelline e al Centre Culturel Français de Milan nell’anno 2000; la ristampa del progetto fotografico di Dominique Laugè e Valeria Manzi dal titolo “Voies d’Hommes”, 2007; una selezione di numeri del magazineAndy Warhol’s Interview” contrassegnati da un timbro a tampone - anch’esso presente in mostra - emesso dalla Galerie Alexandre Iolas in occasione della vernice milanese di Warhol del 1987.
L’inaugurazione della storica mostra Andy Warhol. Il Cenacolo del 1987 e il suo allestimento sono ricordati attraverso una serie di vintage prints di Maria Mulas con ritratti di Warhol e di persone a lui vicine.
La rassegna dei documenti, degli oggetti e dei memorabilia collezionati attorno all’icona leonardesca - e al suo recall warohliano - culmina con l’esposizione del poster della mostra “Andy Warhol. Il Cenacolo” e del suo bozzetto a mano libera, elaborato dall’artista e grafico greco Petros su incarico di Iolas e del Credito Valtellinese nel 1986.
A sottolineare il legame con il Museo del Cenacolo è anche l’accordo di valorizzazione tra Creval, Direzione Regionale Musei Lombardia e Museo del Cenacolo Vinciano.
Come ribadisce Emanuela Daffra, a capo della Direzione regionale Musei della Lombardia, “in questo momento così complesso e sfidante sia più che mai importante costruire azioni comuni con altri musei pubblici e privati, compartecipare politiche e programmi di intervento, definire strategie di promozione condivise che diano mutua risonanza ai progetti culturali. Fare crescere, in una parola, il sistema museale Lombardo. In questo senso, il lavoro comune con il Gruppo Credito Valtellinese è una apertura sul futuro, ed è, insieme, testimonianza della perdurante fecondità dell'opera leonardesca nella storia delle arti visive”.
Fecondità che è sottolineata anche da Padre Guido Bandinelli, priore dei Padri Domenicani di Santa Maria delle Grazie, che ricorda come “l’Ultima Cena di Leonardo eserciti ancora tale fascino, perché non tanto o non soltanto capolavoro religioso di arte sacra, ma opera universale, in grado di parlare ai soggetti più disparati, alle culture più lontane, all’uomo di ogni estrazione ed età”.

La mostra è prodotta dalla Fondazione Gruppo Credito Valtellinese con la collaborazione del Museo del Cenacolo Vinciano, della Fondazione Daniel Spoerri, di Cineteca Milano e Centro Culturale “Alle Grazie”.

CALENDARIO PROIEZIONI FILM DI ANDY WARHOL - ore 17.30
Martedì 17 novembre - KISS
Andy Warhol, USA, 1963, 54’, 16mm, muto. Int.: Rufus Collins, Johnny Dodd.
Primo film girato da Andy Warhol. Diverse coppie – donna e uomo, donna e donna, uomo e uomo – si baciano per tre minuti e mezzo ciascuno.
Giovedì 19 novembre - HAIRCUT #1
Andy Warhol, USA, 1963, 24’, 16mm, muto. Int.: John Daley, Fred Herko.
Film sperimentale realizzato alla celebre Factory, situata all'epoca al 231 della East 47th Street, a Manhattan, New York, al centro delle riprese un taglio di capelli.
Sabato 21 novembre – EAT
Andy Warhol, USA, 1963, 28’, 16mm, muto. Int.: Robert Indiana.
Il film sperimentale ritrae l'esponente della pop art Robert Indiana impegnato nell'atto di mangiare per l'intera durata del film. 
Martedì 24 novembre - SOAP OPERA
Andy Warhol, USA, 1965, 34’, 16mm. Int.: Edie Sedgwick, Ondine, Bibbe Hansen.
Un gruppo di artisti, modelle e attori cena al ristorante L’Avventura di New York dialogando su viaggi passati e futuri.
Giovedì 26 novembre – RESTAURANT
Andy Warhol, USA, 1964, 46’, 16mm. Int.: Baby Jane Holzer and Sam Green
Immagini silenziose di vita domestica si alternano a pubblicità televisive ad alto volume. Esempio chiave della sperimentazione radicale dell'artista e dello smantellamento della televisione sia come mezzo tecnologico che come apparato affettivo.
Sabato 28 novembre - SALVADOR DALÌ
Andy Warhol, USA, 1966, 22’, muto, 16mm. Int.: Salvador Dalì.
Documentario che Warhol dedica al pittore surrealista Salvador Dalì, frequentatore occasionale della Factory di Andy Warhol.

Il programma di proiezione dei film di Andy Warhol è consultabile sul sito: www.creval.it/fondazione/galleria-virtuale


L’ULTIMA CENA di FLAVIO CAROLI
Sedemmo davanti alle opere già appese alle pareti, in quel pomeriggio del 1987. Eravamo in tre: Alexander Iolas (che avevo incontrato per l’ultima volta una decina di anni prima, nella sua villa-reggia di Atene, fra dipinti di Max Ernst e Magritte, sculture di Fidia e tavole di pittura El Fayum), Andy Warhol ed io. Ed era la vigilia dell’inaugurazione della mostra sull’”Ultima Cena”.
Avevo scelto di non andare all’inaugurazione perché volevo parlare con Andy con calma, poichè avevo capito che la sua scelta del tema non era né casuale né superficiale. Tutto aveva avuto inizio a New York poco prima del Natale 1975. Prima di salire alla Factory, mi ero fermato a guardare le vetrine della libreria Rizzoli, che affacciava sulla strada. Erano completamente occupate dai libri di Pier Paolo Pasolini, ucciso ai primi di novembre. Mi accolsero quattro giovanotti vestiti con abiti gessati grigi, che mi accompagnarono a visitare il leggendario opificio... L’appartamento era un po’ laboratorio e un po’ museo, insidioso e anemico. Ovunque si vedevano falli finti, provenienti dalla più diverse parti del mondo. Quando mi mostrarono il cane impagliato del famoso regista Cecile De Mille, sentii e pensai che in quel posto si respirava un insinuante odore di morte. Warhol arrivò con mezz’ora di ritardo, in compagnia di Marisa Berenson. Mentre tentavo di salutarlo, si fece passare una macchinetta Polaroid, e mi fotografò. Il messaggio era: “Tu per me sei una frettolosa immagine, nulla di più”. Andy mi invitò a sedermi su un divano. Ma qui ci fu la prima sorpresa. Sul divano era appeso un quadro bellissimo ed enorme - per nulla warholiano - di Gustave Courbet. Rappresentava un cervo morto e sanguinante. Ancora morte. La conversazione per un po’ fu penosa. La filosofia era che tutto dovesse essere assolutamente banale.  Poi mi capitò di pronunciare la parola Pasolini, e la scena cambiò. Completamente. In un attimo, Warhol diventò interessato e umano. Volle sapere tutto dell’omicidio. Mi fece domande intelligenti, profonde e anche drammatiche, Andy Warhol. Mi chiesi perché. Direi che le cause profonde coinvolgevano il piacere della sfida, il senso del pericolo, l’azzardo della passione (quanto ognuno di noi è disposto a rischiare sul tavolo delle passioni), e in definitiva, ancora una volta, la pulsione di morte. Ecco perché, in quel pomeriggio del 1987, sentivo che l’incontro con Warhol e con un opera dedicata all’”Ultima Cena” (cioè a una anticipazione di morte) avrebbe scritto un altro capitolo nella conoscenza che avevo di lui. Il mio sospetto era che Andy, teorico del Nulla (ciò che aveva appena teorizzato nel libro “The philosophy of Andy Warhol from A to Z”) avesse orrore del Nulla, e perciò fosse continuamente assillato da temi di morte. Fatto sta che quel pomeriggio, davanti a Iolas, l’artista mi interrogò a lungo su Leonardo, ma soprattutto su Gesù e sull’Ultima Cena. La sera seguente, Mariuccia Mandelli (alias Krizia) aveva organizzato in suo onore una cena, alla quale Warhol arrivò dopo l’inaugurazione della mostra del Credito Valtellinese. Si accomodò in un tavolo proprio davanti a me. Capelli, non ne aveva più. Durante la cena, la parrucca argentata andò fuori posto. A un certo punto (non dovrei dirlo, ma lo dico, e prego di credermi), a me parve di vedere, dietro alla pelle rossiccia, il teschio sottostante. Fui certo di vedere Warhol morto. Pochi giorni dopo, il Corriere della Sera titolava: “Morto Andy Warhol”. Quel giorno pensai che sull’avventura umana di un uomo così singolare la morte aleggiava, non c’era dubbio. Aspettava solo di posarsi. Adesso, si era posata. Per caso o per volontà del destino, pochi giorni dopo la realizzazione di un’”Ultima Cena”. Ecco perché dobbiamo essere grati al Credito Valtellinese per esporre la versione in suo possesso dell’opera tratta dal capolavoro di Leonardo: omaggio esplicito, per di più, al dirimpettaio più illustre, che è appunto il Cenacolo vinciano. Ed ecco perché hanno fatto benissimo i curatori della mostra ad esporre altre opere ispirate dall’Ultima Cena, per dimostrare che la narrazione insieme più drammatica e più struggete dei Vangeli è una specie di assillo che torna in tutta l’arte contemporanea.
Gli accenti con i quali gli artisti del nostro tempo si sono misurati con la scena evangelica sono infatti i più diversi. Si comincia con la potenza evocativa (un po’ realisticamente drammatica, ripeto la parola, e un po’ sornionamente incantata) di Daniel Spoerri che fu uno dei padri del Nouveau Realisme, cioè dell’avventura più intensamente “oggettuale” dell’arte europea. In mostra, il suo lavoro conosce una biforcazione creativa, che vede, da un lato, la rappresentazione proiettiva di tredici “tavole” in marmo con le “ultime cene” di personaggi illustri, esposte in permanenza a Sondrio presso il Grand Hotel de la Poste; e dall’altro, la riproposizione virtuale della “prova d’autore” per un’opera mai realizzata: la ricostruzione plastica, sul piano ortogonale, delle suppellettili rappresentate nell’ “Ultima Cena” di Leonardo. Ma poi il genio leonardesco sollecita e nutre l’avventura spaziale di Filippo Avalle, che è sostenuta sul crinale sottilissimo (e così vicino al pensiero leonardesco) che divide Forma e Informe. L’opera è accompagnata da un disegno preparatorio (dello stesso 2007) che contiene una specie di dichiarazione di poetica, perché ha per titolo “Ultima Cena: inizio di un viaggio infinito nel cervello-mente”: tematica squisitamente avalliana. Ma poi l’Ultima Cena è fatalmente matrice di pulsioni espressionistiche (nel cinema in verità è stata soprattutto questo), pulsioni che nutrono il lavoro di Bruno Bordoli. Il suo grande telero a olio (“Cenacolo”, 2007) dialoga con l’intera installazione ambientale posta a protezione del dipinto di Warol, che domina la scena. Ed è, l’”Ultima Cena”, l’abbrivio iniziatico per il viaggio nella natura, nell’umanità e nell’immagine, di Elia Festa. La sua opera di grande formato si staglia su un fondo nero assoluto, dal quale emerge, sotto forma di una moltitudine di filamenti brulicanti e sovrapposti, il contorno e i tratti riconoscibili dell’affresco leonardesco. Sì: L’Ultima Cena è l’atto quasi finale dell’avventura terrena di Gesù Cristo. Ma la sua potenza simbolica diventa immediatamente un archetipo del pensiero occidentale. Non dimentichiamoci che Gesù è l’unico Dio morto tragicamente nella storia delle religioni umane. Così, quell’archetipo, per infiniti rami, genera tormento e poesia. Tormento e poesia dei quali oggi il Cradito Valtellinese, grazie ai suoi artisti, si fa generoso e opportuno interprete.

