La Milano di Cesare Colombo in mostra per 4 mesi al Castello Sforzesco: più di 100 immagini selezionate dalla curatrice Silvia Paoli e dalle figlie Sabina e Silvia Colombo, allestite nella splendida Sala Viscontea da Italo Lupi, amico e compagno di strada.
Il Comune di Milano e il Civico Archivio Fotografico rendono omaggio con una grande mostra a Cesare Colombo, uno dei principali fotografi e studiosi della fotografia del Novecento. Curatore di importanti mostre e animatore di dibattiti, sin dal Dopoguerra ha contribuito a far crescere in modo significativo la cultura fotografica in Italia. La rassegna dal titolo Cesare Colombo. Fotografie/Photographs 1952-2012 è curata da Silvia Paoli, con Sabina e Silvia Colombo, oggi responsabili dell’Archivio di Colombo, allestimento e grafica di Italo Lupi, e si tiene dal 21 febbraio al 14 giugno 2020 alla Sala Viscontea del Castello Sforzesco.
"Quasi quarant’anni, una vita, dedicati da un fotografo a vedere Milano, grande città italiana e nello stesso tempo simbolo di una qualsiasi grande città del mondo." Scriveva così Corrado Stajano nel 1990 sul catalogo Alinari che accompagnava la prima grande mostra milanese di Cesare Colombo, allestita all’Arengario. Dopo tre decenni una nuova rassegna riprende e completa l’eredità lasciata per restituire un nuovo affresco dell’attività fotografica dedicata da Colombo alla sua città, nella quale le foto più conosciute si uniscono a immagini inedite e a vere e proprie riscoperte d’archivio.
A partire dal corpus di fotografie recentemente entrate a far parte delle collezioni del Civico Archivio Fotografico del Castello Sforzesco, la mostra restituisce la sua visione coinvolgente e appassionata della metropoli lombarda. Il percorso comprende oltre 100 fotografie esemplificative dell’intera carriera di Colombo, divise in sei sezioni, dove la città viene descritta nei suoi molteplici aspetti culturali, politici e sociali e offre un vivido racconto biografico lungo sessant’anni (1952-2012) di sviluppo urbano, trasformazioni del lavoro e mutamenti del tessuto sociale. Il mondo delle fabbriche e le manifestazioni sindacali, le rivolte studentesche e le periferie, ma anche uno sguardo attento su una città in continuo cambiamento, che produce e crea: le fiere e i negozi, la moda e il design, l’arte e lo spettacolo. Punti di vista di una città ‘abitata’ di uno dei suoi più attivi interpreti.
L’allestimento e la grafica di Italo Lupi, aiuteranno il visitatore a ricostruire la figura di Cesare Colombo nella sua complessità. In mostra un tavolo biografico, lungo venticinque metri, ricostruirà la vita di Cesare Colombo dalla sua formazione giovanile, ai primi lavori, ai progetti di comunicazione pubblicitaria, alla sua vita familiare, alle sue molte collaborazioni con l’editoria, all’impegno politico e ai suoi impegni culturali.
Un affresco coloratissimo che fa da contraltare al rigore delle fotografie in bianco e nero, affiancato da un altro lungo tavolo più sobrio di colori e grafica, con brani di suoi scritti e citazioni di differenti testi critici e letterari.
Il catalogo a cura di Silvia Paoli, edito da Silvana (Italiano-Inglese) contiene il saggio critico del curatore (Oltre i bordi dell’inquadratura. Cesare Colombo 1935-2016,fotografo, storico, critico), una sezione dedicata all’allestimento con una nota di Italo Lupi e ricchi apparati bio-bibliografici a cura di Sofia Brugo. Tutte le fotografie sono riprodotte nel volume divise secondo le sezioni della mostra: Album Metropolitano, Stagioni di lotta, Offerte di lavoro, Ingresso Libero, La città della moda e del design, Arte in scena. L’esposizione e il catalogo sono l’esito di un lungo lavoro di ricerca il cui intento è di contribuire alla conoscenza di questo importante autore della fotografia italiana, aprendo anche nuovi orizzonti di studio.
Cesare Colombo (1935-2016) è stato protagonista per più di cinquant’anni nel mondo della fotografia, e in generale nella comunicazione visiva. Al lavoro di ripresa (architettura, reportage per l’industria, illustrazione editoriale) ha affiancato una lunga esperienza nel settore della ricerca, dell'analisi critica e dell'ordinamento di immagini storiche.
Nelle sue foto è prevalente l’interesse per l’uomo, protagonista dinamico dell’inquadratura, ma anche simbolo della condizione sociale odierna. Significativa è la sua antologia Milano Veduta Interna (Alinari, 1990, testi di Roberta Valtorta e Corrado Stajano). In seguito, un completo percorso attraverso le sue immagini viene raccolto nel fotolibro Life Size, Photos 1956-2006, Edizioni Imagna 2009. Nel 2012 è uscito un altro fotolibro sulla sua città Milano. Ingresso libero curato da Giovanna Calvenzi nella collana della Fiaf “Grandi Autori della Fotografia Contemporanea”. Del 2013 è infine il volume, scritto con Simona Guerra, La camera del tempo, Edizioni Contrasto, dedicato alla vita e all’opera dell’autore.
Come studioso dell’immagine, oltre a molti saggi critici, ha curato nel 2004 per le Edizioni Agorà l’antologia Lo sguardo critico. Cultura e fotografia in Italia 1943-1968. Come ricercatore ha prodotto, per editori ed enti pubblici, mostre e fotolibri, tra i quali L’occhio di Milano (1977), L’uomo a due ruote (1987), Tra sogno e bisogno e Occhio al cibo per Coop (1985 e 1990), Scritto con la luce, Electa (1987), La fabbrica di immagini, Alinari (1988), Un paese unico. Italia, fotografie 1900-2000, ancora per Alinari; Ferrania. Storie e figure di cinema e fotografia (De Agostini, 2004), la sezione Fotografia di AnniCinquanta (ArtificioSkira, 2005); Cento anni di imprese per l’Italia (Alinari / 24 Ore Cultura, 2010).
Cesare Colombo, Fotografie/Photographs 1952-2012
Una mostra: Comune di Milano, Civico Archivio Fotografico, Milano In collaborazione con: Archivio Cesare Colombo, Milano Dal 21 febbraio al 14 giugno 2020 A cura di: Silvia Paoli, con Sabina e Silvia Colombo Allestimento e grafica: Italo Lupi Informazioni: www.milanocastello.it - T. 02.88463700 Orari: Martedì-Domenica ore 9-17.30 (La biglietteria chiude alle ore 17); Chiuso lunedì Ingresso: gratuito Uffici stampa: Comune di Milano - Elena Conenna - elenamaria.conenna@comune.milano.it Archivio Cesare Colombo: Alessandra Pozzi - press@alessandrapozzi.com - T. +393385965789 Catalogo: A cura di Silvia Paoli, 352 pag., 250 ill., edizione bilingue italiano/inglese, Euro 39,00 Silvana Editoriale www.silvanaeditoriale.it - press@silvanaeditoriale.it
Castello Sforzesco Sala Viscontea Piazza Castello 1 Milano
«Un’immagine nasce prima di tutto nella mente, prende forma nell’immaginario, tutto molto prima dello scatto vero e proprio. Esattamente come fa un pittore che, anche quando ritrae la realtà, che è lì davanti ai suoi occhi, la trasforma comunque, perché è un processo che passa attraverso l’intuizione, il cuore e l’anima.» Luigi Gattinara
Dal 26 gennaio al 13 febbraio 2020 la Milano Art Gallery, Via Andrea Maria Ampére 102, ospita la mostra fotografica di Luigi Gattinara dal titolo Una vita in posa. Si inaugura domenica 26 gennaio alle ore 18.00, con la presentazione del curatore di mostre e grandi eventi Salvo Nugnes, direttore delle Milano Art Gallery.
Diciotto scatti del "pittore della luce" ci raccontano la sua visione caravaggesca della vita. Una personale che doveva ripercorre le tappe fondamentali della vita fotografica di Luigi Gattinara è diventata ora, per la sua prematura scomparsa, una testimonianza ed un omaggio.
Purtroppo ancora un grande amico ci ha lasciato.
Luigi era sempre disponibile, attento e generoso. Una spinta sempre verso la positività, anche quando le cose di cui gli parlavi non andavano per il verso giusto. Un grande pittore della luce. Raffinato ed elegante. Una persona di cultura con cui era sempre piacevole parlare e individuare nuovi orizzonti. Ma con lui era bello anche scherzare, oltre a parlare di mostre e d'arte. Con lui e la sua inseparabile moglie Daniela, che amava immensamente, ci si trovava sempre in piacevole armonia. Amante della vita e della bellezza e anche, più frivolmente, della buona e raffinata cucina e del suo immancabile sigaro toscano.
Aperto verso i giovani e anche per questo era nata la Triennale di Fotografia Italiana, che ha dato voce a fotografi di tutto il paese, dando loro la possibilità di essere conosciuti ed apprezzati, senza le maglie di un mondo espositivo spesso raggelato e raggelante. Ci eravamo sentiti lungamente l'altro giorno e avevamo parlato della mostra che si sarebbe inaugurata domenica prossima. Era tutto pronto...
Ora la luce è tutta per te.
Gianni Marussi
"La vita è strana: sa sempre come sorprenderti. Soprattutto se penso che fino a qualche giorno fa mi trovavo nel laboratorio del Maestro Luigi Gattinara. Ci siamo rimasti per diverse ore, io e lui. È stato un lavoro certosino che si è protratto per quasi quattro ore ‒ il Maestro d’altronde era un perfezionista ‒ per delineare al meglio il suo percorso artistico, la sua carriera. La mostra antologica che oggi ci troviamo a inaugurare, Una vita in posa, doveva, nelle sue intenzioni, e deve, nelle nostre, illustrare come si è evoluta la sua creatività nel corso del tempo, in anni e anni di studio attento. Perciò questa rassegna è volutamente divisa in sezioni per aiutarci a riviverne gli sviluppi e l’ingegnosità. Le fotografie che adesso vediamo vibrano di luce, pulsano dell’attesa di essere riscoperte. Un po’ ci parlano con dolcezza del mistero che tutti ci portiamo appresso con unicità, quello della vita, con i suoi meravigliosi chiaroscuri. Ci parlano di lui.
Luigi Gattinara era un caro amico, un brav’uomo e un grande artista. Le immagini qui esposte sono la palese dimostrazione del suo spirito, di ciò che andava cercando. La sua attenzione era volta a un bene supremo, immateriale e difficile da ottenere, quello della bellezza. Proprio l’eleganza e la cura del dettaglio, la morbidezza con cui si scivola sulle forme di questi soggetti ci svelano la sua personalità. Luigi Gattinara aveva un animo gentile e allo stesso tempo rigoroso, capace di portare con disinvoltura quel qualcosa di speciale ovunque andasse.
Con i suoi scatti artistici è possibile ripercorrerne la storia e la vita. Si ha la sensazione tangibile che, come queste fotografie sono destinate a restare con noi nel tempo, anche lui lo sia. Queste immagini sono un dono che ci ha fatto. Siamo dei privilegiati perché ne possiamo godere, possiamo ammirare il mondo come lui lo figurava attraverso i suoi occhi. Sappiamo che lì possiamo ritrovare tanto la sua essenza quanto la nostra.
Perché, se siamo fatti di qualcosa, questo qualcosa sono le emozioni. E l’universo che ci teniamo dentro a volte è possibile sfiorarlo delicatamente attraverso uno sguardo. Luigi Gattinara lo sapeva bene e ci insegna tuttora come guardare, come vedere. Ci mostra con che occhi rivolgerci a noi stessi, parlandoci con un linguaggio che gli riusciva splendidamente, quello della fotografia. Una vita in posa è il suo ultimo progetto, un riassunto del suo operato. Ci teneva in particolar modo alla riuscita della sua personale. Assieme ai suoi famigliari abbiamo scelto di salutarlo dove meglio possiamo ora trovarlo: qui, tra noi, in mezzo alla sorpresa che ancora dobbiamo gestire, in mezzo all’arte e alla bellezza, in mezzo ai nostri ricordi e alle nostre tumultuose e delicate emozioni."
Salvo Nugnes
La rassegna rimarrà aperta al pubblico fino al 13 febbraio, visitabile tutti i giorni liberamente dalle 14.30 alle 19, ad eccezione della domenica. Per maggiori informazioni è possibile chiamare lo 0424 5252190, scrivere a info@milanoartgallery.it oppure visitare il sito www.milanoartgallery.it.
“La lettura delle straordinarie Nature morte di Luigi Gattinara può utilmente incominciare da quella che appare spunto e insieme simbolo di tutta l’operazione: la parafrasi della Caravagensis fiscella cui egli ha apposto il titolo-chiave “Per gioco”. Il gioco è duplice: è il divertimento suo, creativo, di ricomporre un canestro di frutta il più possibile vicino a quello raffigurato dal Caravaggio, quindi di fotografarlo da un punto di vista e con un taglio di luce che riproducano al massimo le condizioni in cui operò il pittore; ed è il divertimento di sottoporre la fotografia al nostro sguardo e lasciarci per un momento (anche un lungo momento) spiazzati, nell’incertezza su “che cosa” Gattinara abbia fotografato (quel quadro? un quadro? dal vero?). La seconda parte del gioco è, ovviamente, la meno importante; l’operazione non vuole essere un tranello ne un trompe l’oeil, se non nel senso nobile assunto con il tempo dell’espressione. Gioco non significa scherzo: è anzi, e qui a pieno titolo, termine collaudato da una lunga consuetudine teorica per indicare l’aspetto libero e liberatorio dell’attività artistica, la sua qualità gratificante. Così il gioco di Gattinara si è esteso ad altre nature morte, iconograficamente e stilisticamente inseribili nella vasta produzione di genere tra il Sei e il Settecento. Ma egli non rifà specifici modelli, bensì lavora “à la manière de”, senza peritarsi in qualche caso di lasciare evidenti materiali ed oggetti che tradiscono l’attualità delle composizioni. Lavora in una prima fase come un trovarobe, poi come uno scenografo ed infine ritrae quello che ha organizzato, seguendo in tutte le fasi di lavoro una sua inclinazione di gusto, che specialmente restituisce atmosfere alla Zurbaràn (La zucca, Il cavalletto), talvolta indugia su un descrittivismo più minuto e meno astratto, come delle scuole fiammingo-olandesi, ripropone una sontuosità alla Strozzi (Natura morta con piume) e arriva anche a imitare certe composizioni dell’Ottocento, da romanticismo inglese (Libro con ape, I fiori), più sensuali, a loro volta rivisitazioni dello “still life” seicentesco, o a sedurci del tutto, e inquietarci, con l’esibizione inedita di biscotti che paiono fossili non perché d’apparenza stantia, ma al contrario mineralizzati dal silenzio nella loro impeccabilità (vita silenziosa, appunto, o silenziosa luce). E infine, con un’altra impennata, inventa una metafisica contrapposizione in grigio fra la palpabilità della stoffa spiegazzata e la lucente intangibile forbitezza del vetro (I vetri). La campionatura è ampia, ma tutt’altro che eterogenea, legata a una ben chiara volontà stilistica. L’idea dello stile parte, ancora, dalla suggestione caravaggesca che costituisce primo avvio dell’operazione; quel Caravaggio che, mentre dichiarava essere compito prima dell’artista il “dipingere bene le cose naturali”, operava poi in condizione di totale artificio, predisponendo in accurate combinazioni i soggetti da rappresentare, collocandoli su sfondi bene studiati, tagliando su di essi la luce opportunamente condotta. L’artificio garantiva la sublimazione totale di soggetti, li consegnava a un significato “altro”. Gattinara usa qui la fotografia come il mezzo che più ci consente la smaterializzazione delle presenze raffigurate: divenute a maggior ragione astratta bellezza attraverso un procedimento dove l’aspetto materico non è che una pellicola, o velo, o foglio. Siamo in una situazione opposta a quella che ha caratterizzato la formula iperrealista. epigono del pop-art: quando la pittura, mimando l’immagine fotografica, e quella al massimo standardizzata, dichiarava per ciò stesso l’impossibilità ormai intervenuta di un approccio reale con le cose. Siamo anche, ovviamente, fuori degli aspetti materici della pittura, del suo corpo a corpo con il colore, con cui Gattinara non intende gareggiare. Unendo una vibrante sensibilità visiva a una ricca e puntigliosa cultura storica, il gusto rievocativo a un estetismo di assoluta godibilità, Gattinara propone immagini allo stato puro: la bellezza del vedere, la bellezza che assumono le cose nell’essere viste. Non sono oggetti reali rappresentati, sono oggetti divenuti immagine (puro spirito, stavo per dire)."
Rossana Bossaglia, storico e critico d’Arte
Un artista che dipinge con una macchina fotografica "Luigi Gattinara ha fatto della “natura morta” una forma d’arte riscoprendola attraverso la lente di una macchina fotografica. La sua abilità fotografica ricrea come per incanto la sospesa e sognante atmosfera che, troviamo nella “nature morte” dei grandi maestri (dal Medioevo ai pittori olandesi del 17 ° secolo, Caravaggio e così via). Guardando gli oggetti inanimati delle sue composizioni, l’intero spettro del genere, provoca un effetto di curvatura spazio/tempo che sposta idealmente l’osservatore in un’altra dimensione e, apparentemente, congela il tempo rendendo le sue opere contemporanee. Il realismo ottico subisce una trasformazione sottile, modificato dalla luce e dalle sfumature di colore che, diventano una fonte di fascino rendendo difficile il distinguere l’immagine fotografica da quella pittorica. Gattinara gioca sulla nettezza dei contrasti chiaroscurali e con una forzata selezione di quelli cromatici. Sullo spaesamento delle dimensioni dell’oggetto: con l’intervento di una limitata, a volte solo accennata, presenza di arredo interpreta e significa l’oggetto che ha sotto osservazione. Proprio quello dello sguardo che attraverso l’obiettivo esplora l’ingombro dell’oggetto, ne trova quindi un orientamento sul piano, sceglie un punto di vista ed una grandezza relativa all’inquadratura scelta, alla ricerca di fisionomie nascoste, particolari che una affrettata lettura non può che escludere. Viene spontaneo, una volta osservato il “ritratto” fotografico, cercarne l’originale ed operare un confronto, cogliere quanto è intervenuto nel passaggio dalla esperienza diretta del volume alla sua conoscenza mediata dallo strumento fotografico, ma credo che la cosa più interessante sia quella non tanto di un raffronto diretto quanto invece di giocare con l’immagine che la memoria ha conservato."
Alberto Veca, Storico e critico d’Arte
Immagini del quotidiano
"Nel lavoro di Luigi Gattinara vi è un sapiente esercizio fra “memoria dell’antico” e sensibilità per l’attuale, un equilibrio difficile perché è comune cadere, in esercitazioni che si riferiscono a un immaginario passato - nella fattispecie quello seicentesco della natura morta europea - nella citazione puntuale, anacronistica, fra omaggio e nostalgia di un mondo in cui le cose, animate o inanimate, artificiali o naturali, erano “amiche”. Nell’occasione “antico” e “nuovo” coesistono felicemente. Il debito rispetto a quel mondo, dove all’oggetto rappresentato venivano attribuiti, traslati, quei sensi dell’uomo che si andavano indagando anche a livello scientifico, è evidente e volutamente: la ridotta “galleria” può citare “luoghi canonici” del genere pittorico, come “angoli di cucina” o “angoli di studio” romani, spagnoli o dei Paesi bassi, ciascuno può leggere il singolo esito con gli occhi della mente alla ricerca di prototipi o di soluzioni plastiche e luministiche analoghe. È un esercizio interessante ma non definitivo perché l’occhio di oggi scopre nel soggetto comune, figure, quindi sensazioni e suggestioni altrimenti non considerate per più appariscenti presenze e ingombri. A volte è sufficiente un frammento del tutto perchè la mente possa completare l’immagine data e poi trovare una collocazione, ieri facile e oggi difficile per la dissonanza con ciò che circonda. Voglio dire che il “silenzio” della natura morta di oggi è in qualche modo “strappato” alla confusione che ci circonda, l’armonioso rapporto fra fondo e figura, dove spesso il primo è ciò che determina la fisionomia dell’intera composizione, è affine ma ben diverso da quello di un tempo perché “controcanto”, in controtendenza rispetto al “rumore” e al disturbo del nostro consumo comunicativo. Il teatro di posa di Gattinara “assomiglia” al tavolo di studio dove il pittore collocava i propri oggetti per poi riprodurli sulla tela, ma l’analogia è di breve durata perchè il piano o l’alzato dell’oggetto disposto non conosce ulteriori mediazioni per tradursi nell’opera se non quello dello scatto fotografico. Sempre e comunque il “qui e ora”, che è il sigillo dello strumento adottato perchè le opere di Gattinara sono prima di tutto fotografie: la scelta dell’artista di adottare tecniche di stampa che permettono la scelta di qualsivoglia supporto è un ulteriore omaggio alla strumentazione dell’oggi e l’esaltazione di uno strumento che invece ha una sua storia, sia pure recente, ma certamente consolidata nella nostra frequentazione dell’immagine."
Alberto Veca, Storico e critico d’Arte(per Mostra “Immagini del quotidiano”, Como)
"Nulla è lasciato al caso nelle opere di Gattinara e ogni singolo elemento è caratterizzato da un preciso valore simbolico e quindi indispensabile per l’insieme che diverrà racconto. Tutto è pulito, essenziale, moderno, per nulla carico e con un amore per il dettaglio che non diventa mai didascalico. Si ha l’impressione che la luce che emanano questi “quadri” sia sufficiente a farli muovere, quasi volessero produrre i suoni che le cucine emettono al passaggio delle vivande."