Flavio Caroli


THE LAST SUPPER RECALL
Presentata da: Flavio Caroli
A cura di: Leo Guerra e Cristina Quadrio Curzio
Dal 31 ottobre al 3 dicembre 2020
Orari: martedì su prenotazione ore 10 - 12, mercoledì – venerdì ore 14 - 19, sabato ore 9 - 19. Chiuso domenica e lunedì
Ingresso: gratuito
Film Warhol - obbligo prenotazione: mostramilano@lemacchinecelibi.
Informazioni e prenotazioni:Le Macchine Celibi - mostramilano@lemacchinecelibi.it, Galleria Credito Valtellinese - galleriearte@creval.it - www.creval.it; Media Relations - mediarelations@creval.it ;
Stampa:
IBC Irma Bianchi Communication - info@irmabianchi.it

Galleria Credito Valtellinese, Palazzo delle Stelline - Refettorio delle Stelline
Corso Magenta 59
Milano

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Giuseppe Veneziano: “Mr. Quarantine” – Fabbrica Eos Gallery – dal 8/10 al 7/11/2020

Inaugurazione: Giovedì 8 ottobre ore 18.30


Mr. Quarantine, la mostra personale di Giuseppe Veneziano alla Fabbrica Eos Gallery, con le opere realizzate durante il lockdown, un periodo di pneumatica sospensione delle abitudini quotidiane in cui l’artista ha cercato di interpretare, a metà tra esperienza individuale e vissuto collettivo, ansie e paure ai tempi della quarantena. Le tele, gli acquarelli e i disegni esposti documentano un processo di comprensione ed elaborazione degli eventi che hanno mutato, forse per sempre, il nostro modo di vivere la socialità. Attraverso le sue opere, infatti, Veneziano ha sviluppato gli anticorpi creativi alla reclusione collettiva e al distanziamento sociale ispirandosi al mondo dei supereroi e all’iconografia classica del Rinascimento, per capire a fondo il senso di un cambiamento epocale che ci obbliga a rileggere non solo il passato, ma anche il futuro della Storia dell’arte. Con spirito ironico e sognante, Veneziano ha immaginato come avrebbero affrontato questo mutamento personaggi dei fumetti come Spiderman e Wonder Woman, Superman e Jocker, ma ha anche ipotizzato come sarebbe cambiata l’iconografia di Raffaello e Tiziano, di Leonardo e Michelangelo, se avessero vissuto nell’era del Covid-19. La sua pittura, popolata di eroi in calzamaglia e santi e martiri della tradizione cristiana, impagina il racconto di una parabola collettiva in cui trovano posto non solo la paura e la sofferenza che hanno segnato i giorni più bui della pandemia da coronavirus, ma anche le speranze e i sogni di una imminente rinascita. Oltre a dipinti, acquarelli e disegni, durante la mostra sarà presentato un video che documenta l’attività di Veneziano sui social durante il lockdown, un montaggio di sequenze delle sue quotidiane dirette sulle piattaforme di Instagram e Facebook, in cui l’artista discorre di vari argomenti mentre lavora alle opere esposte in galleria.
Per l’occasione, Fabbrica Eos ha prodotto una serie unica di cartelle con stampe fine art in tiratura limitata dei dipinti dell’artista.

Giuseppe Veneziano, La creazione della mascherina, 2020, acrilico su tela

Giuseppe Veneziano nasce a Mazzarino (CL) nel 1971. Si laurea in Architettura nel 1996 presso l’Università degli Studi di Palermo. La prima volta che il suo lavoro pittorico viene notato in ambito nazionale è nel 2004, in occasione della mostra “In-Visi”, curata dallo scrittore Andrea G. Pinketts presso il locale “Le trottoir” a Milano; due delle opere esposte sono pubblicate sulla copertina di Flash Art. Nel 2006 realizza la sua prima mostra importante nella galleria di Luciano Inga Pin a Milano.
Nel 2007 partecipa alla VI Biennale di San Pietroburgo.
Nel 2008 è tra i venti artisti invitati a rappresentare l’Italia alla mostra “Artâthlos”, in occasione dei XXXIX Giochi Olimpici di Pechino.
Nel 2009 partecipa alla IV Biennale di Praga. Nel 2011 viene invitato ad esporre all'interno del Padiglione Italia alla 54ª Biennale di Venezia.
Nel 2012 partecipa alla Biennale d’Arte Contemporanea Italia-Cina allestita presso la Villa Reale di Monza.
Nel 2015 partecipa alla mostra “Tesori d'Italia” in occasione di EXPO 2015, Milano.
Nel 2016 inizia ad insegnare all’Accademia di Belle ArtiAldo Galli” di Como.
Nel 2017 partecipa alla “Design Week” di Milano con una scultura in marmo statuario di Carrara dal titolo “White Slave”; l’opera viene esposta negli spazi di Palazzo Crespi e riscuote notevole successo: circa 17.000 visite in 5 giorni.

Nel 2018 entra a far parte del gruppo “F4”.
Dalla critica e dalle riviste di settore è riconosciuto come uno dei massimi esponenti della “New Pop italiana e Internazionale” e del gruppo “Italian Newbrow”, teorizzato da Ivan Quaroni.
Nel 2018 esce la monografia “Giuseppe Veneziano. Mash-Up”, edita da Skira in occasione della personale “MashUp”, allestita presso la Galerie Kronsbein di Monaco di Baviera.


Giuseppe Veneziano - “Mr. Quarantine”
A cura di
: Ivan Quaroni
Dal 8/10 al 7/11/2020

FABBRICA EOS Gallery

Viale Pasubio (angolo via Bonnet)
20154 Milano
T. +39 02 6596532 - www.fabbricaeos.it - info@fabbricaeos.it 

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ARCHIVI APERTI, Anomalie/Trasformazioni Narrazioni contemporanee e nuovi sguardi, Milano, Bergamo, Cesena, Dalmine,Rende (CS), Roma, Rozzano (MI), Sesto San Giovanni (Mi), Sinalunga (SI), Treviso,Trieste – 16-25/10/2020

Si terrà dal 16 al 25 ottobre 2020 la VI edizione di ‘Archivi Aperti’, promossa da Rete Fotografia - Associazione non profit che promuove dal 2011 la cultura fotografica in Italia.
La manifestazione si volgerà in modalità mista, con visite in sede con presenza di pubblico e dirette online. Quest’ultime daranno la possibilità ad un pubblico più ampio di fruire dei molti appuntamenti offerti.

  • 41 archivi partecipanti la maggior parte dei quali a Milano, oltre a Bergamo, Cesena, Dalmine,  Rende (CS), Roma, Rozzano (MI), Sesto San Giovanni (Mi), Sinalunga (SI), Treviso e Trieste.
  • 70 appuntamenti in programma di cui 29 in sede, grazie anche alla collaborazione di AFIP International Associazione Fotografi Professionisti,di GRIN, Gruppo Redattori Iconografici Nazionale e di Tau Visual, Associazione Nazionale Fotografi Professionisti - soci di Rete Fotografia.

Archivi Aperti’ ha la particolarità di aprire al pubblico gratuitamente le collezioni fotografiche di archivi, musei e fondazioni, studi di fotografi professionisti accompagnati da conservatori e curatori.   Oltre a riflettere su temi importanti legati al mondo dell’immagine, il pubblico ha la possibilità di scoprire realtà spesso conosciute solo dagli specialisti. Come ad esempio il Fondo Emilia Zinzi (conservato presso l’Università della Calabria) storica dell’arte, scomparsa nel 2004, a cui si devono molte battaglie in difesa del patrimonio artistico calabrese.

Tra le novità di quest’anno vogliamo citare la partecipazione del Museo delle Storie di Bergamo e del Centro di documentazione Citroena Sinalunga in provincia di Siena che offriranno visite guidate presso le proprie sedi. L’Associazione Italia Russia - nata come ‘Italia Urss’ e diventata 'Italia Russia’ nel 1946 per sviluppare gli scambi culturali tra i due Paesi - racconterà la propria storia attraverso le fotografie conservate negli anni.
Tra i professionisti partecipa per la prima volta il fotografo musicale Giovanni Canitano, uno dei padri spirituali della fotografia musicale, in una diretta insieme al giornalista e conduttore Carlo Massarini.
Alcuni incontri saranno occasione per raccontare come il lavoro di conservazione e catalogazione si concretizzi spesso in mostre temporanee di particolare interesse. Ad esempio la rassegna dedicata a ‘Cesare Colombo’ dal Civico Archivio Fotografico di Milano al Castello Sforzesco, prorogata per l’occasione fino al 25 ottobre. Oppure la mostra dedicata dalla Fondazione 3M ad Alberto Sordi, che si inaugura il 20 ottobre a Casa del Cinema di Roma (a cura di Roberto Mutti), con immagini dei backstage di molti suoi film.
Il Centro Apice racconterà il progetto di mostra itinerante, da realizzarsi con il concorso del Comune di Milano, che attraverso 90 immagini selezionate tra 400.000 negativi dell’‘Archivio fotografico La Notte’, descriverà la cronaca della città di Milano dagli anni ‘50 agli anni ‘90. 
Infine durante l’incontro online organizzato dall’Archivio Storico Intesa SanPaolo - oltre al focus dedicato alla storia degli studenti africani a Milano che parteciparono al progetto ‘Finafrica’ promosso dalla Cariplo a partire dal 1967 - si parlerà di come è nata la mostra alle Gallerie d’Italia di Milano (dal 9 ottobre al 22 novembre 2020) frutto del lavoro di catalogazione e di scelta di oltre 3300 immagini provenienti dall’‘Archivio Publifoto Intesa SanPaolo, che riproducono i bombardamenti su Milano nell’agosto ‘43.
Il tema scelto per l’edizione 2020 è Anomalie/Trasformazioni. Narrazioni contemporanee e nuovi sguardi.  
Molti archivi partecipanti - come il Museo di Fotografia Contemporanea Mufoco - attraverso i fotografi di cui conservano le immagini indagheranno su come questi abbiano in passato raccontato il tema della trasformazione e dello shock improvviso. Verranno confrontati i diversi sguardi e le narrazioni prodotte. Si rifletterà sulle nuove modalità di resilienza e sulle ragioni stesse del nostro agire nell'attuale contesto sociale per arrivare a valutare e comprendere l’importanza della conservazione, catalogazione, digitalizzazione e valorizzazione del patrimonio fotografico.
La manifestazione sarà aperta da una Tavola Rotonda che quest’anno si terrà online, venerdì 16 ottobre, con interventi di Luca Andreoni, Cristina Baldacci, Maurizio Guerri, Silvia Paoli, e Daniela Aleggiani, come moderatrice.
A chiusura della manifestazione, domenica 25 ottobre, si terrà sempre online una tavola rotonda con fotografi autori, dal titolo Per una fotografia autoriale utile all’altro. Intervengono:  Michele Borzoni, Andrea Frazzetta, Elena Givone, Rocco Rorandelli e Valentina Tamborra. Moderatori: Mariateresa Cerretelli e Roberto Tomesani.

 


27 Archivi di Enti, le Fondazioni, Università e i Musei

  • Archivio Storico Asp Golgi e Redaelli; Archivio Storico Fondazione Fiera, Archivio Storico Intesa San Paolo; Archivio Storico Touring Club Italiano;
  • Fondazione 3M; Fondazione AEM – GRUPPO A2A; Fondazione Dalmine (Dalmine, BG); Fondazione Isec (Sesto San Giovanni); Fondazione La Triennale di Milano, Biblioteca del progetto;
  • Mufoco - Museo di Fotografia Contemporanea (Milano - Cinisello Balsamo); Museo Martinitt e Stelline; Museo Nazionale della Scienza e Tecnologia “Leonardo da Vinci”; Civico Archivio Fotografico di Milano - Castello Sforzesco; Veneranda Fabbrica del Duomo; Museo delle Storie (Bergamo);
  • Centro Apice – Archivi della Parola, dell’Immagine e della Comunicazione Editoriale – Università degli Studi di Milano; Archivio Fotografico ‘Emilia Zinzi’, Biblioteca Umanistica ‘F. E. Fagiani’, Università della Calabria, Rende (CS)
  • Fototeca Ando Gilardi; Fototeca dei Civici Musei di Trieste.
  • AESS - Archivio Etnografia e Storia Sociale di Regione Lombardia; Archivio della Rivista e gruppo editoriale Domus (Rozzano); Archivio dell’Associazione Italia-Russia DI Milano; BAUER – Archivio storico dei corsi di fotografia del CFP Bauer; Centro di Documentazione Storica Citroën di Sinalunga (SI); Centro Cinema della Città di Cesena; Ecomuseo Urbano Metropolitano Milano Nord; Chippendale Studio.

14 archivi e studi di professionisti

  • gli archivi di Gabriele Basilico, Giovanni Canitano (Roma), Enrico Cattaneo, Lelli e Masotti, Graziella Vigo;  
  • gli studi di Roger Corona, Piero Gemelli, Giovanni Hänninen, Laila Pozzo e Pio Tarantini;

oltre all’Archivio storico di Fotogiornalismo Agenzia Giancolombo, la Photo Library di Giancarlo Gardin (Treviso), la Fondazione Gian Paolo Barbieri e la Collezione Donata Pizzi.