Giorgio Gregorio Grasso, critico e storico dell’arte
Una chiacchierata con Luigi Gattinara
Giulia Cassini: Lei è romano di nascita ed ha iniziato giovanissimo a fotografare object trouvé sul Lungotevere. Perché era così attratto dalla fotografia? Luigi Gattinara: La mia passione per la fotografia nasce durante gli anni del Liceo Artistico. L’immediatezza di fissare un’emozione su un ‘supporto’ quasi fosse un foglio da disegno o una tela mi affascinava; era come osservare la realtà attraverso occhi diversi Giulia Cassini: Come si rimane fedeli a se stessi artisticamente? Luigi Gattinara: Penso che ‘l’amore’ e la passione per il proprio lavoro siano tra i tanti modi per rimanere il più possibile fedeli a se stessi, sia nella quotidianità professionale -che per me è rappresentata dalla realizzazioni di immagini per l’advertising- sia in quello più personale in cui ritrovo il mio ‘percorso artistico’. Ma alla base di tutto ciò, in entrambi i casi, l’esigenza primaria è la raffigurazione di un pensiero personale e con esso l’emozione che ne scaturisce. Giulia Cassini: Lei è stato diversi anni a Caracas..Cosa rimane di questa esperienza di vita nella sua ricerca artistica: la poesia unica di questa terra, i parossismi delle diseguaglianze, l’esplosione dei colori? Luigi Gattinara: Lasciai il mio studio di Roma nel 1977 trasferendomi a Caracas, lì aprii il mio nuovo studio e vi rimasi per parecchi anni, otto per l’esattezza. In quel Paese dove la vita era totalmente diversa da quella frenetica di Roma, presi subito consapevolezza che aleggiasse nella vita di tutti i giorni, nei movimenti, nelle conversazioni, una forma differente di tempo, quasi fosse dilatato, esteso, ed è stato proprio in questo non rincorrerlo che ho trovato lo spazio per cominciare il percorso sulle mie ‘nature morte’. Quella terra, con le sue luci e i suoi colori, violenti e morbidi al tempo stesso, possedeva una sorta di magica alchimia: i suoi incredibili spazi riuscivano a penetrare l’anima e mi permettevano di vestire le mie emozioni in un abbraccio nuovo e sicuramente insolito. Riuscivo a fotografare senza usare la macchina fotografica, perché le sensazioni erano tali e talmente intense che le migliaia di fotografie virtuali diventarono un incredibile archivio mnemonico impresso nella memoria e ancora oggi nei miei ricordi. Giulia Cassini: Le sue foto famosissime di moda e di still-life quale denominatore hanno in comune? Luigi Gattinara: Penso che sia sempre la luce l’elemento fondamentale che dà forza all’immagine, in grado di creare il pathos necessario a chi la guarda.
Giulia Cassini
Luigi Castelli Gattinara di Zubiena, era nato a Roma il 13/01/1952 e la macchina fotografica gli consentiva di dipingere con la luce da oltre quarant’anni.
Sin da ragazzo, studente del liceo artistico, ha passato i momenti liberi, fotografando orologi ed oggetti di casa, collocandoli lungo le passeggiate del Lungotevere. Le persone non lo interessano: “Hanno una vita, una storia e mi sembra quasi indiscreto fissarle con l’obiettivo. Le cose invece sono interlocutori muti e non condizionano”.
Iniziò così il viaggio che diventa passione e professione, arte e mestiere.
Assieme agli scatti “quotidiani” per l’Advertising (ha collaborato con le più prestigiose Agenzie Pubblicitarie Internazionali) coltivando e custodendo da sempre la passione per i pittori fiamminghi del diciassettesimo secolo, inondando di luce i soggetti delle sue opere e conferendogli una inusuale plasticità tridimensionale.
“Scatti su tela”, qualcuno ha argutamente definito le sue opere.
Negli anni 2000 scopre la passione per i ritratti e cerca di creare una fusione tra le sue luci e l'anima dei personaggi raffigurati che si fondono in un gioco di chiari e scuri come lo è l'anima umana.
Una nutrita serie di personali in Italia e all’estero, fra cui quelle prestigiose di Parigi, Berlino, Mentone, Tokyo, Singapore e New York, hanno confermato Luigi Gattinara come testimone di questo modo d’essere fotografo nell’arte. Dal 2017 è Presidente della Triennale della Fotografia Italiana di cui è fondatore.
MOSTRE
1989 Milano, Galleria Kriterion, Personale, “Still Light” 1991 Parigi, L’Antre De Roi Filene, Personale, “Still Light” 1992 Milano, Galleria Il Diaframma 1993 Milano, La Tecoteca, Personale, “La teiera del 2000” 1993 Bergamo, Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea, Accademia Carrara 1994 Como, Villa Carlotta, assieme allo scultore Alberto Zanrè, “Il Bestiario e il suo Ritratto” 1998 Milano, Istituto Europeo, “Il mestiere di Fotografo” 1998 Berlino, Personale, “Gattinara in Quarter 206” 2006 Como, Palazzo Natta, Personale, “Immagini dal quotidiano” 2006 New York, SoHo, Agora Gallery, “Visions in tune” 2011 Milano, Galleria Camera 16, “Kokoro, Mostra fotografica per il Giappone” 2012 Milano, Spazio Bossi Clerici, Personale, “Fine Heart - Luce Sensibile” 2014 Milano, Spazio Navigli, Personale “Pittografia, una mostra bitematica, bipartita” 2014 Milano, Enterprise Art Gallery, Enterprise Hotel, Personale, “Gattinara in mostra, Retrospettiva” 2015 Milano, Sisal Wincity Diaz, Personale, “Evolution, la sinuosa armonia delle mani” 2015 Trezzo sull’Adda (Mi), Centr. Idr. Taccani, “Milano Expo 2015, International Contemporary Art” 2015 Varedo (Monza e Brianza) - Villa Bagatti Valsecchi, “Expo 2015, Arte Italiana” 2015 Trezzo sull’Adda (Mi), Centr. Idr. Taccani, “Milano Expo 2015, Biennale della Fotografia, Anno 0” 2015 Monza, Villa Reale di Monza - Le cucine di Villa Reale, Personale, “Sapori in posa” 2015 Milano, Oliva Gustosa, Personale, “Tra-dire e Mangiare” 2016 Milano, MIA Photo Fair, presso lo stand MyTemplArt 2016 Mirano (Venezia), PaRDeS - Laboratorio d’Arte Contemporanea, “Squarci nelle tenebre” 2016 Venezia, Art Factory di Tobia Ravà, Dorsoduro, “Squarci nelle tenebre” 2016 Menton (Costa Azzurra - Francia), Galleria Charlotte Art, Personale, “Sapori in posa” 2017 Mirano (Venezia), PaRDeS - Laboratorio d’Arte Contemporanea, “Ritratti di donne” 2017 Cortina d’Ampezzo, Museo Mario Rimoldi, “Il Collezionista, innamorarsi del contemporaneo” 2017 Padova, Mediolanum Art Gallery 2017 Venezia, Art Factory di Tobia Ravà, Dorsoduro, “Ritratti di donne” 2017 Matera, Galleria “Il Comignolo”, Sasso Barisano, MaterArt 2017 Venezia, Palazzo Ca’ Zenobio, “Lo stato dell’Arte ai tempi della 57 Biennale di Venezia” 2017 Singapore, Art Science Museum, “SerpentiForm of Bulgari” 2017 Venezia, Palazzo Ca’ Zenobio, Prima Triennale della Fotografia Italiana 2017 Tokyo, Mori Art Center, “SerpentiForm of Bulgari” 2018 Piacenza, Castello di Fombio, “Angeli e Demoni” 2018 Milano, Spazio “I Vale”, Personale, “Anima Canis” 2019 Venezia, Spoleto Pavilion, “Premio Canaletto” 2019 Spoleto, Palazzo Leti Sansi, “Premio Modigliani - Spoleto Arte” 2019 Matera, Gallery SaxArt, Personale , “I Sassi di Matera incontrano le luci e ombre di Luigi Gattinara” 2019 Menton, Palace des Ambassadeurs, BACS- Biennale of Contemporary Sacred Art 2019 Milano, Hotel Excell Milano3, Personale, “Anima Canis 2” 2020 Milano, Milano Art Gallery, Personale, “Una vita in posa”
Milano Art Gallery è uno spazio culturale polivalente, creato da Salvo Nugnes, che conta ha cinque sedi: la principale a Milano e poi a Venezia, Spoleto, Bassano del Grappa e Siena. Un luogo d’incontro e di confronto che intende aprirsi ai molteplici stimoli offerti dalla Cultura, un’accogliente pinacoteca multifunzionale nella quale è concessa a tutte le Arti la possibilità di mostrarsi, di esprimersi e di dialogare con il pubblico. Alle Mostre d’Arte s’alternano incontri e conferenze di artisti e intellettuali di ogni disciplina: dalla filosofia alla medicina, dalla letteratura alla fisica e dal teatro al cinema.
Luigi Gattinara e il suo fidato stampatore Bruno Melada.
Luigi Gattinara: Una vita in posa
Dal 26/01 al 13 /02/2020 Inaugurazione: domenica 26 gennaio, alle ore 18.00 Orari: 14.30 - 19.00, domenica chiuso Ingresso: libero Informazioni: T. 0424 5252190 - info@milanoartgallery.it - www.milanoartgallery.it - Luigi Gattinara, via Biondelli 9, 20141 Milano, Italy - T. +39 02 89505330 - M. +39 3485240730 - fotografia@gattinaraluigi.eu - www.facebook.com/SpazioGattinara/ - Instagram: luigi_gattinara
Milano Art Gallery Via Andrea Maria Ampére, 102
20131 - Milano
Ancora un grande amico che ci lascia. Luigi era sempre disponibile, attento e generoso. Una spinta sempre verso la positività, anche quando le cose di cui gli parlavi non andavano per il verso giusto.
Un grande pittore della luce. Raffinato ed elegante. Una persona di cultura con cui era sempre piacevole parlare e individuare nuovi orizzonti.
Ma con lui era bello anche scherzare, oltre a parlare di mostre e d'arte.
Con lui e la sua inseparabile moglie Daniela, che amava immensamente, ci si trovava sempre in piacevole armonia. Amante della vita e della bellezza e anche, più frivolmente, della buona e raffinata cucina e del suo immancabile sigaro toscano.
Aperto verso i giovani e anche per questo era nata la Triennale di Fotografia Italiana, che ha dato voce a fotografi di tutto il paese, dando loro la possibilità di essere conosciuti ed apprezzati senza le maglie di un mondo espositivo spesso raggelato e raggelante.
Ci eravamo sentiti lungamente l'altro giorno e oltre alle nostre cose avevamo parlato della personale/antologica che si sarebbe inaugurata domenica prossima. Era tutto pronto...
Ora la luce è tutta per te.
Luigi Castelli Gattinara di Zubiena, era nato a Roma il 13/01/1952 e la macchina fotografica gli consentiva di dipingere con la luce da oltre quarant’anni.
Sin da ragazzo, studente del liceo artistico, ha passato i momenti liberi, fotografando orologi ed oggetti di casa, collocandoli lungo le passeggiate del Lungotevere. Le persone non lo interessano: “Hanno una vita, una storia e mi sembra quasi indiscreto fissarle con l’obiettivo. Le cose invece sono interlocutori muti e non condizionano”.
Iniziò così il viaggio che diventa passione e professione, arte e mestiere.
Assieme agli scatti “quotidiani” per l’Advertising (ha collaborato con le più prestigiose Agenzie Pubblicitarie Internazionali) coltivando e custodendo da sempre la passione per i pittori fiamminghi del diciassettesimo secolo, inondando di luce i soggetti delle sue opere e conferendogli una inusuale plasticità tridimensionale.
“Scatti su tela”, qualcuno ha argutamente definito le sue opere.
Negli anni 2000 scopre la passione per i ritratti e cerca di creare una fusione tra le sue luci e l'anima dei personaggi raffigurati che si fondono in un gioco di chiari e scuri come lo è l'anima umana.
Una nutrita serie di personali in Italia e all’estero, fra cui quelle prestigiose di Parigi, Berlino, Mentone, Tokyo, Singapore e New York, hanno confermato Luigi Gattinara come testimone di questo modo d’essere fotografo nell’arte. Dal 2017 è Presidente della Triennale della Fotografia Italiana di cui è fondatore.