ANOMALIE/TRASFORMAZIONI
NARRAZIONI CONTEMPORANEE E NUOVI SGUARDI
Dal 16 al 25 ottobre 2020
Tavola rotonda di apertura: Venerdì 16 ottobre 2020, dalle 17.00 alle 19.00
In diretta streaming Interventi di: Luca Andreoni, Cristina Baldacci, Maurizio Guerri, Silvia PaoliVisite in sede e online degli Archivi Da sabato 17 a sabato 25 ottobre 2020 in diretta streaming
Accesso: gratuito, con prenotazione obbligatoria per le visite in sede

Tavola rotonda di chiusura: Domenica 25 ottobre 2020, dalle 18 alle 20 in diretta streamingAccesso gratuito, con prenotazione obbligatoria per le visite in sede
Le visite online saranno trasmesse dalle piattaforme: Zoom, Teams e Streamyard. Con la possibilità di rivedere i video sul sito e sui canali Facebook e Youtube dell’Associazione.
Calendario di tutti gli appuntamenti consultabile su: Rete Fotografia www.retefotografia.it
Ufficio stampa: Alessandra Pozzi - T. +39 338.5965789 - press@alessandrapozzi.com
Informazioni: www.retefotografia.it - segreteria@retefotografia.it

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Van Gogh. I colori della vita – Centro San Gaetano- Padova – dal 10/10/2020 al 11/04/2021

Van Gogh. I colori della vita” (Padova, Centro San Gaetano, dal 10 ottobre 2020 all’11 aprile 2021) non ha nulla di generico e non è solo una sfilata di quadri e disegni, che pur in molti casi sono capolavori notissimi.
È invece un sorprendente percorso volto a far conoscere, passo dopo passo, alcune trame della vita e dell’opera di Van Gogh non così affrontate finora. Questo per la volontà del curatore di ricostruire l’intero percorso, includendo anche quanto di solito non viene compreso o è stato poco o per nulla studiato. Sarà lo stesso Van Gogh a raccontarsi in mostra, attraverso le sue lettere. Esse sono il filo conduttore di un poderoso volume di oltre 600 pagine che Marco Goldin, ideatore e curatore della mostra, ha scritto per La nave di Teseo. Libro in uscita in parallelo all’apertura dell’esposizione e intitolato “Vita di Van Gogh. Attraverso le lettere”.

Marco Goldin: “Van Gogh. I colori della vita”, intenderipercorrere l’intero cammino della sua attività, concentrandosi sui principali punti di snodo di quel cammino. I luoghi che lo hanno visto diventare il pittore che tutti conosciamo, grazie proprio a quei luoghi medesimi, al fascino che hanno esercitato su di lui, alla loro storia che si è incisa nella sua storia. Verrà precisamente analizzato il rapporto tra l’esterno della natura, e talvolta delle città, e l’interno dell’uomo e del pittore. Per comprendere il motivo per cui sia stata così rapida l’evoluzione dell’artista e perché sia stata necessitata e indotta dall’aver vissuto in determinati posti, prima in Belgio e Olanda e poi in Francia.

I 78 quadri e disegni di Van Gogh eccezionalmente riuniti al San Gaetano rappresenteranno proprio questo percorso, in una sorta di itinerario che terrà insieme l’esigenza del vedere fisico e quella dello sprofondamento interiore.
Grazie soprattutto, ma non solo, alla collaborazione fondamentale del Kröller-Müller Museum e del Van Gogh Museum, la mostra potrà proporre capolavori di ognuno tra i periodi della vita di Van Gogh, da quello olandese fino al tempo francese vissuto tra Parigi, la Provenza e Auvers-sur-Oise. Dipinti famosissimi come l’”Autoritratto con il cappello di feltro”, “Il seminatore”, i vari campi di grano, “Il postino Roulin”, “Il signor Ginoux”, “L’Arlesiana”, i vari paesaggi attorno al manicomio di Saint-Rémy e tantissimi altri.

Vincent van Gogh, L'arlesiana (Madame Ginoux), 1890, olio su tela, cm 60 x 50. Galleria Nazionale d'Arte Moderna e Contemporanea, Roma © Roma, Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea. Su concessione del Ministero per i Beni e le Attività Culturali e per il Turismo

Ma la grande esposizione padovana non si limita al pur incredibile corpus di ben 78 opere di Van Gogh. A esse sarà infatti affiancata una selezione di una ulteriore quindicina di capolavori di artisti, a partire ovviamente da Millet, passando tra gli altri per Gauguin, Seurat, Signac, Hiroshige, a lui precisamente collegati. O come nel caso delle tre grandi, splendide tele di Francis Bacon a inizio percorso, a indicare come la figura dello stesso Van Gogh abbia agito anche sui grandissimi del XX secolo.
La mostra “Van Gogh. I colori della vita” è promossa da Linea d’ombra (www.lineadombra.it) e dal Comune di Padova, con la decisiva collaborazione del Kröller-Müller Museum, ed è prodotta da Linea d’ombra, con il Gruppo Baccini in qualità di main sponsor.
Lo sforzo produttivo e organizzativo che Linea d’ombra ha messo in campo per poter realizzare questa grandiosa esposizione è davvero enorme. Basti pensare che per effetto delle normative post coronavirus, potrà entrare in mostra appena un terzo del pubblico che avrebbe potuto accedervi in epoca pre-Covid. Aspetto che, per altro, assicurerà ai visitatori l’opportunità di non incorrere in alcun affollamento, potendo anzi ammirare i capolavori riuniti nel Centro San Gaetano di Padova con tutto l’agio possibile.
È naturalmente più che consigliabile giungere alla mostra avendo già prenotato giorno e fascia oraria d’ingresso.
Le prenotazioni prenderanno il via martedì 1 settembre (call center 0422.429999, www.lineadombra.it).


Introduzione di Marco Goldin

La stagione 2020-2021 per Linea dombra ha un significato particolare, poiché segna un traguardo non banale e che non era per nulla scontato. Ho creato Linea dombra nel 1996 e dunque nel 2021 cadranno i venticinque anni da allora. Possiamo chiamarle le nostre nozze dargento con larte. Le società organizzatrici di mostre in Italia, in quel momento, si contavano sulle dita di una mano e niente lasciava presagire quello che sarebbe accaduto dopo in un ambito sempre complicato e difficile. Ancor più difficile in questo 2020 devastato dal virus. Per di più a fondare quella società, nel 1996, era un trentenne che fino alla metà degli anni novanta aveva esperienza solo di esposizioni legate al Novecento italiano.
Quello che è successo da allora fa parte della nostra storia, e certamente un poanche della storia delle mostre in Italia, cui Linea dombra ha saputo dare il suo contributo. Una storia fatta di oltre undici milioni di visitatori finora e di relazioni con oltre mille musei prestatori in tutti i cinque continenti. Musei che hanno concesso oltre diecimila opere giunte nel nostro paese. Molte, moltissime tra queste opere veri e propri capolavori. Se c’è una sola cosa che mi fa piacere ricordare infatti, questa è proprio la capacità di avere fatto mostre mai ancorate allannuncio dei soli nomi, ma sostanziate da quadri e sculture di qualità spesso superlativa. Tanti ci hanno aiutato a percorrere questa strada, dai committenti agli sponsor a tutti i collaboratori che ho avuto e che ringrazio di cuore. Niente sarebbe stato possibile senza di loro.
Adesso viene questa mostra che ho pensato, in accordo con la città di Padova nella quale mai Linea dombra aveva lavorato prima, per dare senso compiuto a questi venticinque anni. Su Van Gogh ho lavorato e scritto, tra laltro dedicandogli il mio primo romanzo, mentre proprio in questi mesi sto scrivendo una sua grande biografia attraverso le lettere, in uscita per La nave di Teseo a ottobre 2020. Questa esposizione, forte di ben novanta opere, con vari musei prestatori e ovviamente al primo posto il Kröller-Müller Museum e poi il Van Gogh Museum, ha lambizione di inserire Van Gogh nel flusso del suo tempo, nella precisa relazione con altri artisti che per lui hanno contato.
Unesposizione che dunque non si ferma a una visione esclusivamente monografica, ma presenta lopera del grande artista olandese con tanti approfondimenti non così usuali da vedersi, e in questo modo colloca quell’opera meravigliosa entro non abituali confini. Dai due anni nelle miniere del Borinage in Belgio, al tempo nel Brabante olandese, fino agli anni francesi che la mostra indaga in modo approfondito.


Le sezioni della mostra

Vincent van Gogh, Il seminatore, 1888, olio su tela, cm 64,2 x 80,3. Collection Kröller-Müller Museum, Otterlo, the Netherlands © 2020 Collection Kröller-Müller Museum, Otterlo, the Netherlands; Photography Rik Klein Gotink, Harderwij

1 - Il pittore come eroe
Nell’estate del 1888, dopo avere dipinto la serie memorabile con i campi di grano nella pianura della Crau e attorno all’abbazia di Montmajour, nei pressi di Arles, due dei quali presenti nella quarta sezione di questa mostra, Vincent van Gogh realizzò un piccolo quadro, di un formato quadrato appena allungato verso l’alto. Quella tela, intitolata Il pittore sulla strada di Tarascona e conservata nel Kaiser Friedrich Museum, venne distrutta durante un bombardamento alleato su Magdeburgo sul finire della Seconda guerra mondiale. Vi si vede il pittore, Van Gogh stesso, che cammina sotto il sole andando incontro al suo lavoro quotidiano nella campagna. Il sentiero è tutto tormentato di tacche di colore e su di esso si stende minacciosa, come la testa di un rapace che ghermisce, l’ombra del viandante. Lui vestito di un azzurro un poco più scuro del cielo, mentre si fissa esattamente al centro di due alberi, molto giapponesi nel loro disegnarsi dentro la vastità di quello stesso cielo.
Il cavalletto sulle spalle, la tavolozza e i colori nella mano destra, una tela sotto il braccio sinistro, assieme a un bastone molto sottile. Sotto il cappello di paglia a larghe tese, del giallo come del grano, lampeggiano i suoi occhi chiari, di quell’azzurro che sfuma nel verde e così si confonde. Sono due gemme incastonate che risplendono. Mentre dietro il pittore scorrono immagini quasi di un vecchio film in un primo technicolor. Il grano ancora da tagliare, biondissimo e senza vento, e poi il verde dell’erba e poi altro grano ancora, più lontano. Infine, la linea dell’orizzonte, il tetto rosso di una casa, qualche cipresso di un verde più scuro. E appena percepibile, in una lontananza morbida di un lilla chiaro, la linea delle Alpilles. Quelle piccole montagne che nella piana della Crau chiudevano lo spazio distante verso nord e che di lì a pochi mesi avrebbero sovrastato, a Saint-Rémy, addossate alla casa di cura, lo spazio della sua vita. Ah, c’era anche il fiato appena di una nuvola, quasi nascosta dietro i rami di uno dei due alberi. Questo era tutto.
Ecco, la mostra parte da qui. Da questo quadro invisibile perché non più visibile. Ci sono tanti modi di cominciare un viaggio, questo nuovo viaggio con Van Gogh. Tanti quanti ne ha indicati lui. Infiniti. Ma questo è forse il più sulfureo, misterioso e cangiante in tutte le sue sfumature. Febbricitante sempre, e allarmato nel suo incontro con il destino. Il viaggio di questo pittore, il viaggio di Vincent van Gogh, è precisamente il viaggio dell’eroe. Il pittore come eroe. Colui che ha un compito, una missione da compiere e a essa tutto sacrifica. Vorrei in ogni modo che questa mostra parlasse del pittore come eroe, e lo facesse vedere attraverso le opere. Attraverso gli incroci del destino. Lo dicesse anche con le parole. Le parole di una lingua semplice. E naturale.
È a questo tipo di pittore, a questo eroe moderno, che Francis Bacon ha guardato quando ha deciso di dipingere alcune tele meravigliose, traendole proprio da quell’immagine che restava in seguito alla distruzione del quadro dopo il bombardamento su Magdeburgo. Così ha preso quella riproduzione in technicolor - si era alla fine del 1956 e poi all’inizio del 1957 - e l’ha appesa con una puntina di ferro sul muro del suo studio. L’ha appesa, dopo averla a lungo guardata, dopo avere a lungo pensato. Van Gogh sotto il sole del Midi, lungo la strada per Tarascona, questo vedeva Bacon. Che aveva dipinto nel 1951 un primo ritratto ispirato a Van Gogh, oggi conservato nel museo di Cleveland, dopo cinque anni nei quali aveva trascorso diverso tempo nel sud della Francia.
Un grande pittore che dialogava con quel pittore eroe morto ormai da ben più che mezzo secolo. Pensava a rendergli omaggio, poiché dentro di sé aveva sempre idolatrato quell’olandese finito male in terra di Francia, in mezzo ai campi di grano. Rendergli omaggio come si fa sì con il proprio eroe, ma l’eroe di tutti, quando la singolarità dell’esperienza diventa quella di una moltitudine. Cominciò così a concepire alcune immagini, il loro senso, la loro verità. In quella fascinazione che aveva per realizzare i suoi tanto particolari ritratti, tali da rendere perfino i respiri di una persona, le pulsazioni del suo cuore, il ritmo. Difficile, così difficile fare ritratti per Bacon - così come lo era stato per Van Gogh - perché si trattava di arrivare a toccare lo spirito che una persona emanava da sé. Nel viso, l’infinito del tempo che parte dalla vita.
In Bacon c’era il desiderio di rappresentare Vincent come un viandante in perenne cammino, sfruttando quel taglio cinematografico delle immagini che facevano emergere la figura come una silhouette quasi bruciata dal sole della Provenza. Quel sole che rendeva evidente oltre ogni dire il ruolo dell’ombra. Tanto che il nero risultava nelle tele di Bacon un elemento fondante molto più che non lo fosse stata l’ombra presente nel dipinto di Van Gogh. Il suo Van Gogh era quasi una figura di maudit, una sorta di Rimbaud che fuggiva dal destino e dalla vita, per incontrare la più autentica appartenenza al mondo. Appartenere e non evadere.
Infine, dopo rabbiose e grondanti settimane di lavoro, nel marzo 1957, nella Hanover Gallery di Londra, in un’atmosfera confusa e festosa, vennero esposte alcune tele che Francis Bacon aveva dedicato a Van Gogh. Partivano da quel quadro che l’artista aveva visto nella monografia del 1945 pubblicata da Phaidon. Era tra l’altro la serie degli Studi per un ritratto di Van Gogh e fu l’incerta, tellurica, grondante messa a fuoco di una figura che attraversava lo spazio dell’opera come stesse solcando lo spazio del mondo. Appartenendo alla vita e insieme alla morte, al tempo di prima e al tempo di poi. C’era in quei quadri il senso di una direzione, l’apertura verso le strade dell’universo.
Bacon ha dipinto Van Gogh proprio così. Come chi parte e non è mai partito. Chi viaggia ancora dopo avere a lungo viaggiato. E forse il suo viaggio l’ha condotto nell’interstizio possibile tra il respiro e la sospensione del respiro, tra il pieno e il vuoto. Fino a che venga il momento di lasciare il mondo, magari sotto quel sole che brucia ogni cosa. E lui non c’è più e precede ognuno di quelli che passano, di quelli che vanno.
Bacon ha dipinto Van Gogh proprio così. Per questo motivo la mostra nasce eccezionalmente da tre dei suoi quadri dedicati a Vincent van Gogh, compresi nella prima sala. Il pittore come un eroe, colui che annuncia il futuro pur nell’apparente fallimento. E si carica il mondo sulle spalle.