“La lettura delle straordinarie Nature morte di Luigi Gattinara può utilmente incominciare da quella che appare spunto e insieme simbolo di tutta l’operazione: la parafrasi della Caravagensis fiscella cui egli ha apposto il titolo-chiave “Per gioco”. Il gioco è duplice: è il divertimento suo, creativo, di ricomporre un canestro di frutta il più possibile vicino a quello raffigurato dal Caravaggio, quindi di fotografarlo da un punto di vista e con un taglio di luce che riproducano al massimo le condizioni in cui operò il pittore; ed è il divertimento di sottoporre la fotografia al nostro sguardo e lasciarci per un momento (anche un lungo momento) spiazzati, nell’incertezza su “che cosa” Gattinara abbia fotografato (quel quadro? un quadro? dal vero?). La seconda parte del gioco è, ovviamente, la meno importante; l’operazione non vuole essere un tranello ne un trompe l’oeil, se non nel senso nobile assunto con il tempo dell’espressione. Gioco non significa scherzo: è anzi, e qui a pieno titolo, termine collaudato da una lunga consuetudine teorica per indicare l’aspetto libero e liberatorio dell’attività artistica, la sua qualità gratificante. Così il gioco di Gattinara si è esteso ad altre nature morte, iconograficamente e stilisticamente inseribili nella vasta produzione di genere tra il Sei e il Settecento. Ma egli non rifà specifici modelli, bensì lavora “à la manière de”, senza peritarsi in qualche caso di lasciare evidenti materiali ed oggetti che tradiscono l’attualità delle composizioni. Lavora in una prima fase come un trovarobe, poi come uno scenografo ed infine ritrae quello che ha organizzato, seguendo in tutte le fasi di lavoro una sua inclinazione di gusto, che specialmente restituisce atmosfere alla Zurbaràn (La zucca, Il cavalletto), talvolta indugia su un descrittivismo più minuto e meno astratto, come delle scuole fiammingo-olandesi, ripropone una sontuosità alla Strozzi (Natura morta con piume) e arriva anche a imitare certe composizioni dell’Ottocento, da romanticismo inglese (Libro con ape, I fiori), più sensuali, a loro volta rivisitazioni dello “still life” seicentesco, o a sedurci del tutto, e inquietarci, con l’esibizione inedita di biscotti che paiono fossili non perché d’apparenza stantia, ma al contrario mineralizzati dal silenzio nella loro impeccabilità (vita silenziosa, appunto, o silenziosa luce). E infine, con un’altra impennata, inventa una metafisica contrapposizione in grigio fra la palpabilità della stoffa spiegazzata e la lucente intangibile forbitezza del vetro (I vetri). La campionatura è ampia, ma tutt’altro che eterogenea, legata a una ben chiara volontà stilistica. L’idea dello stile parte, ancora, dalla suggestione caravaggesca che costituisce primo avvio dell’operazione; quel Caravaggio che, mentre dichiarava essere compito prima dell’artista il “dipingere bene le cose naturali”, operava poi in condizione di totale artificio, predisponendo in accurate combinazioni i soggetti da rappresentare, collocandoli su sfondi bene studiati, tagliando su di essi la luce opportunamente condotta. L’artificio garantiva la sublimazione totale di soggetti, li consegnava a un significato “altro”. Gattinara usa qui la fotografia come il mezzo che più ci consente la smaterializzazione delle presenze raffigurate: divenute a maggior ragione astratta bellezza attraverso un procedimento dove l’aspetto materico non è che una pellicola, o velo, o foglio. Siamo in una situazione opposta a quella che ha caratterizzato la formula iperrealista. epigono del pop-art: quando la pittura, mimando l’immagine fotografica, e quella al massimo standardizzata, dichiarava per ciò stesso l’impossibilità ormai intervenuta di un approccio reale con le cose. Siamo anche, ovviamente, fuori degli aspetti materici della pittura, del suo corpo a corpo con il colore, con cui Gattinara non intende gareggiare. Unendo una vibrante sensibilità visiva a una ricca e puntigliosa cultura storica, il gusto rievocativo a un estetismo di assoluta godibilità, Gattinara propone immagini allo stato puro: la bellezza del vedere, la bellezza che assumono le cose nell’essere viste. Non sono oggetti reali rappresentati, sono oggetti divenuti immagine (puro spirito, stavo per dire)."
Rossana Bossaglia, storico e critico d’Arte
Un artista che dipinge con una macchina fotografica "Luigi Gattinara ha fatto della “natura morta” una forma d’arte riscoprendola attraverso la lente di una macchina fotografica. La sua abilità fotografica ricrea come per incanto la sospesa e sognante atmosfera che, troviamo nella “nature morte” dei grandi maestri (dal Medioevo ai pittori olandesi del 17 ° secolo, Caravaggio e così via). Guardando gli oggetti inanimati delle sue composizioni, l’intero spettro del genere, provoca un effetto di curvatura spazio/tempo che sposta idealmente l’osservatore in un’altra dimensione e, apparentemente, congela il tempo rendendo le sue opere contemporanee. Il realismo ottico subisce una trasformazione sottile, modificato dalla luce e dalle sfumature di colore che, diventano una fonte di fascino rendendo difficile il distinguere l’immagine fotografica da quella pittorica. Gattinara gioca sulla nettezza dei contrasti chiaroscurali e con una forzata selezione di quelli cromatici. Sullo spaesamento delle dimensioni dell’oggetto: con l’intervento di una limitata, a volte solo accennata, presenza di arredo interpreta e significa l’oggetto che ha sotto osservazione. Proprio quello dello sguardo che attraverso l’obiettivo esplora l’ingombro dell’oggetto, ne trova quindi un orientamento sul piano, sceglie un punto di vista ed una grandezza relativa all’inquadratura scelta, alla ricerca di fisionomie nascoste, particolari che una affrettata lettura non può che escludere. Viene spontaneo, una volta osservato il “ritratto” fotografico, cercarne l’originale ed operare un confronto, cogliere quanto è intervenuto nel passaggio dalla esperienza diretta del volume alla sua conoscenza mediata dallo strumento fotografico, ma credo che la cosa più interessante sia quella non tanto di un raffronto diretto quanto invece di giocare con l’immagine che la memoria ha conservato."
Alberto Veca, Storico e critico d’Arte
Immagini del quotidiano "Nel lavoro di Luigi Gattinara vi è un sapiente esercizio fra “memoria dell’antico” e sensibilità per l’attuale, un equilibrio difficile perché è comune cadere, in esercitazioni che si riferiscono a un immaginario passato - nella fattispecie quello seicentesco della natura morta europea - nella citazione puntuale, anacronistica, fra omaggio e nostalgia di un mondo in cui le cose, animate o inanimate, artificiali o naturali, erano “amiche”. Nell’occasione “antico” e “nuovo” coesistono felicemente. Il debito rispetto a quel mondo, dove all’oggetto rappresentato venivano attribuiti, traslati, quei sensi dell’uomo che si andavano indagando anche a livello scientifico, è evidente e volutamente: la ridotta “galleria” può citare “luoghi canonici” del genere pittorico, come “angoli di cucina” o “angoli di studio” romani, spagnoli o dei Paesi bassi, ciascuno può leggere il singolo esito con gli occhi della mente alla ricerca di prototipi o di soluzioni plastiche e luministiche analoghe. È un esercizio interessante ma non definitivo perché l’occhio di oggi scopre nel soggetto comune, figure, quindi sensazioni e suggestioni altrimenti non considerate per più appariscenti presenze e ingombri. A volte è sufficiente un frammento del tutto perchè la mente possa completare l’immagine data e poi trovare una collocazione, ieri facile e oggi difficile per la dissonanza con ciò che circonda. Voglio dire che il “silenzio” della natura morta di oggi è in qualche modo “strappato” alla confusione che ci circonda, l’armonioso rapporto fra fondo e figura, dove spesso il primo è ciò che determina la fisionomia dell’intera composizione, è affine ma ben diverso da quello di un tempo perché “controcanto”, in controtendenza rispetto al “rumore” e al disturbo del nostro consumo comunicativo. Il teatro di posa di Gattinara “assomiglia” al tavolo di studio dove il pittore collocava i propri oggetti per poi riprodurli sulla tela, ma l’analogia è di breve durata perchè il piano o l’alzato dell’oggetto disposto non conosce ulteriori mediazioni per tradursi nell’opera se non quello dello scatto fotografico. Sempre e comunque il “qui e ora”, che è il sigillo dello strumento adottato perchè le opere di Gattinara sono prima di tutto fotografie: la scelta dell’artista di adottare tecniche di stampa che permettono la scelta di qualsivoglia supporto è un ulteriore omaggio alla strumentazione dell’oggi e l’esaltazione di uno strumento che invece ha una sua storia, sia pure recente, ma certamente consolidata nella nostra frequentazione dell’immagine."
Alberto Veca, Storico e critico d’Arte(per Mostra “Immagini del quotidiano”, Como)
"Implicita nelle vibranti nature morte fotografiche di Luigi Gattinara è un’ anacronistica tensione tra soggetto e mezzo. Influenzato dal Diciassettesimo secolo, la pittura olandese e i grandi maestri come Caravaggio, le immagini di Gattinara raggiungono una qualità quasi pittorica attraverso la luce ele variazioni di colore. Il risultato è ciò che l'artista cita come "Effetto Tempo Modificato", in cui la natura morta come studio formale è "riscoperta attraverso la lente di una macchina fotografica.”
Istituto Italiano di Cultura di New York
"Nulla è lasciato al caso nelle opere di Gattinara e ogni singolo elemento è caratterizzato da un preciso valore simbolico e quindi indispensabile per l’insieme che diverrà racconto. Tutto è pulito, essenziale, moderno, per nulla carico e con un amore per il dettaglio che non diventa mai didascalico. Si ha l’impressione che la luce che emanano questi “quadri” sia sufficiente a farli muovere, quasi volessero produrre i suoni che le cucine emettono al passaggio delle vivande."