Francis Bacon, Studio per un ritratto di Van Gogh IV, 1957, olio su tela, cm 152,4 x 116,8 Tate, Londra dono della Contemporary Art Society 1958 © Tate © The Estate of Francis Bacon. All rights reserved by SIAE 2019

2 - Gli anni della formazione. Dalla miniera di Marcasse all’Aia
Questa sezione della mostra, specialmente attraverso il disegno che si configura come la parola del principio, mette in scena il percorso della prima formazione di Van Gogh. Percorso durato appena tre anni, dall’estate del 1880 all’estate del 1883. Dal momento in cui egli, consapevolmente, realizza i primi disegni al di fuori dell’accompagnamento alle sue lettere, fino a quando lascia l’Aia per salire più a nord in Olanda, nella regione della Drenthe. Dalla miniera belga nel Borinage fino a Bruxelles e da lì poi a Etten e all’Aia. Un vocabolario scarno, fatto di presa di coscienza attraverso il disegno. Un vocabolario di parole incerte, che inciampano nella descrizione buttata su fogli macchiati di unto e di grasso. Fogli sui quali si appoggia, dolente, il sentimento di una vita trafitta fin dalla prima ora, quando l’eroe appare già sconfitto, sul punto appena di cominciare il viaggio.
Tutte le decine di disegni che compongono la prima parte della mostra, quella che passa dal Borinage al Brabante, sono le fitte, fittissime pagine di un diario che è insieme un’educazione sentimentale e un’educazione all’arte. Entrambe da autodidatta, ma nella lucidissima comprensione che la mancanza conduca a un dolore irredimibile. Il Corso di disegno di Bargue, prestatogli dal signor Tersteeg, direttore della filiale Goupil dell’Aia, lo rende felice perché gli consente di esercitarsi con profitto quando verranno gli ultimi tempi trascorsi nel Borinage. Il 24 settembre 1880, quando sta per lasciare la miniera per Bruxelles, scrive a Theo: “Come puoi vedere sto dunque lavorando come un matto, anche se per il momento non ho ottenuto risultati molto soddisfacenti. Ma spero che queste spine daranno all’ora giusta il loro fiore e che questa lotta in apparenza sterile non sia altro che un lavoro di procreazione. Prima il dolore, poi la gioia”.
Van Gogh realizzò molti disegni nel Borinage, nel distretto sud-occidentale di Mons, tra il dicembre del 1878 e l’autunno del 1880, quando faceva il predicatore laico nelle miniere di carbone. Nulla rimane di quel tempo. Per cui Minatori nella neve e Zappatori (da Millet), che daranno il via in mostra a questo percorso, restano tra le rarissime prove superstiti dei mesi di settembre e ottobre 1880, mostrando tutte le incertezze, “la goffaggine” ha scritto Teio Meedendorp, di Van Gogh nel disegno di figura. Ma occorre partire da qui, da una simile strettoia della vita e del destino, per raccontare davvero la vita che poi sarà ispida di colori di un pittore che ha per nome Vincent.
In questa sezione dedicata alla formazione dell’artista, il percorso prosegue con gli otto mesi trascorsi a Etten, nella regione del Brabante dove era nato, arrivando da Bruxelles alla fine di aprile del 1881. Raggiunge la famiglia, che vive nella canonica accanto alla chiesa. I mesi di Etten vedono un primo, forte miglioramento nel disegno, che ancora per tutto l’anno resta la forma di rappresentazione del mondo. Si inaugura qui una modalità di vita e lavoro che si ripeterà non particolarmente dissimile lungo tutto il decennio, come la mostra farà vedere. Dapprincipio era la perlustrazione del luogo e dei suoi dintorni, per formarsi una conoscenza che poi desse la possibilità di iniziare a disegnare, e successivamente a dipingere. Era la necessità che spazi e persone che li abitavano entrassero, attraverso gli occhi, nell’anima. Uno scandaglio visivo che poi crescesse nella profondità interiore.
Quando arriva all’Aia, alla fine di dicembre del 1881, e dal primo gennaio affitta delle stanze in Schenkweg dove allestisce anche uno studio, Van Gogh era alla ricerca di “tutte le scene possibili con figure: un mercato, l’arrivo di una barca, un gruppo di persone in fila alla mensa per i poveri, nella sala d’attesa di una stazione, all’ospedale, al monte dei pegni, gruppi che parlano per strada o passeggiano. E tutto dipende dagli stessi problemi di luce, di ombra e di prospettiva.” Riteneva che lo studio fosse il suo obiettivo principale e di doversi impegnare per rendere il movimento delle figure.
Non tralasciò comunque di fare nuove illustrazioni, traendo ispirazione dalle stampe inglesi per produrre per esempio una serie di litografie con temi legati al rapporto tra l’uomo e la terra. Il motivo che sembrava appassionarlo di più era quello del raccoglitore di patate, come si vedrà anche in alcuni disegni e dipinti del tempo successivo a Nuenen, presenti anche in mostra. Aveva assistito alla raccolta delle patate sia nel Borinage che a Etten, prima che nei dintorni dell’Aia nel 1882. Era una prefigurazione del grande tema del contadino che lo occuperà, proprio a Nuenen, tra il 1884 e il 1885.
Ma quanto cercava in un modello, Van Gogh lo trova all’Aia in Sien Hoornik, una ex prostituta incinta che divenne anche sua compagna, dopo l’incontro che si compì a fine gennaio. Sien, sua madre e la prima figlia posavano per lui “con i vestiti adatti, abiti in lana merino nera, bei modelli di cuffie e un bellissimo scialle.” Van Gogh intende creare, come scrive, un effetto “alla Chardin”, qualcosa che egli ritiene che “alcune tra le serve ordinarie” possiedano, ma non per esempio le donne borghesi come le sue sorelle.
È con certi meravigliosi, e dolentissimi, ritratti di Sien e della madre, anch’essi presenti in mostra, che prenderà il via quella galleria di volti e figure che nei due anni trascorsi all’Aia designeranno i confini di un mondo fatto di gemiti silenziosi, e lacrime non ostentate, e miseria, e solitudine, e sofferenza nel corpo e nello spirito. Si trattava di dare senso a quell’individualità dei soggetti che Van Gogh sempre preservò fin dal primo momento della sua ricerca.
Il suo lavoro prende le mosse da quattro fonti di ispirazione ben precise: gli artisti della scuola dell’Aia, gli artisti della scuola di Barbizon, gli antichi maestri olandesi e le incisioni su legno di autori contemporanei, soprattutto inglesi. Ammira fortemente il realismo dei pittori della scuola dell’Aia, costruito su un’inclinazione di carattere morale che non può non incontrare il suo favore. Nel loro evidente richiamarsi ai pittori di Barbizon, egli sente così la perfetta congiunzione con il concetto di paesaggio da lui tanto amato ed espresso tra gli altri da Millet, Corot, Dupré, Rousseau e Daubigny. Si trattava, come alcuni quadri in esposizione indicano chiaramente, di una natura venata sempre di un’inclinazione malinconica, spesso vespertina, che corrispondeva perfettamente al suo spirito.
Ma va ricordato anche, come elemento non secondario, quanto egli apprezzasse il lavoro degli incisori su legno inglesi, le cui immagini ponevano l’accento su temi sociali di indubbio richiamo. Immagini che il pittore olandese poteva vedere in pubblicazioni come “The Graphic” e ”The Illustrated London News”, che aveva regolarmente a disposizione. Van Gogh poi ammirava grandemente Rembrandt come pittore religioso, e in questo senso è significativa la sua predilezione verso l’episodio dei discepoli di Emmaus. Apprezzava poi la spontaneità e la maestria nel disegno di Hals, e non poteva che essere immensa l’ammirazione per i grandi pittori di paesaggio olandese del Seicento, coloro che avevano fondato questo genere, a cominciare ovviamente da Jacob van Ruisdael, Koninck e Van Goyen.
La visione tanto importante del paesaggio nasce dunque in Van Gogh sulla linea che congiunge Van Ruisdael, la Scuola di Barbizon e quella dell’Aia. Con oltre venti disegni e i primi dipinti del tempo dell’Aia, la sezione si chiude dentro questo spirito di intima attenzione umana.

3 - Da Nuenen a Parigi. Un colore che cambia
Questa sezione della mostra, centrale in tutto il percorso espositivo, con diversi quadri anche dei pittori che hanno accompagnato lo sguardo di Van Gogh a Parigi, indaga lo spirito di quello straordinario percorso che porterà l’artista alla piena conoscenza di quanto per lui avrebbe potuto rappresentare un colore nuovo, del quale sentiva la necessità dentro di sé. Lo veniva esprimendo, nelle opere in un primo tempo appena, certamente nelle lettere che indirizzava a Theo, lì dove emergeva la necessità di uscire da quell’atmosfera che lo riportava ai disegni e alle arie quasi crepuscolari dei pittori della Scuola dell’Aia.
Sono le lettere, bellissime e piene di vento, nelle quali Vincent traccia il suo mondo, lo esprime in sussulti e in una visione del futuro che non si distende oltre misura. Quella misura che aveva fissato in una decina d’anni al massimo, come esprime in una lettera rimasta celebre scritta ancora dall’Aia, all’inizio d’agosto del 1883, un mese prima di partire verso la Drenthe. Occorre riandare a quella lettera, e la mostra lo fa, seguendo il filo, invisibile e no, del pittore eroe che combatte con la vita e prova a superarla: “Quindi, quanto al tempo che ho di fronte a me e in cui sarò in grado di lavorare, penso di potere, in tutta tranquillità, immaginare i fatti seguenti: che il mio corpo si manterrà quand bien même per un certo numero di anni – un certo numero che si aggirerà tra i sei e i dieci, credo. Questo posso assicurarlo senza gran rischio, dato che al momento non c’è alcun quand bien même immediato”.
Il pittore eroe è anche il pittore profeta, colui in grado di anticipare quanto meno il suo futuro, con esattezza. “È questo il periodo su cui posso contare sicuramente; quanto al resto, sarebbe uno speculare troppo a vanvera osare di dire alcunché di preciso a mio riguardo, perché che ci sia o meno qualcosa dopo quell’epoca dipende particolarmente da quei, diciamo, dieci anni. Se ci si logora troppo in quegli anni, non si supera la quarantina; se si è forti abbastanza per resistere a determinate traversie che in genere si presentano a quell’epoca, per risolvere determinate difficoltà fisiche più o meno complesse, allora tra i quaranta e i cinquanta ci si ritrova su una strada maestra nuova e relativamente normale.
Nasce già qui questa tensione fatta di spirito e materia, di giorni e anima e non servirà aspettare il grondare dei colori dal cielo di Provenza. La mostra ci va dentro come si sfogliano le pagine di un diario, alla ricerca dei colori della vita. Dei colori della sua vita. Quei colori che già si aprono di un poco nei due anni trascorsi a Nuenen. È per questo che l’esposizione di Padova fa soste importanti sul tempo trascorso da Van Gogh al suo rientro nel Brabante dove era nato. Quasi quaranta infatti, tra dipinti e disegni, sono le opere che ne identificano qui lo slancio.
Nel dicembre 1883 giunge a Nuenen, nella casa dei genitori, non lontana dalla piccola chiesa riformata dove il padre teneva i suoi sermoni. Lasciava la Drenthe preso dall’amore verso un paesaggio non ancora rovinato dalla moderna società industriale. Questo determinò il risultato di considerare il lavoro del contadino come l’incarnazione più pura e autentica della condizione umana. Si trattava del legame eterno esistente tra il contadino stesso e la terra, che era per lui madre assoluta e portatrice di quei valori universali che sempre ricercava. Egli era pronto per i due anni finali del suo tempo olandese, anni decisivi quant’altri mai prima dell’approdo a Parigi, giunto dopo la sosta di tre mesi ad Anversa.
In una lettera a Theo: “Quando la gente di città dipinge contadini, le loro figure splendidamente dipinte non possono fare altro che ricordare un parigino delle periferie.” Tutto questo non preoccupava però minimamente il pittore olandese, il quale era impegnato invece in un suo percorso di assoluta coerenza e rigore quasi monacale nell’avvicinarsi a queste figure. E non conoscendo praticamente l’arte degli impressionisti, si volse dal punto di vista tecnico e del colore, all’arte più accademica. Sebbene a Van Gogh non sfuggissero tutte le motivazioni per le quali l’arte legata alla terra e alla figura del contadino andassero per la maggiore, lui scelse di continuare sulla sua strada, incurante di quanto gli stava intorno. Perciò la mostra si sofferma a lungo sul tema del contadino, sia con disegni sia con quadri, spesso da considerarsi quali prototipi di avvicinamento all’opera riassuntiva, i Mangiatori di patate. I contadini ovviamente assieme ai tessitori, ai quali è dedicato uno dei tanti approfondimenti in mostra.
Intanto, nel mese di novembre 1884 Vincent dà il via a una serie di teste che rappresentano un progetto unitario e formano una parte importante di questa sezione. Sono volti, su tele di piccolo formato, inquadrati in primissimo piano, secondo uno stile che rimanda agli olandesi del XVII secolo, e soprattutto a Frans Hals per quanto riguarda la pennellata fluida e densa di colore. Van Gogh ammirava da molto tempo Hals e nell’ottobre del 1885 ebbe anche modo di ristudiarlo dal vero al Rijksmuseum durante una visita di tre giorni ad Amsterdam, nella quale puntò ovviamente la sua attenzione anche sull’amato Rembrandt. Di Hals, Van Gogh prediligeva l’idea di dipingere sempre la verità della vita nel momento in cui accadeva, la pennellata rapida, l’assenza di un disegno preparatorio sottostante i dipinti, la sensazione che i suoi quadri potessero risultare non finiti mentre vivevano di una loro assoluta completezza.
In una vasta contemporaneità di visione, terminate a luglio 1884 le ultime versioni dei tessitori, e lavorando ugualmente alle teste dei contadini, lo sguardo di Van Gogh torna a indirizzarsi anche verso il paesaggio, per il quale i dintorni di Nuenen offrono non pochi spunti. Spesso, quel paesaggio diventa luogo di ambientazione stessa del lavoro dei contadini, anche se talvolta si offre nudo nella sua semplicità in apparenza perfino banale, ma che gli consente di misurare luci poco per volta nuove. E colori essi stessi poco per volta nuovi, fino a che saranno, tra ottobre e novembre dell’anno successivo, alcuni finali, e bellissimi, paesaggi sempre nel Brabante, come quello in esposizione proveniente dal museo di Utrecht. Prima di presentarsi, fatta la sua sosta ad Anversa, a Parigi al cospetto dell’arte degli impressionisti. È infatti proprio nel secondo dei due anni trascorsi a Nuenen che avviene un primo, fondamentale scatto nell’ambito di un colore che comincia appena ad abbandonare le terre frequentate dagli artisti di Barbizon e della scuola dell’Aia, da lui tanto amati.
A questo punto la mostra si sposta definitivamente in terra di Francia, e per i primi due anni a Parigi. Nell’autunno del 1886, quando è arrivato da pochi mesi nella capitale francese, Van Gogh scrive all’amico pittore inglese Horace Mann Livens: “In primavera, potrei dire a febbraio o anche prima, potrò andare nel Sud della Francia, la terra dei toni azzurri e dei colori brillanti.” È l’intenzione, subito espressa, di proseguire il suo viaggio verso la vera luce, verso i veri colori, verso quella terra fatta di chiarità dell’aria e di orizzonti che si percepivano nitidamente a grandi distanze. Poi però spenderà un anno di più, decisivo, nella capitale francese e la sua partenza avverrà non nel febbraio del 1887 ma del 1888.
È simbolico il congedo da Parigi, dal momento che Vincent, in compagnia di Theo, visita, la mattina del 19 febbraio 1888, lo studio di Seurat, per vedere l’ultimo quadro da lui dipinto in ordine di tempo. Quasi un omaggio al pittore che, con le sue nuovissime ricerche sul colore, aveva scosso dalle fondamenta la sicurezza di un colore che fosse unicamente rappresentazione dell’occhio fisico. Nel pomeriggio Theo lo accompagna alla Gare de Lyon, da dove prende un treno che più o meno quindici ore dopo lo vede arrivare ad Arles.
Questi due anni trascorsi a Parigi, praticamente privi come sono di lettere dal momento che i due fratelli vivono insieme, e dunque privi delle parole dirette dell’artista, sono anni decisivi per il rapporto che si viene instaurando con le opere degli impressionisti e dei post-impressionisti come Seurat e Signac, che Van Gogh può finalmente vedere nelle varie esposizioni che si susseguono, a cominciare appunto dall’ultima in rue Lafitte nel maggio e giugno del 1886.
La mostra di Padova si concentra a lungo su questi mesi parigini che corrono filati come non mai, tra scoperte, rammemorazioni sul passato e cedimenti della vita. E lo fa non solo con opere bellissime di Van Gogh, tra le quali una delle versioni più note tra i suoi quasi quaranta autoritratti, ma anche con dipinti di autori che per Vincent hanno contato, ovviamente da Seurat e Signac fino a Pissarro nei suoi anni di vicinanza al post-impressionismo, e fino al momento del primo incontro con Gauguin, alla conclusione 1887. E fa questo non con quadri generici ma con tele effettivamente viste da Van Gogh in quel momento a Parigi.

Vincent van Gogh, Autoritratto con cappello di feltro grigio, 1887, olio su tela, cm 44,5 x 37.2. Van Gogh Museum (Vincent van Gogh Foundation), Amsterdam

4 - Un anno decisivo, 1888
La mostra, arrivata alla sua quarta sezione, fa una sosta molto importante sul tempo trascorso da Van Gogh ad Arles, con alcuni dipinti celebri. Sezione molto articolata nel suo essere un racconto preciso di quanto accaduto in quell’anno decisivo. Perché il 1888 è realmente un anno fondamentale nella pur breve vicenda dell’artista olandese, poiché maturano, nella concretezza e nella bellezza dell’opera, molte riflessioni che lo avevano occupato nei due anni parigini. Dall’approfondimento del rapporto ideale con Millet, rivisto però alla luce del Sud, fino alla predilezione verso l’arte giapponese.
Ad Arles Vincent giunge il 20 febbraio 1888, trovando alloggio all’Hôtel-Restaurant Carrel, al 30 di rue de la Cavalerie. Subito dà al fratello le prime indicazioni sul paesaggio che ha visto arrivando con il treno, quel paesaggio che desiderava incontrare venendosene via dalla città che lo aveva confuso e frastornato: “Ho visto magnifici terreni rossi coperti di vigne, con sfondi montagnosi del più fine lilla. E i paesaggi nella neve con le cime bianche contro un cielo tanto luminoso quanto la neve, erano belli come i paesaggi invernali fatti dai giapponesi.” E qui subito il riferimento a quel Giappone che aveva tanto amato a Parigi e che è anche uno dei motivi fondanti della sua scelta della Provenza.
Nei quasi quindici mesi di permanenza ad Arles, Van Gogh realizza circa duecento quadri, cento tra disegni e acquerelli e ha il tempo di scrivere duecento lettere, quasi tutte, come sempre, indirizzate al fratello Theo. Quando arriva ad Arles, la città conta più o meno 30.000 abitanti ed è un po’ la quintessenza della Provenza. Ci si può chiedere perché Vincent l’avesse scelta, e non per esempio Aix o Martigues o Avignone, quando decide di scendere a Sud. Di sicuro non c’è un unico motivo, ma un’articolata serie di risposte possibili.
Egli ammira molto per esempio il pittore marsigliese Adolphe Monticelli e Arles poteva essere una sorta di testa di ponte sulla strada per Marsiglia. I due fratelli avevano costruito a Parigi una collezione di opere di Monticelli, il cui colore fondo e materico Vincent riteneva derivato da Delacroix, altro pittore da lui assai considerato. Ma anche altri artisti potevano avere influenzato la sua decisione di scegliere Arles come meta provenzale. In giovane età, nel 1855, Degas visitò la città. Lo stesso Toulouse-Lautrec, conosciuto nell’atelier di Fernand Cormon a Parigi, e originario del Sud, potrebbe avergliene parlato.
Ugualmente, l’amore per le stampe giapponesi poteva avere condizionato la sua visione del Sud e infatti scrive a Bernard poche settimane dopo esservi arrivato: “Questo paese mi sembra bello quanto il Giappone per la limpidezza dell’atmosfera e gli effetti brillanti del colore.” Ma anche la lettura dell’opera dello scrittore provenzale Alphonse Daudet offre occasioni di un colore nuovo per la visione di Van Gogh. Soprattutto il Tartarin de Tarascon, uscito nel 1872, lo colpisce molto, tanto da citarlo molto spesso nelle sue lettere, riferendosi alla “gaiezza” provenzale. Che associa anche alla sua pittura, non di rado. Infine, può non essere stato secondario il richiamo della leggendaria bellezza delle donne arlesiane, spesso ricordata nei giornali, nelle guide e nei romanzi.
Quando arriva ad Arles, Van Gogh trova però una situazione artistica che poco ha a che fare con il suo desiderio, e ancora di più la sua necessità, di essere il pittore del futuro. I luoghi arlesiani servono piuttosto come fondale per una rappresentazione pittorica convenzionale. Soprattutto il cimitero di Les Alyscamps è l’ideale punto di appoggio per una resa romantica della vita locale. Vincent vide subito immagini di questo tipo, come quella di un giovane che attendeva l’innamorata nella luce del tramonto proprio a Les Alyscamps.
La rappresentazione del Sud che Van Gogh aveva in mente si scontrava con questo tipo di imagerie e soprattutto con quella costruita da un giovane pittore originario di Alès, una cittadina a nord di Arles, Joseph Belon. Negli stessi giorni in cui Van Gogh dipingeva i suoi infiammati campi di grano nella pianura della Crau, con la figura del seminatore oppure con quella di un uomo e una donna che stavano vicini in mezzo a quel giallo, Belon dipingeva un uomo e una donna ugualmente vicini ma in un contesto completamente diverso.
L’assoluta modernità dei quadri di Van Gogh si specchiava nel gusto dell’ancora trionfante Salon, da cui del resto lo stesso Belon proveniva. Nel suo desiderio di raccontare un episodio di vita locale, all’ingresso degli Alyscamps, tratteggiava un giovane arlesiano che cercava di scusarsi con la fidanzata, gelosa di lui. Sul fondo, sotto l’arco di Saint-Césaire toccato dalla luce del sole, continuava il ballo tradizionale della farandola, con le donne nei loro caratteristici abiti dei giorni di festa. Arles era dunque contemporaneamente quanto dipingeva Van Gogh e quanto dipingeva Belon.
In ogni caso, nessun pittore prima di Vincent van Gogh aveva scelto Arles come base, mentre lui sognava di stabilirvi il tanto desiderato “Atelier del Sud,” vera e propria comunità di pittori che avrebbe dovuto nascere attorno alle figure di Gauguin e Bernard. Sia come sia, Van Gogh manifesta ad Arles, e ancor di più nei suoi immediati dintorni, nella continua immersione in una natura assoluta, tutti quei tratti che faranno di lui il pittore che conosciamo e lo porteranno a vivere con un’intensità fuori del comune gli ultimi due anni e poco di più della sua vita.
Sono due le aree che attorno ad Arles lo catturano, la prima delle quali resterà il suo riferimento preferito per tutto il tempo di permanenza lì: la pianura della Crau, con l’area contigua dell’abbazia di Montmajour, in direzione nord est a non più di cinque chilometri da dove abitava, e tra l’altro luogo dei suoi celeberrimi campi di grano, dipinti a metà giugno di quell’anno. E poi la zona che costeggia l’Arles-Bouc canal, invece verso sud.
Era comunque preoccupato che le sue immagini del Sud potessero avere una esagerata derivazione da quelle del Nord, senza quindi possedere quei requisiti di gaiezza trovati nelle pagine di Daudet, Zola o Maupassant, o ancora nelle incisioni dei giapponesi. Timore che si rivelerà del tutto infondato, come questa sezione ampia della mostra testimonia con grande chiarezza.
La mostra intanto si sofferma su quelle due settimane, nella seconda metà di giugno, quando Vincent è reduce dai cinque giorni trascorsi a Les-Saintes-Maries-de-la-Mer: “Adesso che ho visto il mare, sono assolutamente convinto dell’importanza dello stare nel Sud, esagerando con il colore”.
Dopo avere abbandonato il pensiero di Saintes-Maries, dove in realtà immagina di voler tornare, Vincent annuncia a Theo che sta lavorando ad alcuni disegni di campi di grano, “verdi e gialli”, e che sta cominciando a rifarli in pittura: “Sono esattamente come quelli di Salomon Koninck – sai, l’allievo di Rembrandt che dipinse vaste e distese pianure.
Sono i campi di grano, in una serie di sette, fatti nella pianura della Crau nella seconda metà di giugno del 1888 e interrotti da piogge torrenziali tra il 20 e il 23. Talvolta con le Alpilles sullo sfondo, raramente con la città, mescolando la parte antica con la ferrovia e i segni della prima industrializzazione, come peraltro avviene nella versione in mostra proveniente dal Musée Rodin di Parigi. Si reca addirittura una cinquantina di volte tra La Crau e Montmajour, dove esperimenta proprio il senso delle distese pianure e dell’infinito che lo riporta alla memoria dei campi dipinti dai grandi olandesi del XVII secolo.
Van Gogh nota come il paesaggio sia diventato assai diverso rispetto alla primavera, ma non per questo sente meno amore verso di esso. E quasi si esalta nel ricordare a sé stesso come stia riuscendo a rendere i toni della Provenza così come li rendeva, non lontano da lì, Cézanne a Aix. Il colore è acceso, vibrante, ma vi si sente il tono di un’intimità che ci consegna gli esiti del rapporto tra l’anima del pittore e l’anima della natura. E questo mentre dipingeva “nel mezzo dei campi di grano, in pieno sole.” In una lettera a Émile Bernard del 18 giugno, prima delle piogge, specifica molto bene questa sua condizione: “Quanto a me, mi sento molto meglio qui di quanto non mi sentivo nel Nord. Lavoro anche nel mezzo del giorno, sotto un sole cocente, senza alcuna ombra, nei campi di grano e godo di tutto questo come una cicala”, indicando poi tutti i toni e i mezzi toni del giallo che riesce a rendere nella pittura. È un’esaltazione suprema, davanti e dentro quel colore che forgerà la sua opera da qui in avanti.