Giorgio Gregorio Grasso, critico e storico dell’arte
... Gattinara, attraverso il suo obiettivo di fotografo esperto ed affermato, riesce a daredegli oggetti un’immagine eterea e quasi surreale, proponendo una “lettura” della realtàche spesso sfugge all’occhio umano ma che rimane impressa nella pellicola. Quotidiano La Provincia, Como
... Luigi Gattinara: l’arte di plasmare la luce, in un gioco con lo scultore Zanrè imprigiona le sue creature con un sortilegio dli luce. Quotidiano La Repubblica
... Sono nature morte che si ispirano alla pittura del passato, che non sono però realizzate“alla maniera di...”. Manca in esse, naturalmente, la presenza umana.Se tali composizioni riflettono famose e antiche strutture, l’autore è comunque in grado di ridare forma nuova e ritmi inediti al tutto, atraverso uno stile che si definisce pulito, essenziale, moderno, con un amore per il dettaglio e una magia nella luce che descrive anche le ombre. Quotidiano Corriere della Sera
... Gattinara dapprima raccoglie gli elementi che compongono le nature morte, li ordinascenograficamente attenendosi in modo rigoroso ai modelli pittorici prescelti, infine usa il mezzo fotografico con il quale consegue un effetto di smaterializzazione dei soggetti proponendo immagini “pure“, in cui la luce è assoluta protagonista. Gattinara è nel tempo andato oltre l’originaria fonte di ispirazione pittorica, per creare suecomposizioni secondo un orientamento sicuro, ricco di gusto rievocativo di grande effetto visivo. Una fotografia “colta”, da cavalletto potremmo dire per mutuare il linguaggio della pittura,dove imitazione e rilettura sono disciplinate dal rigorso controllo dello strumento espressivo... Quotidiano Il Giorno
... È difficile dire se le immagini attualissime di Gattinara così sgargianti siano freddamenterealistiche o non piuttosto fantasie sognate e sognanti, realizzate con allucinante certezza. Molto probabilmente sono evasioni da un lavoro professionale appassionante ma di routine, e in essesi incarnano un’aspirazione e un’ispirazione più dichiaratamente artistiche. Mensile “Arte”
... Per gioco Gattinara ricompone le opere dei grandi pittori del seicento e del settecento, arrivando ad imitare anche composizione dell’Ottocento, romanticismo inglese. Ma soprattuttoè incantato dal Seicento fiammingo perchè poco carico, essenziale, pulito e con una magiadi luce unica. Nuova Cucina
..... Una convergenza di gusto quella tra le sue scelte e la tendenza attuale della critica d’arte,che orienta l’attenzione su un genere vivo nel ‘500 e ‘600 e poi piuttosto trascurato. Nelleimmagini esposte qualche sospetto di ricerca estetizzante ma anche profondi silenzi, solitudine,malinconia e fasto. E soprattutto la magia della luce che trasforma gli oggetti in immagini interiori. Uomo, Harper’s Bazaar
MOSTRE
1989 Milano, Galleria Kriterion, Personale, “Still Light” 1991 Parigi, L’Antre De Roi Filene, Personale, “Still Light” 1992 Milano, Galleria Il Diaframma 1993 Milano, La Tecoteca, Personale, “La teiera del 2000” 1993 Bergamo, Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea, Accademia Carrara 1994 Como, Villa Carlotta, assieme allo scultore Alberto Zanrè, “Il Bestiario e il suo Ritratto” 1998 Milano, Istituto Europeo, “Il mestiere di Fotografo” 1998 Berlino, Personale, “Gattinara in Quarter 206” 2006 Como, Palazzo Natta, Personale, “Immagini dal quotidiano” 2006 New York, SoHo, Agora Gallery, “Visions in tune” 2011 Milano, Galleria Camera 16, “Kokoro, Mostra fotografica per il Giappone” 2012 Milano, Spazio Bossi Clerici, Personale, “Fine Heart - Luce Sensibile” 2014 Milano, Spazio Navigli, Personale “Pittografia, una mostra bitematica, bipartita” 2014 Milano, Enterprise Art Gallery, Enterprise Hotel, Personale, “Gattinara in mostra, Retrospettiva” 2015 Milano, Sisal Wincity Diaz, Personale, “Evolution, la sinuosa armonia delle mani” 2015 Trezzo sull’Adda (Mi), Centr. Idr. Taccani, “Milano Expo 2015, International Contemporary Art” 2015 Varedo (Monza e Brianza) - Villa Bagatti Valsecchi, “Expo 2015, Arte Italiana” 2015 Trezzo sull’Adda (Mi), Centr. Idr. Taccani, “Milano Expo 2015, Biennale della Fotografia, Anno 0” 2015 Monza, Villa Reale di Monza - Le cucine di Villa Reale, Personale, “Sapori in posa” 2015 Milano, Oliva Gustosa, Personale, “Tra-dire e Mangiare” 2016 Milano, MIA Photo Fair, presso lo stand MyTemplArt 2016 Mirano (Venezia), PaRDeS - Laboratorio d’Arte Contemporanea, “Squarci nelle tenebre” 2016 Venezia, Art Factory di Tobia Ravà, Dorsoduro, “Squarci nelle tenebre” 2016 Menton (Costa Azzurra - Francia), Galleria Charlotte Art, Personale, “Sapori in posa” 2017 Mirano (Venezia), PaRDeS - Laboratorio d’Arte Contemporanea, “Ritratti di donne” 2017 Cortina d’Ampezzo, Museo Mario Rimoldi, “Il Collezionista, innamorarsi del contemporaneo” 2017 Padova, Mediolanum Art Gallery 2017 Venezia, Art Factory di Tobia Ravà, Dorsoduro, “Ritratti di donne” 2017 Matera, Galleria “Il Comignolo”, Sasso Barisano, MaterArt 2017 Venezia, Palazzo Ca’ Zenobio, “Lo stato dell’Arte ai tempi della 57 Biennale di Venezia” 2017 Singapore, Art Science Museum, “SerpentiForm of Bulgari” 2017 Venezia, Palazzo Ca’ Zenobio, Prima Triennale della Fotografia Italiana 2017 Tokyo, Mori Art Center, “SerpentiForm of Bulgari” 2018 Piacenza, Castello di Fombio, “Angeli e Demoni” 2018 Milano, Spazio “I Vale”, Personale, “Anima Canis” 2019 Venezia, Spoleto Pavilion, “Premio Canaletto” 2019 Spoleto, Palazzo Leti Sansi, “Premio Modigliani - Spoleto Arte” 2019 Matera, Gallery SaxArt, Personale , “I Sassi di Matera incontrano le luci e ombre di Luigi Gattinara” 2019 Menton, Palace des Ambassadeurs, BACS- Biennale of Contemporary Sacred Art 2019 Milano, Hotel Excell Milano3, Personale, “Anima Canis 2” 2020 Milano, Milano Art Gallery, Personale, “Una vita in posa”
Una chiacchierata con Luigi Gattinara
Giulia Cassini:Lei è romano di nascita ed ha iniziato giovanissimo a fotografare object trouvé sul Lungotevere. Perché era così attratto dalla fotografia? Luigi Gattinara: “La mia passione per la fotografia nasce durante gli anni del Liceo Artistico. L’immediatezza di fissare un’emozione su un ‘supporto’ quasi fosse un foglio da disegno o una tela mi affascinava; era come osservare la realtà attraverso occhi diversi” Giulia Cassini: Come si rimane fedeli a se stessi artisticamente? Luigi Gattinara: “Penso che ‘l’amore’ e la passione per il proprio lavoro siano tra i tanti modi per rimanere il più possibile fedeli a se stessi, sia nella quotidianità professionale -che per me è rappresentata dalla realizzazioni di immagini per l’advertising- sia in quello più personale in cui ritrovo il mio ‘percorso artistico’. Ma alla base di tutto ciò, in entrambi i casi, l’esigenza primaria è la raffigurazione di un pensiero personale e con esso l’emozione che ne scaturisce”. Giulia Cassini: Lei è stato diversi anni a Caracas..Cosa rimane di questa esperienza di vita nella sua ricerca artistica: la poesia unica di questa terra, i parossismi delle diseguaglianze, l’esplosione dei colori? Luigi Gattinara: “Lasciai il mio studio di Roma nel 1977 trasferendomi a Caracas, lì aprii il mio nuovo studio e vi rimasi per parecchi anni, otto per l’esattezza. In quel Paese dove la vita era totalmente diversa da quella frenetica di Roma, presi subito consapevolezza che aleggiasse nella vita di tutti i giorni, nei movimenti, nelle conversazioni, una forma differente di tempo, quasi fosse dilatato, esteso, ed è stato proprio in questo non rincorrerlo che ho trovato lo spazio per cominciare il percorso sulle mie ‘nature morte’. Quella terra, con le sue luci e i suoi colori, violenti e morbidi al tempo stesso, possedeva una sorta di magica alchimia: i suoi incredibili spazi riuscivano a penetrare l’anima e mi permettevano di vestire le mie emozioni in un abbraccio nuovo e sicuramente insolito. Riuscivo a fotografare senza usare la macchina fotografica, perché le sensazioni erano tali e talmente intense che le migliaia di fotografie virtuali diventarono un incredibile archivio mnemonico impresso nella memoria e ancora oggi nei miei ricordi”. Giulia Cassini: Le sue foto famosissime di moda e di still-life quale denominatore hanno in comune? Luigi Gattinara: “Penso che sia sempre la luce l’elemento fondamentale che dà forza all’immagine, in grado di creare il pathos necessario a chi la guarda”.
Giulia Cassini
Luigi Gattinara e il suo fidato stampatore Bruno Melada
Nessuno muore sulla terra finchè vive nel cuore degli amici. Ciao Luigi. Cita, Nena, Claudia e Sandra Finzi
“Sono imprigionata nel ruolo di fotografa che ha fotografato la guerra civile nella sua terra. La fotografia l'ho vissuta come documento, come interpretazione e come altro ancora [...]. L'ho vissuta come salvezza e come verità. La fotografia non cambia il mondo, né la mia fotografia, né quella di altri, ma, come un buon libro, può essere una fiammella. Non ho un messaggio, ma una necessità. Non penso al messaggio, quello arriva, forse, dopo. Si tratta di costruire un mondo diverso, di sperare disperatamente. Le parole servono, i libri servono, i film servono. Tutto serve. Anche la fotografia può servire e io ho questo piccolo mezzo.... Mi prendo il mondo ovunque sia.”
Dal 5 dicembre 2019 al 19 gennaio 2020, negli spazi espositivi di Palazzo Reale a Milano, è aperta al pubblico la grande mostra “Letizia Battaglia.Storie di strada”, una grande retrospettiva con oltre 300 fotografie che riscostruiscono per tappe e temi la straordinaria vita professionale di una grandissima fotografa.
Un ritorno a Milano che “nel 1971 mi ha accolta e dato le opportunità per decidere della mia vita. Avevo 36 anni e qui, non a Palermo, ho cominciato a essere una fotografa”.
Promossa da Comune di Milano|Cultura, Palazzo Reale e Civita Mostre e Musei, la mostra anticipa con la sua apertura il palinsesto “I talenti delle donne”, promosso e coordinato dall’Assessorato alla Cultura, che durante tutto il 2020 proporrà iniziative multidisciplinari - dalle arti visive alle varie forme di spettacolo dal vivo, dalle lettere ai media, dalla moda alle scienze - dedicate alle donne protagoniste nella cultura e nel pensiero creativo.
Filippo Del Corno: “Letizia Battaglia è una protagonista della nostra storia, perché racconta con coraggio personale e talento espressivo tutta la vita che passa davanti al suo obiettivo, mettendoci di fronte al ritratto di ciò che non conosciamo o a volte, semplicemente, non vogliamo vedere. Un percorso che, come dichiara lei stessa, ha potuto sviluppare quando è arrivata a Milano all’inizio degli anni Settanta, dove ha trovato quelle condizioni di libertà creativa che le hanno permesso di trasformare in linguaggio fotografico la sua vocazione alla verità, alla critica sociale, alla denuncia costruttiva”.
La prima grande retrospettiva, grande e coinvolgente, con oltre 300 fotografie, molte delle quali inedite, “Storie di strada” attraversa l’intera vita professionale della splendida fotografa siciliana, instancabile nei suoi 84 anni, e si sviluppa lungo un articolato percorso narrativo costruito su diversi capitoli e tematiche.
I ritratti di donne, di uomini o di animali, o di bimbi, sono solo alcuni capitoli che compongono la rassegna; a questi si aggiungono quelli sulle città come Palermo, e quindi sulla politica, sulla vita, sulla morte e sull'amore, e due filmati che approfondiscono la sua vicenda umana e artistica.
Il percorso espositivo si focalizza sugli argomenti che hanno costruito la cifra espressiva più caratteristica dell’artista, che l’ha portata a fare una profonda e continua critica sociale, evitando i luoghi comuni e mettendo in discussione i presupposti visivi della cultura contemporanea. Quello che ne risulta è un vero ritratto, quello di un’intellettuale controcorrente, ma anche una fotografa poetica e politica, una donna che si interessa di ciò che la circonda e di quello che, lontano da lei, la incuriosisce.
Come ha avuto modo di ricordare lei stessa: “La fotografia l'ho vissuta come documento, come interpretazione e come altro ancora [...]. L'ho vissuta come salvezza e come verità. Io sono una persona non sono una fotografa. Sono una persona che fotografa.”
Francesca Alfano Miglietti curatrice della mostra: “Quelle che il progetto della mostra si propone di esporredel percorso di Letizia Battaglia, sono ‘forme d’attenzione’: qualcosa che viene prima ancora delle sue fotografie, perché Letizia Battaglia si è interrogata su tutto ciò che cadeva sotto al suo sguardo, fosse un omicidio o un bambino, uno scorcio o un raduno, una persona oppure un cielo. Guardare è stata la sua attività principale, che si è ‘materializzata’ in straordinarie immagini”.
Accompagna la mostra un bel catalogo della Marsilio Editori, con testi di Francesca Alfano Miglietti, Leoluca Orlando, Maria Chiara Di Trapani, Filippo La Mantia, Paolo Ventura.
Letizia Battaglia (Palermo, 1935) è riconosciuta a livello internazionale come una delle figure più importanti della fotografia contemporanea, non solo per i suoi scatti saldamente presenti nell’immaginario collettivo ma anche per il valore civile ed etico da lei attribuito al fare fotografia. Le sue immagini raccontano con passione militante i sanguinosi anni delle guerre di mafia siciliana: in un bianco e nero denso di contrasti, il suo archivio si compone di foto struggenti nella perfezione della loro composizione, immagini lontane da quel clamore che spesso fa parte della cronaca, silenziose e solenni al tempo stesso. Letizia Battaglia ha raccontato da insider tutta Palermo, per non parlare del contributo dato al teatro, all’editoria e alla promozione della fotografia come disciplina.
Assessore dei Verdi con la giunta di Leoluca Orlando negli anni della Primavera Siciliana, deputata all'Assemblea Regionale Siciliana, editore delle Edizioni della Battaglia, cofondatrice del centro di documentazione “Giuseppe Impastato”.
È la prima donna europea ad avere ricevuto il Premio Eugene Smith per la fotografia sociale a New York (1985) e The Mother Johnson Achievement for Life a San Francisco (1999). Nel maggio 2009 a New York viene premiata con il “Cornell Capa Infinity Award”. The New York Times la nomina (unica italiana) tra le 11 donne più rappresentative del 2017. E nel 2017 realizza il suo sogno inaugurando il Centro Internazionale di Fotografia, presso i Cantieri Culturali alla Zisa di Palermo, dove dirige e cura la selezione di mostre e incontri dedicati alla fotografia storica e contemporanea.
È regista, ambientalista, editore delle Edizioni della Battaglia, Fondatrice nel 1991 della rivista "Mezzocielo", bimestrale realizzato da sole donne. Nella lista delle mille donne segnalate per il Nobel per la Pace, è nominata dal “Peace Women Across the Globe”.
"C’è sempre un rapporto emotivo con la realtà che si osserva; spesso sbaglio esposizione, inquadratura: vado avanti lo stesso fino all’immagine giusta, giusta per me; non fotografo quasi mai gli uomini (non mi vengono bene); fotografo le donne, questo sì, anche perché in loro ritrovo me stessa; in ogni caso, in genere fotografo persone; mi avvicino molto con l’obiettivo, uso il grandangolo; detesto fotografare pensando alla rivista che mi pubblicherà le immagini (la copertina, quante pagine…); ho molto rispetto per i fotografi americani, e per le grandi fotografe (Tina Modotti, per esempio); il mio mestiere è quello di documentare; poi, se ci scappa anche la bella foto… i morti di mafia? L’odore del sangue non mi ha più abbandonato."
Nel corso della sua vita Letizia Battaglia ha raccontato anche i volti dei poveri e le rivolte delle piazze, tenendo sempre la città come spazio privilegiato per l’osservazione della realtà, oltre che del suo paesaggio urbano. ‘Tratta’ il suo lavoro come un manifesto, esponendo le sue convinzioni in maniera diretta, vera, poetica e colta, rivoluzionando così il ruolo della fotografia di cronaca. Impara la tecnica direttamente ‘in strada’, e le sue immagini si distinguono da subito per il tentativo di catturare una potente emozione e quasi sempre un sentimento di ‘pietas’.
I soggetti di Letizia, scelti non affatto casualmente, hanno tracciato un percorso finalizzato a rafforzare le proprie ideologie e convinzioni in merito alla società, all’impegno politico, alle realtà emarginate, alla violenza provocata dalle guerre di potere, all’emancipazione della donna.
Molti sono i documentari che hanno indagato la sua figura di donna e di artista, il più recente dei quali è stato presentato all’edizione 2019 del Sundance Film Festival.
I ritratti di donne, di uomini o di animali, o di bimbi, sono solo alcuni capitoli che compongono la rassegna; a questi si aggiungono quelli sulle città come Palermo, e quindi sulla politica, sulla vita, sulla morte, sull'amore e due filmati che approfondiscono la sua vicenda umana e artistica.
Quello che ne risulta è il vero ritratto di Letizia Battaglia, una intellettuale controcorrente, ma anche una fotografa poetica e politica, una donna che si è interessata di ciò che la circondava e di quello che, lontano da lei, la incuriosiva.
Il film Shooting The mafia, per la regia di Kim Longinotto, racconta Letizia Battaglia giornalista e artista, che con la sua macchina fotografica e la propria movimentata vita è testimone in prima persona di un periodo storico fondamentale per la Sicilia e per l’Italia tutta, quello culminato con le barbare uccisioni di Giovanni Falcone e Paolo Borsellino.
A 27 anni conobbe casualmente il poeta Ezra Pound, questa veloce conoscenza l’avvicinò alla sua poesia che divenne grande fonte di ispirazione per tutta la sua vita: “Strappa da te la vanità, ti dico strappala!”
Inizia la sua carriera nel 1969 collaborando con il giornale palermitano L'Ora. Letizia si trova ad essere l’unica donna tra colleghi maschi. Nel 1970 si trasferisce a Milano dove incomincia a fotografare collaborando con varie testate. Nel 1974 ritorna a Palermo e crea, con Franco Zecchin, l'agenzia "Informazione fotografica", frequentata da Josef Koudelka e Ferdinando Scianna. Nel 1974 si trova a documentare l'inizio degli anni di piombo della sua città, scattando foto dei delitti di mafia per informare l'opinione pubblica e scuotere le coscienze. Comprende di trovarsi nel mezzo di una guerra civile. Il suo archivio racconta l’egemonia del clan dei Corleonesi. Sono suoi gli scatti all'hotel Zagarella che ritraggono gli esattori mafiosi Salvo insieme a Giulio Andreotti e che furono acquisiti agli atti per il processo.
Il 6 gennaio 1980 è la prima fotoreporter a giungere sul luogo in cui viene assassinato Piersanti Mattarella.
Palermo, 1980. Viale della Libertà, giorno dell’ Epifania, ore 13.00. Il Presidente della Regione Siciliana, Piersanti Mattarella, democristiano, è stato appena colpito a morte da killer mafiosi, davanti alla moglie e alla figlia
Nello stesso anno un suo scatto della “Bambina con il pallone“ nel quartiere palermitano della Cala fa il giro del mondo.
Palermo.1980. Quartiere La Cala - La bambina con il pallone
Diviene una fotografa di fama internazionale, ma non è solo "la fotografa della mafia". Le sue foto, spesso in un vivido e nitido bianco e nero, si prefiggono di raccontare soprattutto Palermo nella sua miseria e nel suo splendore, i suoi morti di mafia ma anche le sue tradizioni, gli sguardi dei bambini e delle donne (predilige i soggetti femminili), i quartieri, le strade, le feste e i lutti, la vita quotidiana e i volti del potere di una città dalle mille contraddizioni. Durante la mostra della fotografa nella piazza di Palermo, dove mette in mostra i suoi scatti sui padroni della Sicilia, nessuno osa avvicinarsi.
Negli anni '80 crea il "laboratorio d'If", dove si formano fotografi e fotoreporter palermitani. Tra essi: la figlia Shobha, Mike Palazzotto e Salvo Fundarotto.
Ha esposto in Italia, nei Paesi dell'Est Europa, Francia (Centre Pompidou, Parigi), Gran Bretagna, America, Brasile, Svizzera, Canada.
Il suo impegno sociale e la sua passione per gli ideali di libertà e giustizia sono descritti nella monografia delle edizioni Motta Passione, giustizia e libertà (lo stesso titolo di una sua mostra).
Dopo l’assassinio del giudice Falcone, il 23 maggio 1992, Letizia Battaglia si allontana dal mondo della fotografia, ormai stanca di avere a che fare con la violenza.
Dal 2000 al 2003 dirige la rivista bimestrale realizzata da donne Mezzocielo, nata da una sua idea nel 1991.
Nonostante le sue radici siciliane, Letizia Battaglia si trasferisce nel 2003 a Parigi, delusa per il cambiamento del clima sociale e per il senso di emarginazione da cui si sentiva circondata, ma nel 2005 è tornata nella sua Palermo. Letizia Battaglia ha tre figlie avute dal suo primo matrimonio: Cinzia, Shobha e Patrizia Stagnitta.
Nel 2008 appare in un cameo nel film di Wim WendersPalermo Shooting.
Nel 2017 inaugura a Palermo all'interno dei Cantieri Culturali della Zisa il Centro Internazionale di Fotografia da lei diretto, metà museo, metà scuola di fotografia e galleria.
Nel 2019 inaugura a Venezia presso la Casa dei Tre Oci una grande mostra monografica retrospettiva di tutta la sua carriera.