Vincent van Gogh, Paesaggio con covoni e luna nascente, 1889, olio su tela, cm 72 x 91,3 Collection Kröller-Müller Museum, Otterlo, the Netherlands © 2020 Collection Kröller-Müller Museum, Otterlo, the Netherlands; Photography Rik Klein Gotink, Harderwijk

5 - Di lune e nuvole. Van Gogh e la fine del suo viaggio
L’uomo vive nel colore e del colore, perché giunge dalla luce e senza la sua forza e la sua potenza miracolosa nulla sarebbe. Il pittore eroe pone, davanti a tutti, i suoi passi su questa strada. E in un antico frammento presocratico, attribuibile forse ad Antifonte, si legge che la vita dell’uomo dura un giorno, però con gli occhi rivolti alla luce. Come se in quell’atto primordiale di appartenerle fosse già inscritta tutta intera la vita, e la vita potesse durare il tempo di un levarsi del sole e andare a esso incontro. In questo senso lo spazio, percorso e abitato dalla luce, e dai colori che ne risultano i sovrani, non è più, e in alcun modo potrà più essere, indifferenza. Ma differenza e peculiarità, precisione dell’atto della descrizione, innamoramento e sostanza, battito del cuore e vento partecipe. Il pittore sente così il mondo con altri occhi, gli occhi del primo uomo che ha camminato sulla terra. E quel sentire è il vedere, attraverso la luce e i colori, i luoghi dell’origine, così da percepire il senso anche mitico di spazi che sono dalla forma del principio.
Il vedere di Van Gogh è un vedere totale, che non lascia alcuna zona non scandagliata, non coperta dalla sua brama di conoscere e scardinare il senso e la forma del mondo. Ama della luce, e sempre più sarà nel tempo trascorso a Saint-Rémy-de-Provence, lo spirito ma anche la carne. Non gli basta, non gli può bastare, la pelle della luce, non gli basta stare su un bordo e semplicemente rifare la natura. Dall’Aia, a Théo, già alla fine del 1882 aveva scritto: «Non si tratta di copiare servilmente la natura, ma molti di noi non possiedono quella conoscenza intima della natura che assicura la freschezza e la verità alle opere.» Il vedere di Van Gogh è onnivoro, non lascia spazi di sospensione ma è una continua attività dello sguardo complice e partecipe. Egli accende il mondo, lo spalanca e lo squaderna. E conducendolo su una soglia, lo presenta. Sulla linea di un burrone, su un precipizio, e lo illumina perché alla fine la qualità di quel mondo scoperto, così terribilmente umana e talvolta devastata, non sia solo in potenza ma anche in atto.
È proprio a Saint-Rémy che questa disposizione di Van Gogh tocca il suo acme, specialmente nella descrizione di una natura che si accende oltre ogni misura. Dai campi agli alberi, dal cielo con le sue nuvole stracciate di bianco alla luna rossa del destino, prima che siano a Auvers quei covoni sorvolati da corvi ormai sul ciglio di uno sprofondamento nel cuore della terra. E su tutto ciò, nella quinta sezione con una decina di bellissimi quadri finali, la mostra si soffermerà, prima di chiudersi.
Van Gogh, partito da Arles l’8 maggio del 1889, arriva in treno a Saint-Rémy e dopo una camminata di mezz’ora dalla stazione ferroviaria, accompagnato dal reverendo Frédéric Salles, giunge nella casa di cura di Saint-Paul-de-Mausole appena fuori la piccola città. Si trattava di un antico monastero romanico, che già nel 1605 era stato utilizzato per malati mentali, mentre all’inizio del XIX secolo venne del tutto trasformato in un istituto solo a questo dedicato, con un reparto maschile e uno femminile. Salles scrisse a Theo che «il signor Vincent era del tutto tranquillo e spiegò da solo al direttore il suo caso, come un uomo completamente consapevole della propria condizione.»
Il 9 giugno, il dottor Peyron annunciava in una lettera a Theo che finalmente aveva potuto dare il permesso a Vincent di uscire dall’istituto, per iniziare a conoscere il paesaggio e dipingere. Van Gogh poté dunque avventurarsi al di fuori delle mura, alla ricerca di nuovi soggetti per la sua pittura. Ma prima che settimane sempre più tormentate prendessero il via, culminate con la crisi di luglio, realizzò dalla finestra della sua camera uno dei quadri più belli dell’intera sua vita, nel quale dipinse le nuvole più affascinanti e perigliose che di lui si ricordino. Proveniente dalla Ny Carlsberg di Copenaghen, questa tela sarà al centro, in mostra, di quel capitolo indimenticabile che ruota attorno alla casa di cura di Saint-Paul-de-Mausole. È il passaggio avvenuto verso quella pittura fatta di una visione tutta partecipata, mossa e frastagliata come se il grano ancora verde, battuto dal temporale, fosse il segno di una burrasca in mare aperto. E parlando della particolare prospettiva sghemba, quasi precipitante lungo la diagonale dal blu delle Alpilles verso il verde dei campi, parlava di “una prospettiva alla Van Goyen”. Cosa che in questo modo riallacciava il suo legame mai sopito con gli autori della Golden Age olandese.
Il percorso espositivo fa su questo un’altra importante sosta, con un secondo quadro molto famoso dipinto da Van Gogh alla metà di luglio, nel quale fa la sua comparsa un effetto stilistico assai marcato, quasi sperimentale, un effetto non particolarmente amato da Theo. Si tratta dello stesso scorcio del precedente, ma con una visione più ravvicinata, con l’occhio che si è introdotto ben dentro quel brano di natura comunque claustrale, durante il tempo della piena estate, con i toni caldi a dominare la scena. E il grande disco della luna nascente che sta sorgendo dal fianco delle Alpilles.
Questi dunque che danno conto dell’ambiente circostante, assieme anche alla visione del Monte Gaussier che si trova sul lato sud della casa di cura e che Van Gogh dipinse nell’autunno di quel 1889, direttamente sul motivo, poco fuori il grande portone di accesso, oppure quelli appena più lontani come Il burrone o perfino la scena con il Buon Samaritano tratta da Delacroix ma ambientata negli stessi canaloni sotto le Alpilles, sono paesaggi di inaudita novità. Tutte opere straordinariamente presenti in mostra. Nell’opera pur sempre così tormentata di Van Gogh, non c’è mai stato periodo alcuno, come questo di Saint-Rémy, in cui questo disagio dell’anima abbia condotto a un rapporto diretto, e si direbbe quasi simbiotico, con la natura. Ciò che appare e ciò che permane ma anche quanto scompare e allora di quella scomparsa bisogna farsi profeti. Così egli ha fatto aggirandosi sui sentieri di terra attorno alla casa di cura.
Van Gogh sommamente sopravvive – e giunto a Saint-Rémy mancherà poco più di un anno alla sua morte – fino a un certo momento alla sua emozione debordante, e così facendo lascia che quell’emozione che tracima in commozione e strazio sia il punto di raccolta in cui tutto il mondo così trasformato si deposita. Le forze del mondo e dell’anima individuale si uniscono per dare luogo a quell’armonia saettante in cui infine si riconoscano gli elementi e l’intero. Gli elementi come parti del tutto sono per Van Gogh la scelta di un percorso difficile, accidentato, perché molto spesso era l’impossibilità e l’incapacità di giungere alla totalità senza spezzare lo scorrere delle cose, dei volti. Non a caso anche qui a Saint-Rémy egli continua a lavorare sugli stessi volti, e lo farà spesso ricorrendo ai pochi sguardi che hanno fatto parte della sua recente vita, come quello della signora Ginoux presente in mostra e che egli riprende dal disegno fatto da Gauguin nella Casa Gialla nell’autunno 1888.
La storia, e con essa questa mostra, è ormai sul punto di concludersi. La mattina del 20 maggio 1890, Vincent lascia Parigi, dove si era fermato a casa di Theo rientrando da Saint-Rémy. Prende il treno in direzione di Auvers-sur-Oise, dove lo aspetta il dottor Gachet, amico di molti tra i pittori impressionisti, a cominciare da Pissarro e Cézanne. Gachet incita subito Van Gogh, come scrive già il giorno successivo al fratello e alla moglie: «Poi mi ha detto che bisogna lavorare con grande ardimento e non pensare affatto a ciò che ho avuto.» All’Auberge Ravoux, nella piazza del Municipio, trova una camera più a buon mercato di quella che all’Auberge Saint-Aubin gli aveva proposto lo stesso medico. Arriva ad Auvers con una rinnovata sensazione di impotenza davanti alla natura e alla possibilità di rappresentarla. La luce e i colori di Saint-Rémy, tatuati sulla sua pelle e sulla sua anima, erano stati troppo.
Van Gogh sopravvivrà fin quando a restare in vita sarà il sogno della pittura. Il sogno che con la pittura egli avrebbe potuto dire quel grumo di lacrime e sangue, di poltiglia di terra e cenere di cielo, che gli cadeva davanti agli occhi ogni mattina. Il sogno di una pittura che dapprincipio era stata l’illusione di copiare Mauve e gli olandesi, poi di rifare i Giapponesi, poi di creare con Gauguin l’Atelier del Sud, luogo d’incontro di immaginate, comuni sensibilità. E infine, da una suggestione gauguiniana, volare verso i Tropici, dove Gauguin era già stato - la Martinica, nell’estate del 1887 - e dove, facendo vela verso la direzione opposta, andrà per la prima volta, lasciando terra da Marsiglia, nemmeno un anno dopo la morte di Vincent.
Il quale dunque sopravvive fino al momento in cui il sogno si spezza, poi il peso diventa insopportabile. Il sogno di un’arte essenziale, totalmente rinnovata nella forza e nella pregnanza del colore. Segno indelebile di quel viaggio che attraversolo spirito poteva condurre all’anima del mondo. Sogno che metteva nel conto la possibilità ardita di dipingere quell’anima invisibile con il visibile dei colori accesi e della natura. Il visibile di una luce che si spandeva nel paesaggio e nei cuori. Una sorta di grande liturgia rappresentativa, infinita, che viene alternandosi alla manifestazione di uno stupore così doloroso e malinconico. Fin quando la malinconia non vince. Rifare a ritroso il cammino, mostrare che la scelta del luogo e dell’ora non era da una casualità ma dal viaggio consapevole. Questo era l’estremo tentativo di vita. Van Gogh possiede il senso dell’utopia ed egli non è solo un sognatore ma anche colui che prevede il futuro. Nell’apparente sconfitta si fa oracolo, effettivamente è l’eroe del primo capitolo di questa mostra. La fine coincide con il principio.