MOSTRE 2014
'Letizia Battaglia: Breaking The Code of Silence', Open Eye Gallery, Liverpool
“Il Fuoco e la Memoria” Drogheria delle Arti, Piazza Margherita, Novoli 2013
“Antimafia- Letizia Battaglia”, Musée de l’Arsenal, Metz
“ Letizia Battaglia”, Galleria Cardi Black Box, Artissima, Torino
“Letizia Battaglia - Fotografie 1974 - 1993”, Fucecchio Foto Festival, Fucecchio
"Letizia Battaglia, 1974-2013", Workshop Gallery, Venezia 2012
“Rielaborazioni, 204-2012” , Borderline, Palermo
“Letizia Battaglia”, Festival della Legalità, Teatro Margherita, Bari
“Se la guerra è civile”, L’ Aquila Film Festival, L’ Aquila
“Rielaborazioni”, Civica Fototeca, Sesto San Giovanni
“Letizia Battaglia-Francesca Woodman”, Galleria Massimo Minini, Brescia
“Storie di Mafia” , Villa Mussolini, Riccione “Premio Ilaria Alpi
“Dignità e Libertà”, Palazzo Nicotera, Lamezia Terme
“Letizia Battaglia”, Green Sound Festival, Parabita, Lecce
“Se la guerra è civile”, Centro Giovanile Stoà, Busto Arsizio
“Storie di Mafia”, 10b gallery, Roma 2011
“PPP "Pier Paolo Pasolini" , Metis-nl Gallery, Amsterdam
“Letizia Battaglia”, Banca Etica
"Scatti di mafia", Ferrara
“Letizia Battaglia, Untitled (Death By Gun)”, the Istanbul biennial, Istanbul
“Letizia Battaglia - Opere siciliane”, Gratteri
“Letizia Battaglia”, Galleria Comunale di Taranto
“Mafia(s) - Images Singulières”, Sète
“Essere segno”, Festival Internazionale Arte Ai Margini FollowMe, Follonica
“Letizia Battaglia, 1974-2011”, Palazzo Chiaramonte Steri, Palermo
“Letizia Battaglia: immagini di una fotografa antimafia”, Centro Foscolo, Corsico
“Letizia Battaglia, Da donna a donna”, Palazzo Giordani, Parma
“Fotografie di una militante antimafia" , Spazio Il Campanile, Caravaggio
“Mafia - il crimine globale”, Übersee-Museum Bremen, Bremen
“Letizia Battaglia, Documentary Photographs from Sicily (1976-1998)”, Maes & Matthys Gallery, Antwerp 2010
“Letizia Battaglia-Vintages 1972-1993”, Galleria S.T. , Roma
“Forum Nazionale contro la Mafia”, Polo Scienze sociali, Università di Firenze
“Letizia Battaglia- Sizilianische Fotografien von 1976 bis 2009”, Gasteig Aspekte Galerie, München Letizia
“Se la guerra è civile”, Auditorium del Ce.Dir. di Reggio Calabria, Reggio Calabria
“Se la guerra è civile”, LaboratorioZeta, Palermo 2009
"Leben und sterben in Palermo",Die Ausstellung im Design-Center, Hannover
“Quando la guerra è civile”, Facoltà di Giurisprudenza dell’ Università di Pavia
“Letizia Battaglia”, KUNSTHAUS Nürnberg, Norimberga
“Rabbia&Silenzio”, Metis_NL, Amsterdam
“Letizia Battaglia”, Palazzo dei Sette, Orvieto 2008
“Due o tre cose che so di lei”, Galleria Nuvole, Palermo
“Il corpo nella cronaca” Genova
“Attraversare il cuore di tenebra”, Lodi
“Festival du Photojournalisme des Tops”, Shenyang, China
“Attraversare il cuore di tenebra”, Galleria San Fedele”, Milano;
Galleria Cesare Manzo, Pescara
Museo Willy-Brandt Haus, Berlino
Galleria Cesare Manzo, Roma 2007
Ernst Bloch Centre, Ludwigshafen
Akademie der Kunste, Berlino
"Sicilia en Blanco y Negro", La Cinemateca Uruguaya, Montevideo
"Passione, Giustizia, Libertà", Galleria Libritalia. Lisbona
"Passione, Giustizia, Libertà. Foto dalla Sicilia", Museo Luzzati a Porta Siberia, Genova 2006
"Leidenschaft Gerechtigkeit Freiheit", Marta Herford, Herford.
"Sicilia, Alredator de Mafia", Ollada Festival, A Coruna.
"Siciliana", Galleria Bel Vedere, Milano.
"Sicilia", Museo diffuso della Resistenza, Torino.
"Cronache Siciliane", Convitto Pignatelli, Gela.
"Letizia Battaglia" , Castelnuovo di Garfagnana.
" Siciliana", Galleria sotto l' Arco, Altidona.
"Letizia Battaglia", Festival delle Arti Visive, Ceglie Messapica.
"Passione giustizia libertà" , San Giuseppe al Duomo, Catania .
"La Sicilia e il dolore", Castello Ducale, Corigliano Calabro. 2005
"Letizia Battaglia", Metis nl Gallery, Amsterdam.
"Letizia Battaglia", Sparkasse, Osnabruck. 2004
"Una lucha siciliana", Feria di Barcelona.
"Letizia Battaglia", Sguardi altrove, Festival Internazionale a regia femminile, Spazio Oberdan, Milano. 2003
"Letizia Battaglia", Women European Experiences, Museum of Art, Hasselblad Center, Goteborg.
"Letizia Battaglia", Metis nl Gallery, Amsterdam.
"Sorelle", chiesa di San Francesco, Asciano, Siena. 2001
"Les Rencontres d' Averroés", Ist. Italiano di Cultura, Marseille.
"Letizia Battaglia", School of Visual Arts, New York.
"Passion Justice Freedom", Aperture, Burden Gallery, New York.
"Passion Justice Freedom", Richard F. Brush Gallery, Lawrence University, New York. 2000
"Letizia Battaglia", Xposeptember, Fotofestival, Stockholm.
"Letizia Battaglia", Huis Marseille, Oslo.
"Letizia Battaglia", National Geographic, Washington.
"Passione Giustizia Libertà", Cantieri Culturali della Zisa, Palermo.
"Letizia Battaglia", 23' Festival de Cinèma, Douarnenez. 1999
"Letizia Battaglia", L'imagerie, Lannion.
"Passione Giustizia Libertà", Museo Diego Aragona Pignatelli Cortes, Napoli.
"Passion Justice, Liberté", Visa pour l' image, Festival International du Photojournalisme, Perpignan.
"Letizia Battaglia", Interphoto, Festival of Professional Photography, Moscow. 1998
"Letizia Battaglia", Festival Photographique du Trégor, Lannion. 1997
"Dare voce al silenzio degli innocenti", Palazzo Congressi, Pisa.
"Femmes chacées", Valdrada associazione culturale, Bari. 1993
"Cronache siciliane", Cinisello Balsamo.
"Letizia Battaglia Fotografie", Libreria Dante, Palermo. 1991
"Donne e Mafia a Palermo", Expo- Ex Giardini Rocca Roveresca, Senigallia. 1990
"Fuori dalla nostra vita", Palazzo Comunale, Prato. 1988
"Letizia Battaglia", Fotofest, Houston.
"Donna di Paradiso", Club Turati, Salerno. 1987
"Letizia Battaglia", Mois de la Photographie, Montréal. 1986
"Letizia Battaglia", Eugene Smith, International Center of Photography, Centre Georges Pompidou, Paris.
"Palermo amore amaro", Associazione della Stampa, Palermo.
"La donna nella terra della mafia", San Donato Milanese.
"Donna di Paradiso", Diaframma Canon, Milano.
"Nella terra della mafia", Diaframma Canon, Seregno. 1985
"Festival de la Photographie", Lausanne.
"Prima di essere donna", Cinema Metropolitan, Palermo. 1983
"Nobili, signori e disgraziati", Galleria San Fedele, Milano. 1980
"Mafia oggi", Camerawork, London. 1977
"Via Pindemonte e dintorni", esposizione sull'Ospedale Psichiatrico di Palermo.
MOSTRE COLLETTIVE 2012
“Giovanni Falcone, eroe italiano”, Ambasciata Italiana di Washington Dc, Stati Uniti
“Vietato!”, Galleria Bel vedere, Milano 2011
“La nuova scuola di fotografia siciliana” , Milano
“Il Belpaese dell’Arte. Etiche ed Estetiche della Nazione”, Gamec – Bergamo
“La nuova scuola di fotografia siciliana” , Acireale
“Clear Light”, Fondazione Cominelli, San Felice del Benaco 2010
“Disquieting images”, Triennale di Milano
“Exposed, Voyeurism, Surveillance and the Camera”, Tate Modern, Londra 2009
“Italics, Arte italiana fra Tradizione e Rivoluzione 1968-2008", Museum of Contemporary,Chicago
“E si prese cura di lui. Elogio dell’accoglienza”, Galleria SanFedele, Milano
“'Background Story”, Letizia Battaglia, Enrique Metinides, Arnold Odermatt, Galleria Cardi Black Box, Milano 2008
“Italics, Arte italiana fra Tradizione e Rivoluzione 1968-2008", Palazzo Grassi, Venezia 2006
"Biennale Internazionale di fotografia", Brescia, collettiva appunti per una storia della fotografia al femminile.
"Closed Eyes", an international Portrait Exibition, Bandts Museet for Fotokunst, Denmark. 2005
"Palermo FotoStori ' 05", mostra omaggio agli studenti dell'Università di Palermo.
"La dolce crisi", Villa Manin, Passariano, Udine. 2003
"Obiettivamente: I Carabinieri e la Sicilia nella fotografia d' autore", Palermo. 1998
"Immaginare la Costituzione", Modena.
"Un ballon dans la photo", Galerie Municipale du Chateau d'eau, Toulouse. 1997
"Sicile, d'une réalité l'autre", Aubenades.
" Fotografas italianes", Casa de cultura Laura Alvim, Rio de Janiero. 1992
"Premiére Photo" , Mois de la photo à la Galerie du Jour. 1991
Centre Culturelle George Pompidou, esposizione dei laureati del premio Smith. 1990
"FotoFest", Houston, Texas. 1989
"Polo Donna: indagine nel sociale, fotografie." Padiglione d'Arte Contemporanea, Ferrara. 1988
"Volto d'autore", Primo Salone del Libro, Torino Esposizioni.
"Donne che bello!", Centro Sociale Posta Vecchia, Genova. 1986
"Chi troppo e chi niente", Galleria il Diaframma Canon, Milano. 1984
"Della Bellezza", San Paolino alle Regole, Roma.
"11 Italian Women Photographers", Photokina, Cologne.
MOSTRE CON FRANCO ZECCHIN
2006
"Dovere di cronaca", Festival della Fotografia di Roma
"Cronache Siciliane", Convitto Pignatelli, Gela. 1993
"Letizia Battaglia e Franco Zecchin", Istituto Italiano di Cultura, Paris. 1992
"Letizia Battaglia e Franco Zecchin", Musèe de l'Elysèe, Lausanne. 1990
"Letizia Battaglia e Franco Zecchin", Toulose. 1989
"Croniques siciliennes", Centre National de la Photographie, Montpellier. 1987
"Croniques siciliennes", Centre National de la Photographie, Palais de Tokyo, Paris.
"Sicily and the Mafia", Intenational Museum of Photography, Rochester, USA. 1986
"The Stage and the Men, Pirandello' s Sicily", Boston.
"Nella terra della Mafia", Galleria Rondìni, Osimo. 1984
"Guzel Turchia", Diaframma Canon, Milano.
"Sicilia in festa", circolo culturale Bertolt Brecht, Milano.
"Disarmonia Prestabilità", Milano. Palermo non milano 1985
"Nella terra della Mafia", Galleria il Diaframma Canon, Milano. 1979
"Mafia oggi". Mostra itinerante. Centro siciliano di documentazione Giuseppe impastato, diretto da Umberto Santino
Sarà possibile partecipare a quattro visite guidate intitolate “Intorno a Letizia”. Le visite, condotte da ospiti speciali, sono state ideate per far conoscere in profondità la persona e l’opera di Letizia Battaglia:
Domenica 5 gennaio 2020 h. 11:00 Vincenzo Argentieri
Mercoledì 8 Gennaio 2020 h. 18:00 Filippo La Mantia
Sabato 11 gennaio 2020 h. 11:00 Antonio Marras e Francesca Alfano Miglietti
Domenica 12 gennaio 2020 h. 11:00 Denis Curti
Fotocontest "Letizia Battaglia. Persone" Il primo contest ha per oggetto il tema "persone", soggetto centrale di tutta l’opera di Letizia Battaglia, dai racconti di mafia, alle rivolte di piazza, ai ritratti di strada. Fotocontest "Letizia Battaglia. Progetti" Questo contest è ispirato dalle riflessioni di Letizia Battaglia sul proprio archivio fotografico e su come alcune fotografie assumano un significato diverso se viste con occhi di oggi.I partecipanti potranno riaprire i propri archivi personali, scegliere una foto, e scattarne una simile che, se messa a confronto con la prima, possa rinnovarne il significato, creando così un piccolo “progetto” fotografico.
Letizia Battaglia. Storie di strada A cura di: Francesca Alfano Miglietti Enti Promotori: Comune di Milano - Cultura, Palazzo Reale, Civita Tre Venezie Promossa da: Fondazione di Venezia Dal 5/12/2019 al 19/01/2020
Orari: Lun: 14:30 - 19:30; Mar: 09:30 - 19:30; Mer: 09:30 - 19:30; Gio: 09:30 - 22:30; Ven: 09:30 - 19:30; Sab: 09:30 - 22:30; Dom: 09:30 - 19:30 Biglietti: (audioguida inclusa / prevendita esclusa) Intero € 13 Open € 15; Abbonam. Musei Lombardia € 10; Ridotto € 11; Ridotto speciale € 6; Biglietto Famiglia: 1 o 2 adulti € 10 / ragazzi dai 6 ai 14 anni € 6; Ultimo ingresso un' ora prima della chiusura Info e prenotazioni: T. 199151121 (attivo dal lunedì al venerdì 9.00-18.00; sabato 9.00 - 12.00); dall’estero: +39 0289096942 - mostre@civita.it Uffici stampa: Civita - Ombretta Ambra Roverselli: roverselli@civita.it T. +39 0243353527; M. +39 3495925715 Comune di Milano - Elena Conenna - elenamaria.conenna@comune.milano.it
"Il paesaggio è in realtà una visione dove si fondono in un unicum atmosfere e stati d’animo."
Francesco Bosso
Dal 23 ottobre al 14 dicembre 2019 CREVAL presenta "Primitive Elements", mostra personale del fotografo Francesco Bosso (Barletta, 1959), a cura di Filippo Maggia, realizzata in collaborazione con l’autore negli spazi della Galleria delle Stelline.
Con una selezione di oltre quaranta fotografie di medio e grande formato e un video documentario con un’intervista a Bosso. Primitive Elements propone una sintesi della sua ricerca fotografica condotta negli ultimi 15 anni in zone del mondo ancora incontaminate, pure e primitive come appaiono ai nostri occhi.
Il 2019 sarà ricordato come l’anno in cui il cambiamento climatico è divenuto un’emergenza globale, registrando una serie di record negativi il cui impatto sul pianeta ha provocato e continuerà a provocare “fenomeni di frequenza e intensità mai visti nella storia umana e con essi sofferenze, perdita di vite, sconvolgimento degli ecosistemi e della ricchezza di bio-diversità che sostengono la nostra vita” (fonte WWF).
A partire da queste considerazioni, Primitive Elements propone un percorso di conoscenza tra scenari e paesaggi naturali fatti di ghiacciai, scogliere, oceani, isole vergini, foreste pluviali: ritratti di una terra ideale, luogo incontaminato ormai in via di sparizione che non siamo in grado di lasciare in eredità alle generazioni future. La scelta delle foto in mostra vuole stimolare nel pubblico la consapevolezza, sempre più urgente, della necessità di tutelare l’ambiente e di promuovere con convinzione un cambiamento culturale che affondi le sue radici nell'uso responsabile delle risorse naturali e in particolare dell’acqua, elemento centrale del paesaggio naturale e antropico su cui Bosso ha lavorato intensamente realizzando immagini in tutto il mondo. Particolarmente significativi, in questo senso, gli scatti realizzati dall’autore in ambiente Artico, dove il riscaldamento globale sta facendo sentire i suoi effetti in modo drammatico, a testimonianza dello stato di emergenza a cui siamo giunti. Luca Mercalli, presidente della Società Meteorologica Italiana, nel suo saggio “Un disastro silenzioso” sottolinea: “Sono sintomi di un disastro silenzioso, di un grave malanno del clima terrestre. Il riscaldamento globale - come previsto da decenni - ha effetti più rapidi alle alte latitudini boreali rispetto ad altre zone, un fenomeno noto come “amplificazione artica” [...] Se l'immensa quantità di ghiaccio presente sull' inlandsis groenlandese fondesse, i mari del mondo crescerebbero di circa sette metri: allora sì che tutti sarebbero costretti a prendere atto dell'importanza di quelle remote e inospitali regioni glaciali perché l'acqua irromperebbe nelle proprie vite tanto a Venezia come a Manhattan!”
Francesco Bosso, fotografo di paesaggio formatosi alla scuola americana di Kim Weston - nipote del grande maestro Edward - e di John Sexton e Alan Ross - assistenti di Ansel Adams, uno dei padri fondatori della fotografia paesaggistica - Francesco Bosso lavora esclusivamente in bianco e nero, scattando su pellicola di grande formato con banco ottico e stampando personalmente tutte le opere in camera oscura, su carta baritata alla gelatina d'argento e con successivo trattamento al selenio.
Da anni, Francesco Bosso è rappresentato in Italia dalla galleria Photo & Contemporarydi Valerio Tazzetti, puntodiriferimento della fotografia contemporanea.
“Fotografo anomalo rispetto al panorama contemporaneo, esclusivo nella ricerca personale quanto nel metodo d’indagine e indifferente ai trend che oggi contraddistinguono l’utilizzo delle immagini, - sottolinea il curatore della mostra, Filippo Maggia - Bosso tende a spiazzare lo spettatore invitandolo al silenzio e alla contemplazione, ben distante dunque dalla necessità di colpire e aggredire che accomuna molta della produzione attuale caratterizzata da immagini che nascono per essere velocemente consumate e immediatamente rimpiazzate da altre.” Primitive Elements presenterà un allestimento in cui isole di luce si alterneranno a zone di ombra profonda, essenziale e funzionale nel voler restituire la condizione di attesa e stupore che il fotografo ha vissuto in prima persona e che vuole ora restituire allo spettatore, come se quei luoghi fossero realmente di fronte a lui.
La mostra è accompagnata da un’esaustiva pubblicazione edita da Silvana Editoriale, che comprenderà alcuni contributi critici sul lavoro di Francesco Bosso e la riproduzione di tutte le opere esposte.
Francesco Bosso, (Barletta, 1959), è uno dei maggiori interpreti italiani del paesaggio e della natura selvaggia in bianconero. La sua meticolosa ricerca mira ad isolare forme ed elementi naturali in luoghi incontaminati, dove il silenzio è signore assoluto. “Il paesaggio è in realtà una visione dove si fondono in un unicum atmosfere e statid’animo” afferma l’autore, ispirato dalla poesia di Walt Whitman e da un approccio orientale, quasi shintoista. La straordinaria padronanza della tecnica di ripresa all'aperto in grande formato e il suo virtuosismo in cameraoscura, utilizzando procedimenti esclusivamente analogici, gli consentono di ottenere pregiate stampe alla gelatina d’argento, che intensifica la pulizia dei bianchi e la profondità dei contrasti tonali. Dopo anni dedicati al reportage etnico e alla ricerca antropologica in diversi Paesi africani e in Cina - documentati nei due libri fotografici Swahili-African Portraits e China Crossing - ha deciso di iniziare un percorso di ricerca e riflessione sui paesaggi naturali elaborando una serie di teorie sulla sua diversità, cercando di trasferire allo spettatore quel qualcosa in più che vada oltre la mera immagine.Nel 2014 espone le sue opere al Museo delle Arti Visive di Spoleto, l’imponente mostra è la somma di quasi 8 annidi lavoro e rappresenta un bellissimo viaggio nell’astrattismo tra fotografia panoramica e materia pittorica.
Nel 2015 Bosso partecipa alla 56ª edizione della Biennale di Venezia dove esporrà l’imponente trittico “ARRAYS” nell’ambito della mostra Present Nearness.
Le sue opere fanno parte di importanti collezioni private e pubbliche, mentre i suoi progetti espositivi sono statiospitati in istituzioni nazionali e internazionali come il Museo delle Arti Visive di Spoleto, il Museo Pino Pascali di Polignano, il Museo Camera di Torino, il Centro Culturale Candiani (Venezia), il Museo Nazionale della Fotografia (Brescia) e il Cultural Centre Museum di Hong Kong, M50 Space Gallery di Shanghai, oltre ad importanti mostre personali a Monaco di Baviera, Parigi, Karlsrhue e Bruxelles.
Filippo Maggia, nato a Biella, Italia nel 1960. Vive fra Firenze e Modena. Dal 1993 al 2005, Filippo Maggia è stato curatore di fotografia alla Galleria Civica di Modena. Dal 1998, è stato curatore di fotografia italiana e direttore della storica collezione di fotografia alla Fondazione Sandretto Re Rebaudengo di Torino. Dal 2001 al 2004, ha preso parte al Comitato Scientifico della Galleria d’Arte Moderna di Bologna. E’ stato esponente della giuria per l’Hasselblad Award 2004, al quale aveva già partecipato nel 2003. E’ stato curatore della collezione Fondazione Sella di Biella, fra il 2002-2006, e curatore di fotografia alla Fondazione Bevilacqua La Masa di Venezia, dal 2006 al 2008. Nel 2007, Filippo Maggia è stato nominato curatore capo della Fondazione Fotografia e delle collezioni di fotografia contemporanea della Fondazione Cassa di Risparmio di Modena. Da Marzo 2013, è Direttore Capo dei Progetti della Fondazione Fotografia, Modena. Nel 2007, ha ricevuto una visiting fellowship al Royal College of Art (Londra), ed è al momento visiting tutor nel loro Dipartimento di Fotografia. Dal 2000 al 2009, ha insegnato Storia della Fotografia Contemporanea e Design all’Istituto Europeo di Design di Torino. Dal 2010, ha insegnato documentazione fotografica all’Accademia di Belle Arti di Catania. Fra il 1998 e il 2004, Filippo Maggia è stato editore a BaldiniCastoldiDalai per la serie Fotografia come Linguaggio. In seguito, fino al 2006, è stato Editore Capo a Nepente Editore. È stato editore per Skira dal 2006. Scrive regolarmente per periodici d’arte, come Il Giornale dell’Arte e collabora con RAI, e Radio3 Suite..
Francesco Bosso Primitive Elements A cura di: Filippo Maggia Dal 23 ottobre al 14 dicembre 2019 Inaugurazione: 22 ottobre 2019, ore 19.00 Orari: da martedì a venerdì 14.00 /19.00 - sabato 10.00 / 12.00, chiuso domenica e lunedì; 1 novembre e 7 dicembre Ingresso: libero Catalogo: Silvana Editoriale Informazioni: galleriearte@creval.it - www.creval.it - www.francescobosso.com - info@francescobosso.it Main Gallery: Photo & Contemporary di Valerio Tazzetti - via dei Mille, 36 - 10123 Torino (Italy) - T. +39 011 889 884 - info@photoandcontemporary.com - photoco@libero.it Ufficio Stampa: Lara Facco P&C - T. +39 02 36565133 - press@larafacco.com - Lara Facco: M.+39 349 2529989 - lara@larafacco.com; Marta Pedroli: M. +39 347 4155017 - marta@larafacco.com
Galleria delle Stelline Corso Magenta n. 59 Milano
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