Marco Goldin è nato a Treviso nel 1961.
Si è laureato nel 1985, all’Università Ca’ Foscari di Venezia, con il professor Ernesto Guidorizzi in Storia della critica d’arte, con una tesi su Roberto Longhi scrittore e critico d’arte (votazione 110/110 e lode).
Dal 1984 ha curato oltre 400 esposizioni. Dapprima di ambito trevigiano e veneto tra Ottocento e Novecento, poi italiano ottocentesco e novecentesco, infine europeo e americano sempre di ambito ottocentesco e novecentesco. Di tutte queste mostre ha scritto anche i rispettivi cataloghi, spesso in collaborazione con centinaia di importanti studiosi italiani e stranieri. In alcuni casi i cataloghi sono diventati interi libri scritti in forma autonoma, soprattutto a partire dal 2011, con la quadrilogia da lui dedicata ai temi del viaggio, dello sguardo, del paesaggio e della notte.
Ha ideato, co-curato e organizzato, in entrambi i casi come prima iniziativa italiana sui rispettivi argomenti, due importanti convegni internazionali di studio. Il primo nel gennaio del 2002, a Treviso, dedicato a Monet e il secondo, nell’aprile del 2008 a Brescia, dedicato alla pittura americana del XIX secolo. Curando anche la redazione degli Atti.
Dal 1988 al 1991 ha scritto recensioni e note d’arte per i quotidiani locali del gruppo Espresso, “il Mattino di Padova”, “la Tribuna di Treviso”, “La Nuova Venezia”.
Dal 1991 al 1995 ha scritto recensioni e note d’arte per il quotidiano “il Giornale”, prima sotto la direzione di Indro Montanelli, poi di Vittorio Feltri.
Dal 1988 al 2002 ha diretto la Galleria Comunale di Palazzo Sarcinelli a Conegliano (Treviso), curandovi e organizzandovi 76 mostre, quasi interamente dedicate all’arte italiana del XX secolo, sia della prima che soprattutto della seconda parte.
Nel dicembre 1996 ha fondato Linea d’ombra, società che si occupa, seguendone ogni aspetto, di organizzazione di mostre sia di ambito nazionale che soprattutto internazionale.
Da allora, nelle mostre da lui curate, ha ottenuto prestiti da circa 1.200 Musei, Fondazioni e collezioni private di tutti i cinque Continenti, per un totale di oltre 10mila opere giunte così in Italia, di 1054 artisti diversi.
Dal momento della nascita di Linea d’ombra, le mostre da lui curate hanno accolto 11 milioni di visitatori.
Per nove volte si è trattato della mostra più visitata d’Italia, mentre per altre quattro di una tra le prime tre. Per quattro volte le mostre da lui curate si sono classificate tra le prime dieci più visitate al mondo dei rispettivi anni.
Nel 1999 ha costituito Linea d’ombra Libri, casa editrice che nel 2010 è confluita in Linea d’ombra. Dal 1999, sono oltre 200 i titoli pubblicati, sia come monografie e cataloghi che come saggistica.
Prima della nascita di Linea d’ombra Libri, i suoi cataloghi sono stati pubblicati da alcuni dei maggiori editori italiani, da Electa a Skira, da Marsilio a Longanesi.
Nel 1997 Marsilio ha pubblicato, nella collana di saggistica, Scrivere di pittura. Artisti italiani del Novecento, un volume che contiene una selezione dei suoi saggi sull’arte contemporanea scritti tra il 1988 e il 1997.
Nel 2002 Linea d’ombra Libri ha pubblicato, in due volumi, una lunga serie dei suoi testi sotto il titolo L’arco della luce. Natura e pittura nel secondo Novecento in Italia. Si tratta della raccolta completa dei settantasei saggi scritti per le mostre di Palazzo Sarcinelli a Conegliano dal 1988 al 2002. Fabrizio D’Amico, critico de “la Repubblica”, così ne parlava: “Di formazione fondamentalmente idealista, Goldin s’è nutrito in seguito di letture, prevalentemente francesi, d’area simbolista e spiritualista, poi fenomenologica e strutturalista. Il complesso di questa formazione culturale lo porta a nominare sovente alcune grandi categorie dello spirito attorno alle quali raccoglie l’esperienza, anche, della pittura: spazio e tempo, memoria e futuro, essere e divenire. Attorno a esse, senza spavento, Goldin costruisce la sua frase, che ha giro largo e disteso, e comunicabilità immediata, aliena sempre da tentazioni specialistiche. Conducendola progressivamente poi verso un gusto per il crampo imprevisto del periodare, per la vertigine improvvisa, per l’asprezza che cala in un baleno nel letto ampio della frase”.
Ha, in tempi diversi a partire dal 1998, ideato e coordinato le attività espositive in molti luoghi in Italia. Dopo Palazzo Sarcinelli a Conegliano (1988/2002) e la Casa dei Carraresi a Treviso (1988/2003), sono venute Brescia, Torino, Villa Manin a Passariano (Udine), Rimini, San Marino, Genova, Vicenza, Verona, Bologna. Nel 2016 è ritornato a Treviso e Conegliano curando complessivamente sei esposizioni.
A partire dal 2005 ha dato il via anche a una attività di scrittura teatrale, legata all’evocazione di certe figure che sarebbero poi state al centro di alcune tra le sue principali mostre. Veri e propri spettacoli – ospitati in alcuni dei maggiori teatri italiani, dal Regio e dal Carignano di Torino al Carcano di Milano, dal Comunale di Bologna al Grande di Brescia, dal Donizetti di Bergamo al Filarmonico di Verona, dalla Pergola di Firenze al Politeama di Genova al Brancaccio di Roma − costruiti attorno alle vicende soprattutto di Van Gogh, ma poi anche Gauguin, Corot, Monet, fino a Vermeer. Nell’ambito di questi spettacoli, la componente musicale è stata da subito fondamentale, per cui sono nate importanti collaborazioni, come quelle con Franco Battiato, Alice, Francesca Michielin, Antonella Ruggiero, Massimo Bubola, Francesco Renga e Tosca, per i quali ha scritto i testi di alcune canzoni confluite poi sia negli spettacoli nei teatri sia nei DVD e CD pubblicati successivamente. Molti i compositori e gli esecutori che si sono alternati nei suoi lavori, dallo stesso Battiato a Roberto Colombo, da Carlo Boccadoro a Carlo Guaitoli, dagli Arké String Project al The Modern String Quartet, da Stefano Salvatori ai The Framers, da Paolo Troncon a Renzo Ruggieri, da Piero Salvatori a Mauro Martello. Negli spettacoli teatrali dedicati alle mostre ha inserito anche la presenza talvolta di un coro e di un’orchestra d’archi. Fondamentali naturalmente le parti riservate agli attori, in alcune circostanze in sola lettura, con interpreti come Giulio Brogi, Carlo Valli, Loriano Della Rocca, Gilberto Colla, Angelica Leo, Sandro Buzzatti, Fiorenzo Fiorito, Carla Chiarelli, Paola Giacometti.
Nel recensire, dopo una delle repliche al Carcano di Milano, lo spettacolo del 2005 dedicato a Gauguin e Van Gogh (Lontano dal mondo), il decano dei critici teatrali italiani di allora, Ugo Ronfani, scriveva ne “Il Giorno”: “Ma c’è altro che mi ha interessato, al limite dell’entusiasmo: l’operazione ha dato felice concretezza all’originale progetto di presentare sulle scene una grande esposizione di pittura, accelerando così quel processo di fusione delle arti in atto nel nuovo teatro multicodice”.
Nel 2005 ha co-curato l’edizione trilingue del catalogo generale, in tre volumi, della Fondazione Bührle di Zurigo, straordinario scrigno di capolavori dal Gotico tedesco fino alle avanguardie.
Nel 2005 e nel 2008, nell’ambito di due co-produzioni internazionali, ha realizzato l’edizione in lingua italiana dei cataloghi Disegni di Van Gogh. I capolavori (mostra prima al Van Gogh Museum di Amsterdam e poi al Metropolitan Museum di New York) e Vincent van Gogh. I colori della notte (mostra prima al MOMA di New York e poi al Van Gogh Museum di Amsterdam).
Ha insegnato per due anni all’Università IULM di Milano e per due anni all’Università Ca’ Foscari di Venezia. Su invito del Magnifico Rettore, prof. Carlo Carraro, ha tenuto la Lectio Magistralis all’inaugurazione dell’Anno Accademico 2010/2011 dell’Università Ca’ Foscari di Venezia, dedicandola all’immagine del Mediterraneo dipinto dal Settecento al Novecento.


VAN GOGH. I colori della vita
Dal 10/10/2020 al 11/04/2021
A cura di: Marco Goldin
Prenotazioni: dal 1/09/2020 - call center 0422.429999 - www.lineadombra.it
Orari: Lun - Gio 9 - 18 | Ven - Dom 9 - 20 | Chiuso il 24 dicembre
Biglietto: SENZA PRENOTAZIONE: Intero 15 € - Ridotto 12 € (Studenti maggiorenni e universitari fino a 26 anni con tessera di riconoscimento, oltre i 65 anni, giornalisti con tesserino) - Ridotto 9 € (Minorenni 6-17 anni) - CON PRENOTAZIONE: Intero 17 € - Ridotto 14 € (Studenti maggiorenni e universitari fino a 26 anni con tessera di riconoscimento, oltre i 65 anni, giornalisti con tesserino) - Ridotto 11 € ( minorenni 6-17 anni) - Gratuito bambini fino a 5 anni compiuti, accompagnatore di disabile

Informazioni: +39 0422 429999 - biglietto@lineadombra.it
OrganizzazioneLinea d’ombra - Strada di Sant’Artemio, 6/8 - 31100 Treviso - T. +39 0422 3095 - info@lineadombra.it - www.lineadombra.it

info@studioesseci.net - www.studioesseci.net

Centro San Gaetano
via Altinate, 71

Padova

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Raffaello. L’invenzione del divino pittore – Museo di Santa Giulia – Brescia – dal 2/10/2020 al 10/01/2021

RAFFAELLO. CUSTODI DEL MITO IN LOMBARDIA
Come culmine del cinquecentenario, due mostre tra Brescia e Milano e un calendario di appuntamenti, con varie tappe in Lombardia, celebrano Raffaello e il suo mito. Tra ottobre 2020 e marzo 2021. 
In che modo la visione del genio urbinate e la sua capacità di promozione furono rivoluzionarie? Una volta creata la leggenda, chi l’ha custodita e tramandata nei secoli? Quanto il collezionismo ha accolto le influenze e ha indirizzato le tendenze? Quando e come la produzione di stampe ha contribuito alla nascita della cosiddetta “industria culturale”? Quali i custodi della memoria raffaellesca in Lombardia e con quale ruolo?
Il progetto cerca di dare risposte a queste domande, grazie a una serie di iniziative dedicate al pubblico e al racconto della fama, sempre viva, di Raffaello.
Brescia e Milano, con Fondazione Brescia Musei e Castello Sforzesco, offrono il proprio omaggio a Raffaello in occasione del cinquecentenario della morte con due progetti espositivi, due cataloghi e un ricco calendario di appuntamenti condivisi con diverse istituzioni culturali della Lombardia che, a vario titolo, hanno ricoperto nel tempo e ricoprono tuttora il ruolo di custodi del mito di Raffaello. Oltre Brescia e Milano, da Mantova a Cremona, da Bergamo a Pavia, da Crema a Busto Arsizio, le istituzioni culturali dell’intera regione celebrano il maestro urbinate con una programmazione congiunta.
Le mostre e i cataloghi, editi da Skira, fortemente incentrati sulla valorizzazione dei patrimoni bresciani e milanesi, indagano la figura di Raffaello tramite due protagonisti della stagione ottocentesca, momento fondamentale per la costruzione del suo mito, per la divulgazione del linguaggio e delle invenzioni del maestro e per la cultura lombarda: Paolo Tosio e Giuseppe Bossi.
L’obiettivo dei progetti espositivi ed editoriali è quello di restituire quale fosse, per i conoscitori europei di primo Ottocento, l’idea della cultura figurativa raffaellesca, che spesso prescindeva dalla conoscenza degli originali e si basava principalmente sull’analisi di disegni, stampe e oggetti d’arte.
Veri e propri surrogati degli originali (che prima dell’epoca dei musei e della fotografia erano alla portata di pochissimi) i disegni e le stampe, in particolare, furono documento per i conoscitori e strumento di formazione per i pittori, oggetto del desiderio per collezionisti e cultori del mito.
A Brescia: all'interno del Museo di Santa Giulia (2 ottobre 2020 - 10 gennaio 2021), Raffaello. L'invenzione del divino pittore, a cura di Roberta D'Adda, presenta una collezione di stampe d’après Raffaello, realizzate in Italia e in Europa dall’inizio del Cinquecento alla metà dell’Ottocento, insieme a una scelta di dipinti e oggetti d'arte.
La visita si completa con un itinerario in città tra Pinacoteca Tosio Martinengo, che custodisce due opere di Raffaello, e l’Ateneo di Brescia - Accademia di Scienze Lettere e Arti, che presenta una serie di stampe raffaellesche di grande formato.
A Milano: nelle sale del Castello Sforzesco (27 novembre 2020 - 7 marzo 2021) per Giuseppe Bossi e Raffaello al Castello Sforzesco di Milano, a cura di Claudio Salsi con la collaborazione di Alessia Alberti, Giovanna MoriFrancesca Tasso, in mostra disegni, incisioni e maioliche rinascimentali tratte da invenzioni dell'Urbinate, grazie a nuove ricerche e studi indirizzati alla figura di Giuseppe Bossi, collezionista, disegnatore e pittore, nel segno di Raffaello.
In Lombardia: un ricco programma di iniziative e incontri (ottobre 2020 - marzo 2021) reso possibile grazie alla partecipazione corale di istituzioni museali della regione; tante occasioni diffuse sul territorio perché il pubblico possa avvicinarsi non solo al genio di Raffaello ma anche ai tanti aspetti che hanno reso e rendono, ancora oggi, il suo mito attuale.
A oggi hanno aderito al progetto: Accademia Carrara, Bergamo; Museo Diocesano di Brescia; Palazzo TosioAteneo di Brescia; Civiche Raccolte d’Arte di Palazzo Marliani Cicogna, Busto Arsizio; Museo Diotti,Casalmaggiore; Museo Civico di Crema e del Cremasco; Fondazione Maria Cosway, Lodi; Fondazione Ugo da Como, Lonato del Garda; Complesso Museale Palazzo Ducale di Mantova; Accademia di Belle Arti di BreraMilano; Museo Poldi Pezzoli, Milano; Musei Civici di Pavia.


Raffaello. L’invenzione del divino pittore
Brescia, Museo di Santa Giulia
2 ottobre 2020 – 10 gennaio 2021
a cura di Roberta D’Adda

Un omaggio a Raffaello nella città che custodisce due capolavori del maestro di Urbino: il Redentore (1506 circa) e l’Angelo (1500-1501). Oltre cento opere, tra incisioni e oggetti d’arte, tratte da invenzioni raffaellesche e prodotte in Italia e in Europa dall’inizio del Cinquecento alla metà dell’Ottocento; il racconto di un’epoca e la costruzione di un mito, a partire dalle collezioni civiche bresciane che raccolgono più di seicento fogli d’après Raffaello.
Raffaello. L’invenzione del divino pittore, progetto di Fondazione Brescia Musei, è un percorso che mostra come vennero divulgati il linguaggio e le invenzioni del genio urbinate fino alla graduale individuazione di quelle opere raffaellesche che, via via, andarono a determinare l’idea moderna del pittore.
A partire dalle incisioni prodotte da Marcantonio Raimondi e dal gruppo di incisori che, secondo la tradizione stabilita da Vasari, furono coinvolti da Raffaello nell’attività della sua bottega con il compito di tramandare la memoria e garantire la diffusione delle sue invenzioni, la mostra si sviluppa attraverso alcuni oggetti ispirati al maestro e realizzati nel Cinquecento fino ad arrivare ai secoli successivi, al Seicento e al Settecento, con stampe di Giorgio Ghisi, Carlo Maratta, Orazio Borgianni, Nicolas Dorigny e Raffaello Morghen e con la straordinaria impresa dell’illustrazione delle Logge e delle Stanze Vaticane, realizzata da Volpato su fogli di grande formato.
L’Ottocento è il secolo in cui Brescia, grazie all’operato di Paolo Tosio e del suo circolo di conoscitori e artisti, divenne uno dei nodi della rete di relazioni e influenze che determinarono un rinnovamento romantico del mito di Raffaello. Grazie anche alla presenza del Redentore, acquistato nel 1821, Palazzo Tosio divenne infatti un polo d’attrazione, come prova un disegno giovanile del Piccio, un’impegnativa copia pittorica della Scuola di Atene eseguita da Giuseppe Bezzuoli attraverso un appassionato studio dal vero e una tavola di Felice Schiavoni con Raffaello che ritrae la Fornarina, omaggio al leggendario e appassionato amore dell’Urbinate.
In mostra, accanto alle interpretazioni della scuola di incisione di Brera, opere di diversi intagliatori europei, tra i quali Ludwig Grüner, amico di Paolo Tosio e ospite per lungo tempo della sua casa, che proprio a Brescia avviò la sua carriera di incisore d’après Raffaello proseguita anche dopo il suo trasferimento a Londra come consigliere artistico della regina Vittoria e del principe Alberto. All’interno del percorso alcuni pezzi unici, mai esposti prima, provenienti dalla Raccolta Emilio Anderloni, tra cui le lastre in rame e i disegni delle Stanze di Pietro Anderloni.
Il progetto si completa grazie a una serie di attività didattiche, laboratori e visite guidate per tutti i pubblici, oltre all’experience show InVece di Raffaello, realizzato da CamerAnebbia così come l’identità visiva della mostra, per avvicinare il linguaggio dell’incisione alla sensibilità contemporanea, proponendo un’esperienza immersiva e interattiva: con un touchscreen e comandi intuitivi è possibile navigare attraverso le incisioni esposte, apprezzandone i dettagli e meravigliandosi per gli inediti effetti tridimensionali. La sezione digitale comprende anche un videomapping che, nei primi tre giorni di apertura della mostra, animerà la facciata della Pinacoteca TosioMartinengo .
Il pubblico è invitato a completare la visita a Brescia sia presso la Pinacoteca Tosio Martinengo, custode di due capolavori di Raffaello, sia presso Palazzo Tosio, dove si formò la collezione e che oggi è sede dell’Ateneo di Brescia - Accademia di Scienze Lettere e Arti, che presenta per l’occasione una serie di stampe raffaellesche di grande formato, opera di Giovanni Ottaviani e Giovanni Volpato. Un percorso di scoperta e valorizzazione che coinvolge così l’intera città: il biglietto della mostra consente l’accesso gratuito alla Pinacoteca TosioMartinengo.
Il Ministero degli Affari Esteri e della Cooperazione Internazionale attraverso la Direzione Generale per la Promozione del Sistema Paese ha selezionato la mostra Raffaello. L’invenzione del divino pittore tra i progetti espositivi che intende promuovere presso le proprie sedi all’estero. Pertanto, a partire dalla fine di gennaio 2020, la mostra compirà una tournée che toccherà, nell’ordine, Zagabria, Tirana e Sarajevo.
Catalogo edito da Skira con testi di Alberto Crespi, Roberta D’Adda, Chiara De Ambrogio.

L'esposizione – con la sistematica campagna di restauri, con la presentazione di stampe e disegni sin qui inediti, con la realizzazione del catalogo che qui presentiamo – costituisce un felice esito del mandato, affidato a Fondazione Brescia Musei, di valorizzare il patrimonio delle collezioni civiche, divulgandone la conoscenza e perpetuandone la durata. Non di meno, l'iniziativa ravviva la tradizione, avviata nell’Ottocento e profondamente radicata nella cultura cittadina, di Brescia come attiva “custode” del mito di Raffaello.
Emilio Del Bono, sindaco di Brescia

Grazie al programma di iniziative esteso a tutto il territorio regionale sotto il titolo, appunto, di Raffaello. Custodi del mito in Lombardia, si riuniscono attorno alla ricorrenza del cinquecentenario della morte del grande maestro città e istituti, idee e azioni, in una armonia di intenti che riconosce nella cultura un valore profondo di coesione e crescita, per gli individui e per le comunità. Quel valore che ci guida nel cammino che porterà Brescia, assieme a Bergamo, a essere Capitale italiana della cultura nel 2023.

Laura Castelletti, vicesindaco e Assessore alla Cultura di Brescia

Fondazione Brescia Musei vanta la responsabilità di custodire nella Pinacoteca Tosio Martinengo ben due opere capitali quali l’Angelo della pala di Città di Castello e il Redentore, di cui nel 2021 si celebrano i duecento anni dall’arrivo in città per opera di Paolo Tosio. È questa mostra un’occasione importante per sensibilizzare i cittadini sull’opera di conservazione e valorizzazione del patrimonio civico che Fondazione Brescia Musei sta perseguendo, e un segno tangibile del suo ruolo di presidio nella custodia dell’identità bresciana.

Francesca Bazoli, presidente Fondazione Brescia Musei

Il progetto Raffaello. L’invenzione del divino pittore intende ragionare sul concetto di creazione ed elaborazione del Mito, sulla sua custodia e conservazione, e sugli aspetti che hanno determinato l’avvio della cosiddetta industria culturale, a partire da una delle icone più rappresentative dell’Europa moderna, e puntando l’attenzione sull’eredità di Paolo Tosio e sul suo contributo al culto della memoria raffaellesca. Insieme a questo il progetto è un’occasione di invito, per tutti, a scoprire o riscoprire la città di Brescia attraverso il suo patrimonio grazie a un itinerario che comprende Museo di Santa Giulia, Pinacoteca Tosio Martinengo e Ateneo, antica residenza di Tosio.

Stefano Karadjov, direttore Fondazione BresciaMusei

Fondazione Brescia Musei è una fondazione di partecipazione frutto dell’innovativa partnership pubblico-privato che negli ultimi venti anni ha permesso la riapertura del Museo di Santa Giulia e la valorizzazione di Brescia come città d’arte mediante la gestione congiunta degli spazi museali civici assegnati in concessione dal Comune di Brescia e un articolato programma culturale di animazione, con mostre, eventi e attività editoriali. Fondazione Brescia Musei gestisce un complesso e avvincente sistema museale costituito dal Museo di Santa Giulia, sito Unesco 2011 con Brixia Parco Archeologico di Brescia Romana, il Parco Archeologico più grande d’Italia, dalla Pinacoteca Tosio Martinengo, dal Castello di Brescia con il Museo Delle Armi “Luigi Marzoli”, nonché la programmazione e gestione della sala cinematografica e multimediale Nuovo Eden, cinema d'essai parte del prestigioso progetto di rigenerazione urbana del quartiere del Carmine.


Raffaello. L'invenzione del divino pittore
Dal
2/10/2020 al 10/01/2021
A cura di: Roberta D'Adda
Informazioni: www.bresciamusei.com

Museo di Santa Giulia
Brescia

Giuseppe Bossi e Raffaello al Castello Sforzesco di Milano
Dal 27 novembre 2020 al 7 marzo 2021

A cura di: Claudio Salsi
Informazioni: www.milanocastello.it

Castello Sforzesco
Milano

rassegna CUSTODI DEL MITO
calendario appuntamenti in definizione in varie sedi in Lombardia
ottobre 2020 - marzo 2021

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